Ópera
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Opera (plural Inglés: óperas; plural italiano: opere) es un forma de arte en la que cantantes y músicos realizan un espectacular trabajo que combina texto (llamado libreto) y partitura musical, por lo general en un teatro ajuste. Opera incorpora muchos de los elementos del teatro hablado, como actuando, paisaje, y trajes y algunas veces incluye danza. El rendimiento que normalmente se da en un ópera, acompañado por un orquesta o menor conjunto musical.
Opera es parte de la Occidental tradición de la música clásica. Comenzó en Italia a finales del siglo 16 (con Perdido de Jacopo Peri Dafne, producido en Florencia en 1598) y pronto se extendieron por el resto de Europa: Schütz en Alemania, Lully en Francia, y Purcell en Inglaterra todos ayudaron a establecer sus tradiciones nacionales en el siglo 17. En el siglo 18, la ópera italiana continuó dominando la mayor parte de Europa, excepto Francia, atrayendo a compositores extranjeros tales como Handel . La ópera seria era la forma más prestigiosa de la ópera italiana, hasta Gluck reaccionó contra su artificialidad con sus óperas "reforma" en la década de 1760. Hoy en día la figura más famosa de finales de la ópera del siglo 18 es Mozart , que comenzó con la ópera seria, pero es más famoso por su italiano óperas cómicas, especialmente Las bodas de Fígaro (Le nozze di Figaro), Don Giovanni, y Così fan tutte, así como La flauta mágica (Die Zauberflöte), un hito en la tradición alemana.
El primer tercio del siglo 19 vio el punto culminante de la estilo del bel canto, con Rossini, Donizetti y Bellini creando todo obras que todavía se realizan hoy en día. También vio la llegada de Grand Opera tipificado por las obras de Auber y Meyerbeer. El medio-finales del siglo 19 era una "edad de oro" de la ópera, dirigido y dominado por Wagner en Alemania y Verdi en Italia. La popularidad de la ópera continuó a través de la era verismo en Italia y contemporáneo Ópera francés a través de Puccini y Strauss en el siglo 20. Durante el siglo 19, las tradiciones operísticas paralelas emergieron en Europa central y oriental, en particular en Rusia y Bohemia. El siglo 20 vio muchos experimentos con estilos modernos, como la atonalidad y serialismo ( Schoenberg y Berg), Neoclasicismo ( Stravinsky ), y Minimalismo ( Philip Glass y John Adams). Con el auge de la tecnología de grabación, los cantantes tales como Enrico Caruso hizo conocido para el público más allá del círculo de aficionados a la ópera. Óperas también se realizaron en (y escritas para) radio y televisión.
Terminología Operatic
Las palabras de una ópera que se conoce como la libreto (literalmente "librito"). Algunos compositores, notablemente Richard Wagner , han escrito su propia libretos; otros han trabajado en estrecha colaboración con sus libretistas, por ejemplo Mozart con Lorenzo Da Ponte. La ópera tradicional, a menudo referido como " número ópera ", se compone de dos modalidades de canto: recitativo, los pasajes de la trama de conducción canta en un estilo diseñado para imitar y hacer hincapié en las inflexiones de voz, y aria (un "aire" o la canción formal) en la que los personajes expresan sus emociones en un estilo melódico más estructurado. Dúos, tríos y otras agrupaciones a menudo se producen, y los coros se utilizan para comentar la acción. En algunas formas de la ópera, como Singspiel, opéra comique, opereta, y semi-ópera, el recitativo es reemplazado en su mayoría por el diálogo hablado. Pasajes melódicos o semi-melódicas que se producen en medio de, o en lugar de, recitativo, también se conocen como arioso. Durante los periodos barroco y clásico, recitativo podría aparecer en dos formas básicas: secco (seco) recitativo, cantado con un ritmo libre dictada por el acento de las palabras, acompañado sólo por continuo, que era por lo general una clavecín y un violonchelo; o accompagnato (también conocido como strumentato) en el que la orquesta proporcionado acompañamiento. En el siglo 19, accompagnato había ganado la partida, la orquesta tuvo un papel mucho más grande, y Richard Wagner revolucionó la ópera mediante la abolición de casi toda distinción entre aria y recitativo en su búsqueda de lo que calificó de "melodía infinita". Compositores posteriores han tendido a seguir el ejemplo de Wagner, aunque algunos, como Stravinsky en su El progreso del libertino se han rebelado contra la tendencia. La terminología de los diversos tipos de voces de ópera se describe en detalle a continuación .
Historia
Orígenes
La palabra ópera significa "trabajo" en italiano (es el plural de latinas opus que significa "trabajo" o "trabajo") sugiriendo que combina las artes de solista y canto coral, declamación, actuación y baile en un espectáculo en escena. Dafne por Jacopo Peri fue la composición considerada ópera más antigua, tal como se entiende hoy en día. Fue escrito alrededor de 1597, en gran parte bajo la inspiración de un círculo de élite de leer y escribir Florentinos humanistas que se reunieron como el " Camerata de 'Bardi ". Significativamente, Dafne fue un intento de revivir el clásico Drama griego, parte del renacimiento más amplia de la antigüedad característica del Renacimiento . Los miembros de la Camerata consideraban que las partes "coro" de los dramas griegos fueron cantadas originalmente, y posiblemente incluso el texto completo de todas las funciones; ópera fue así concebida como una forma de "restaurar" esta situación. Dafne se pierde por desgracia. Un trabajo posterior de Peri, Euridice, que data de 1600, es la primera partitura de ópera que ha sobrevivido hasta nuestros días. El honor de ser la primera ópera aún no se ha realizado con regularidad, sin embargo, va a Claudio Monteverdi L'Orfeo, compuesto para la corte de Mantua en 1607. El tribunal de Mantua de la Gonzaga, los empleadores de Monteverdi, jugó un papel importante en el origen de la ópera que emplea no sólo cantantes de la corte de la donne delle concierto (hasta 1598), pero también uno de los primeros cantantes de ópera "reales"; Madama Europa.
Ópera italiana
El Barroco
Opera no quedó confinada a audiencias judiciales por mucho tiempo. En 1637, la idea de una "temporada" ( Carnaval) de óperas asistido públicamente el apoyo de la venta de entradas surgió en Venecia. Monteverdi se había trasladado a la ciudad de Mantua y compuso sus últimas óperas, Il ritorno d'Ulisse in patria y La coronación de Popea, para el teatro veneciano en la década de 1640. Su seguidor más importante Francesco Cavalli ayudó a la propagación de la ópera a través de Italia. En estas óperas barrocas tempranas, la comedia se mezcló con elementos trágicos en una mezcla que sacudió algunas sensibilidades educados, lo que desató el primero de muchos movimientos de reforma de la ópera, patrocinado por Arcadian Academia de Venecia, que llegó a ser asociado con el poeta Metastasio, cuya libretos ayudó a cristalizar el género de la ópera seria, que se convirtió en la principal forma de ópera italiana hasta finales del siglo 18. Una vez que el ideal Metastasian se había establecido firmemente, comedia en la ópera barroca de la época estaba reservado para lo que llegó a ser llamado ópera bufa.
Antes de que tales elementos fueron expulsados de la ópera seria, muchos libretos había ofrecido un argumento cómico despliegue por separado, como una especie de "ópera-en-un-opera". Una razón de esto fue un intento de atraer a los miembros de la clase de los comerciantes en crecimiento, nuevos ricos, pero aún menos culta que la nobleza, al público teatros de ópera. Estas parcelas separadas fueron resucitados casi de inmediato en una tradición en desarrollo por separado que en parte deriva de la commedia dell'arte, una larga tradición floreciente etapa de improvisación de Italia. Así como intermedi una vez se había realizado en el medio de los actos de obras de teatro, óperas en el nuevo género cómico de "intermezzi", que se desarrolló en gran parte en Nápoles en los años 1710 y los años 20, se organizaron inicialmente durante los entreactos de la ópera seria. Llegaron a ser tan popular, sin embargo, que pronto se ofrecían como producciones independientes.
La ópera seria fue elevado en el tono y muy estilizado en la forma, por lo general consiste en recitativo secco intercalados con arias capo largo da. Estos otorga gran oportunidad para el canto virtuoso y durante la edad de oro de la ópera seria el cantante realmente se convirtió en la estrella. El papel del héroe fue escrito por lo general para la voz castrado; castrati como Farinelli y Senesino, así como hembra sopranos como Faustina Bordoni, se convirtió en gran demanda en toda Europa como la ópera seria gobernó la etapa en todos los países, excepto Francia. De hecho, Farinelli fue uno de los cantantes más famosos del siglo 18. Ópera italiana estableció el estándar barroco. Libretos italianos eran la norma, incluso cuando un compositor alemán como Handel encontró componiendo los gustos de Rinaldo y Giulio Cesare para el público londinense. Libretos italiano se mantuvo dominante en el período clásico, así, por ejemplo, en las óperas de Mozart , que escribió en Viena cerca del fin del siglo. Liderando compositores nacidos en Italia de ópera seria incluyen Alessandro Scarlatti, Vivaldi y Porpora.
Reforma: Gluck, el ataque contra el ideal Metastasian, y Mozart
Mozart K. 527 Obertura de Don Giovanni (1787), una de las piezas más conocidas de Mozart. (6:49 minutos)
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La ópera seria tenía sus debilidades y críticos. El gusto por el adorno en nombre de los cantantes magníficamente entrenados, y el uso de espectáculo como un reemplazo de la pureza y la unidad dramática dibujaron ataques. Ensayo de Francesco Algarotti en la ópera (1755) resultó ser una inspiración para Las reformas de Christoph Willibald Gluck. Abogó por que la ópera seria tuvo que volver a lo básico y que todos los diversos elementos de la música (tanto instrumental como vocal), ballet, y puesta en escena, debe estar al servicio del drama primordial. Varios compositores de la época, entre ellos Niccolò Jommelli y Tommaso Traetta, intentó poner en práctica estos ideales. El primero en tener éxito sin embargo, fue Gluck. Gluck se esforzó por lograr una "hermosa simplicidad". Esto es evidente en su primera ópera de reforma, Orfeo ed Euridice, donde sus melodías vocales no virtuosas son apoyados por armonías simples y una presencia orquesta más rico por todo.
Reformas de Gluck han tenido resonancia en toda la historia operística. Weber, Mozart y Wagner, en particular, fueron influenciados por sus ideales. Mozart, en muchos sentidos el sucesor de Gluck, combinó un excelente sentido del drama, la armonía, la melodía y el contrapunto a escribir una serie de comedias, en particular Così fan tutte, Las bodas de Fígaro , y Don Giovanni (en colaboración con Lorenzo Da Ponte), que siguen estando entre las óperas más queridas, populares y conocidas en la actualidad. Pero la contribución de Mozart a la ópera seria es más difusa; por su tiempo que se estaba muriendo de distancia, ya pesar de estas obras excelentes como Idomeneo y La clemenza di Tito, él no tendría éxito en llevar el arte a la vida de nuevo.
Bel Canto, Verdi y el verismo
La donna è mobile Enrico Caruso canta " La donna è mobile ", de Giuseppe Verdi 's Rigoletto (1908) No Pagliaccio no hijo Aria de Ruggero Leoncavallo Pagliacci. Interpretada por Enrico Caruso |
La bel canto ópera movimiento floreció en el siglo 19 y se ilustra por las óperas de Rossini, Bellini, Donizetti, Pacini, Mercadante y muchos otros. Literalmente "hermoso canto", ópera del bel canto se deriva de la escuela de canto de estilo italiano del mismo nombre. Líneas del bel canto son típicamente florido e intrincado, lo que requiere agilidad suprema y control de paso. Los ejemplos de famosas óperas en el estilo bel canto incluyen Rossini Il Barbiere di Siviglia y La Cenerentola, así como Donizetti Lucia di Lammermoor.
Después de la era del bel canto, un estilo más directo contundente fue popularizado rápidamente por Giuseppe Verdi , comenzando con su ópera bíblica Nabucco. Óperas de Verdi resonaron con el creciente espíritu de Nacionalismo italiano en el post- napoleónica era, y rápidamente se convirtió en un icono del movimiento patriótico (aunque sus propias políticas eran quizás no tan radical). A principios de la década de 1850, Verdi produjo sus tres óperas más populares: Rigoletto, Il trovatore y La traviata. Pero él continuó desarrollando su estilo, componer tal vez el mayor francés Grand Opera, Don Carlos, y poner fin a su carrera con dos inspirados Shakespeare obras, Otello y Falstaff, que revela hasta qué punto la ópera italiana había crecido en sofisticación desde principios del siglo 19.
Después de Verdi, el melodrama sentimental "realista" de verismo apareció en Italia. Este fue un estilo introducido por Pietro Mascagni Cavalleria rusticana y Ruggero Leoncavallo Pagliacci que llegó prácticamente a dominar escenarios de ópera del mundo, con obras tan populares como Giacomo Puccini La bohème, Tosca y Madama Butterfly . Compositores italianos posteriores, como Berio y Nono, han experimentado con modernismo.
Ópera en alemán
La primera ópera alemana fue Dafne, compuesta por Heinrich Schütz en 1627, pero la cuenta de la música no ha sobrevivido. Ópera italiana celebró una gran influencia sobre los países de habla alemana hasta finales del siglo 18. Sin embargo, las formas nativas desarrollaron también. En 1644 Sigmund Staden produjo el primer Singspiel, Seelewig, una forma popular de la ópera en lengua alemana en la que el canto se alterna con diálogos hablados. A finales del siglo 18 y siglo 17, el Teatro am Gänsemarkt en Hamburgo presentó óperas alemanas por Keiser, Telemann y Haendel . Sin embargo, la mayoría de los principales compositores alemanes de la época, entre ellos el propio Haendel, así como Graun, Hasse y más tarde Gluck, decidió escribir la mayoría de sus óperas en lenguas extranjeras, especialmente italianos. A diferencia de la ópera italiana, que se compone generalmente de la clase aristocrática, la ópera alemana se compone generalmente de las masas y tendía a ofrecer melodías folclóricas como simples, y no fue hasta la llegada de Mozart que la ópera alemana fue capaz de igualar su homólogo italiano en sofisticación musical.
Mozart 's Singspiele, El rapto en el Serrallo (1782) y Die Zauberflöte (1791) fueron un importante avance en el logro de reconocimiento internacional para la ópera alemana. La tradición se desarrolló en el siglo 19 por Beethoven con su Fidelio, inspirada en el clima de la Revolución francesa . Carl Maria von Weber estableció Ópera romántica alemana en la oposición a la dominación de la lengua italiana bel canto. Su Der Freischütz (1821) muestra su genio para crear una atmósfera sobrenatural. Otros compositores de ópera de la época incluyen Marschner, Schubert y Lortzing, pero la figura más importante fue sin duda Wagner .
Wagner fue uno de los compositores más revolucionarios y controvertidas de la historia musical. Comenzando bajo la influencia de Weber y Meyerbeer, evolucionó gradualmente un nuevo concepto de ópera como Gesamtkunstwerk (una "obra de arte total"), una fusión de la música, la poesía y la pintura. Aumentó considerablemente el papel y el poder de la orquesta, la creación de cuentas con una compleja red de leitmotivs, recurrente temas a menudo asociados con los personajes y conceptos del drama, de los cuales prototipos pueden ser escuchados en sus óperas anteriores tales como El holandés errante, Tannhäuser y Lohengrin; y él estaba dispuesto a violar las convenciones musicales aceptados, como tonalidad, en su búsqueda de una mayor expresividad. En sus dramas musicales maduros, Tristán e Isolda, Los maestros cantores de Nuremberg, Der Ring des Nibelungen y Parsifal, abolió la distinción entre aria y recitativo a favor de un flujo continuo de "melodía infinita". Wagner también trajo una nueva dimensión filosófica a la ópera en sus obras, que se basan generalmente en historias de Germánica o artúrica leyenda. Finalmente, Wagner construyó su propia casa de ópera en Bayreuth con parte del patrocinio de Luis II de Baviera, dedicado exclusivamente a la realización de sus propias obras en el estilo que quería.
Opera nunca sería la misma después de Wagner y de muchos compositores de su legado demostrado ser una pesada carga. Por otra parte, Richard Strauss aceptó las ideas wagnerianas pero los llevó en su totalidad nuevas direcciones. Él primero ganó fama con el escandaloso Salomé y la oscura tragedia Elektra, en el que la tonalidad fue empujado hasta el límite. Entonces Strauss cambió de táctica en su mayor éxito, Caballero de la rosa, donde Mozart y vienesa valses volvieron tan importante influencia como Wagner. Strauss continuó produciendo un cuerpo muy variada de obras de ópera, a menudo con libretos del poeta Hugo von Hofmannsthal. Otros compositores que hicieron contribuciones individuales a la ópera alemana en el siglo 20 incluyen Alexander von Zemlinsky, Erich Korngold, Franz Schreker, Paul Hindemith, Kurt Weill y el italiano nacido- Ferruccio Busoni. Las innovaciones de ópera de Arnold Schoenberg y sus sucesores se discuten en la sección sobre el modernismo .
Durante el siglo 19, el compositor austriaco Johann Strauss II, admirador de la lengua francesa operetas compuesta por Jacques Offenbach, compuso varias zarzuelas de lengua alemana, el más famoso de los cuales fue Die Fledermaus, que todavía se lleva a cabo regularmente en la actualidad. Sin embargo, en lugar de copiar el estilo de Offenbach, las operetas de Strauss II tenían claramente vienés sabor a ellos, que han cimentado el lugar de la Strauss II como uno de los más reconocidos compositores de opereta de todos los tiempos.
Ópera francés
En rivalidad con importados producciones de ópera italiana, una tradición francesa separada fue fundada por el italiano Jean-Baptiste Lully en la corte del rey Luis XIV . A pesar de su origen extranjero, Lully estableció un Academia de Música y monopolizó la ópera francesa desde 1672. A partir de Cadmo y Harmonía, Lully y su libretista Quinault creado tragédie en musique, una forma en la que la música de baile y escritura coral fueron particularmente prominente. Las óperas de Lully también muestran una preocupación para expresiva recitativo que se correspondía con los contornos de la lengua francesa. En el siglo 18, el sucesor más importante de Lully era Jean-Philippe Rameau, que compuso cinco tragédies en musique, así como numerosas obras en otros géneros como opéra-ballet, todo notable por su rica orquestación y audacia armónica. A pesar de la popularidad de italiano ópera seria en gran parte de Europa durante la época barroca, la ópera italiana nunca ganaron tanto de un punto de apoyo en Francia, donde su propia tradición operística nacional era más popular en su lugar. Después de la muerte de Rameau, el alemán Gluck fue persuadido para producir seis óperas para la etapa parisina en la década de 1770. Ellos muestran la influencia de Rameau, pero simplificada y con mayor énfasis en el drama. Al mismo tiempo, a mediados del siglo 18o otro género fue ganando popularidad en Francia: ópera cómica. Este fue el equivalente del alemán singspiel, donde arias alternan con diálogos hablados. Ejemplos notables de este estilo fueron producidos por Monsigny, Philidor y, sobre todo, Grétry. Durante el Revolucionario período, compositores como Méhul y Cherubini, que eran seguidores de Gluck, trajo una nueva seriedad al género, que nunca había sido totalmente "comic" en ningún caso. Otro fenómeno de este período fue la 'ópera propaganda' celebrar los éxitos revolucionarios, por ejemplo, De Gossec Le Triunfo de la República (1793).
Por la década de 1820, la influencia Gluckian en Francia había dado paso a un gusto por la italiana bel canto, sobre todo después de la llegada de Rossini en París. Rossini Guillaume Tell ayudó a fundar el nuevo género de Grand Opera, una forma cuyo exponente más famoso era otro extranjero, Giacomo Meyerbeer. Obras de Meyerbeer, como Hugonotes subrayó canto virtuoso y puestas en escenas extraordinarias. Más claro opéra comique también disfrutó de un gran éxito en las manos de Boïeldieu, Auber, Hérold y Adolphe Adam. En este clima, las óperas del compositor nacido en Francia Hector Berlioz luchó para ganar una audiencia. Obra maestra épica de Berlioz Los Troyanos, la culminación de la tradición Gluckian, no se le dio un rendimiento completo durante casi cien años.
Carmen: Chanson du toréador Pasquale Amato 1911 versión de la canción de los Toreador de Georges Bizet Carmen (1875). |
En la segunda mitad del siglo 19, Jacques Offenbach creado opereta con obras ingeniosas y cínicos como Enfers aux Orphée, así como la ópera Les Contes d'Hoffmann; Charles Gounod anotó un éxito masivo con Fausto; y Bizet compuesta Carmen, que, una vez que el público aprendió a aceptar su mezcla de romanticismo y el realismo, se convirtió en el más popular de todos comiques ópera. Jules Massenet, Camille Saint-Saëns y Léo Delibes todas las obras compuestas que todavía son parte del repertorio estándar, siendo ejemplos de Massenet Manon, Saint-Saëns Samson et Dalila y Delibes ' Lakmé. Al mismo tiempo, la influencia de Richard Wagner se sintió como un desafío a la tradición francesa. Muchos críticos franceses rechazaron airadamente dramas musicales de Wagner mientras que muchos compositores franceses les imitaron estrechamente con éxito variable. Tal vez la respuesta más interesante vino de Claude Debussy. Al igual que en las obras de Wagner, la orquesta tiene un papel protagonista en la ópera de Debussy única Pelléas et Mélisande (1902) y no hay arias reales, sólo recitativo. Pero el drama es discreto, enigmática y completamente unWagnerian.
Otros nombres notables del siglo 20 incluyen Ravel, Dukas, Roussel y Milhaud. Francis Poulenc es uno de los pocos compositores de posguerra de cualquier nacionalidad cuyo óperas (que incluyen Diálogos de Carmelitas) han ganado un hueco en el repertorio internacional. Largo drama sacro de Olivier Messiaen San Francisco de Asís (1983) también ha atraído la atención general.
Ópera en idioma Inglés
Quédate, Prince y escuchar Una escena de Purcell Dido y Eneas . Mensajero de las brujas, en la forma de sí mismo Mercurio, intenta convencer a Eneas a abandonar Cartago. |
En Inglaterra, el antecedente de la ópera era la plantilla del siglo 17. Este fue un afterpiece que se produjo al final de un juego. Era frecuente calumnioso y escandaloso y consistió en la principal del diálogo con música dispuestas de melodías populares. En este sentido, las plantillas anticipan las óperas de balada del siglo 18. Al mismo tiempo, los franceses masque estaba ganando un buen agarre en el Corte Inglés, con aún más esplendor de lujo y paisajes muy realistas que se habían visto antes. Inigo Jones se convirtió en el diseñador por excelencia de estas producciones, y este estilo iba a dominar el escenario Inglés durante tres siglos. Estas máscaras contenían canciones y bailes. En Ben Jonson 's amantes Made Men (1617), "todo el masque se cantó a la manera italiana, stilo recitativo". El enfoque de la Inglés Commonwealth cerrado teatros y se detuvo toda evolución que pueden haber llevado a la creación de la ópera Inglés. Sin embargo, en 1656, la dramaturgo Sir William Davenant produjo El cerco de Rodas. Desde su teatro no tenía licencia para producir el drama, le pidió a varios de los principales compositores (Lawes, Cooke, Locke, Coleman y Hudson) para establecer secciones de la misma música. Este éxito fue seguido por La crueldad de los españoles en el Perú (1658) y La historia de Sir Francis Drake (1659). Estas piezas fueron alentados por Oliver Cromwell porque eran críticos de España. Con el Inglés Restauración, músicos extranjeros (sobre todo franceses) fueron recibidos de nuevo. En 1673, Thomas Shadwell de Psique, modelada en el 1671 'comédie-ballet' del mismo nombre producida por Molière y Jean-Baptiste Lully. William Davenant produjo la tempestad en el mismo año, que fue la primera adaptación musical de un Shakespeare jugar (compuesta por Locke y Johnson). Acerca de 1683, John Blow compuesto Venus y Adonis, a menudo considerados como la primera verdadera ópera en idioma Inglés.
Sucesor inmediato del golpe fue el más conocido Henry Purcell . A pesar del éxito de su obra maestra Dido y Eneas (1689), en la que la acción es fomentado por el uso de recitativo de estilo italiano, gran parte de los mejores trabajos de Purcell no estuvo involucrado en la composición de la ópera típica, pero en lugar de eso solía trabajar en el restricciones de la formato semi-ópera, donde las escenas y máscaras aisladas están contenidas dentro de la estructura de una obra de teatro hablado, como Shakespeare en Purcell La reina de las hadas (1692) y Beaumont y Fletcher en la profetisa (1690) y Bonduca (1696). Los personajes principales de la obra tienden a no participar en las escenas musicales, lo que significa que Purcell era rara vez capaces de desarrollar a sus personajes a través del canto. A pesar de estos obstáculos, su objetivo (y la de su colaborador John Dryden) fue establecer ópera seria en Inglaterra, pero estas esperanzas terminó con la temprana muerte de Purcell a la edad de 36.
Después de Purcell, la popularidad de la ópera en Inglaterra disminuyó durante varias décadas. Un renovado interés en la ópera se produjo en la década de 1730 que se atribuye en gran parte a Thomas Arne, tanto para sus propias composiciones y para alertar a Handel a las posibilidades comerciales de obras de gran envergadura en Inglés. Arne fue el primer compositor Inglés a experimentar con estilo italiano todo-sung ópera cómica, siendo su mayor éxito Thomas y Sally en 1760. Su ópera Artajerjes (1762) fue el primer intento de establecer un completo soplado- ópera seria en Inglés y fue un gran éxito, la celebración de la etapa hasta la década de 1830. Aunque Arne imitado muchos elementos de la ópera italiana, fue tal vez el único compositor Inglés en ese momento que fue capaz de ir más allá de las influencias italianas y crear su propia voz única y distinta Inglés. Su ópera balada modernizado, El amor en un pueblo (1762), comenzó una moda para la ópera pastiche que duró hasta bien entrado el siglo 19. Charles Burney escribió que Arne introdujo "un amplio, luminoso y original, y la melodía agradable, totalmente diferente de la de Purcell o Handel, a quien todos los compositores ingleses habían saqueado o imitada sea".
Además de Arne, la otra fuerza dominante en la ópera Inglés en este momento era Georg Friedrich Händel , cuya serias ópera llena los estadios de ópera de Londres durante décadas, e influyó en la mayoría de los compositores de cosecha propia, como John Frederick Lampe, quien escribió usando modelos italianos. Esta situación continuó a lo largo de los siglos 18 y 19, incluso en el trabajo de Michael Balfe, y las óperas de los grandes compositores italianos, así como las de Mozart, Beethoven y Meyerbeer, continuaron dominando la escena musical en Inglaterra.
Las únicas excepciones fueron óperas de balada, como John Gay de La ópera del mendigo (1728), musical parodias, Europea operetas, y tarde Época victoriana óperas ligeras, en particular el Savoy Operas de WS Gilbert y Arthur Sullivan , todos los tipos de entretenimientos musicales con frecuencia falseadas convenciones operísticas. Sullivan escribió sólo una gran ópera, Ivanhoe (después de los esfuerzos de un número de compositores ingleses jóvenes que comienzan aproximadamente 1876), pero afirmó que hasta sus óperas ligeras constituyen parte de una escuela de "Inglés" de la ópera, la intención de suplantar las operetas francesas (generalmente se realiza en malas traducciones) que había dominado la escena londinense desde la mitad del siglo 19 en la década de 1870. Londres Daily Telegraph acordó, describiendo Los alabarderos de la Casa Real como "una auténtica ópera Inglés, precursor de muchos otros, esperemos, y posiblemente significativo de un avance hacia una etapa lírica nacional."
En el siglo 20, la ópera Inglés comenzó a afirmarse más independencia, con obras de Ralph Vaughan Williams y, en particular, Benjamin Britten , quien en una serie de obras que se mantienen en el repertorio estándar de hoy, reveló un excelente gusto por la musicalidad dramática y magnífica. Compositores actuales como Thomas Ades seguir exportando ópera Inglés en el extranjero. Más recientemente Sir Harrison Birtwistle ha surgido como uno de los compositores contemporáneos más importantes de Gran Bretaña a partir de su primera ópera Punch y Judy a su más reciente éxito de crítica en El Minotauro. En la primera década del siglo 21, el libretista de la ópera temprana Birtwistle, Michael Nyman, se ha centrado en las óperas que componen, incluyendo Frente a Goya, Hombre y Niño: Dada, y El amor cuenta.
También en el siglo 20, los compositores americanos como Leonard Bernstein, George Gershwin, Gian Carlo Menotti, Douglas Moore, y Carlisle Floyd comenzó a contribuir óperas en idioma Inglés infundidos con toques de estilos musicales populares. Ellos fueron seguidos por compositores como Philip Glass, Mark Adamo, John Corigliano, Robert Moran, John Coolidge Adams, André Previn y Jake Heggie.
Ópera rusa
Opera fue llevado a Rusia en la década de 1730 por el Operística italiana comparsas y pronto se convirtió en una parte importante de entretenimiento para la corte imperial rusa y aristocracia. Muchos compositores extranjeros como Baldassare Galuppi, Giovanni Paisiello, Giuseppe Sarti, y Domenico Cimarosa (así como varios otros) fueron invitados a Rusia para componer nuevas óperas, sobre todo en el idioma italiano . Simultáneamente algunos músicos nacionales como Maksym Berezovsky y Dmitry Bortniansky fueron enviados al extranjero para aprender a escribir óperas. La primera ópera escrita en ruso era Tsefal i Prokris por el compositor italiano Francesco Araja (1755). El desarrollo de la ópera en ruso fue apoyada por los compositores rusos Vasily Pashkevich, Yevstigney Fomin y Alexey Verstovsky.
Sin embargo, el verdadero nacimiento de Ópera rusa llegó con Mikhail Glinka y sus dos grandes óperas Una vida por el Zar (1836) y Ruslan y Lyudmila (1842). Después de él, en el siglo 19 en Rusia no se escribieron muchas obras operísticas como Rusalka y El invitado de piedra por Alexander Dargomyzhsky, Boris Godunov y Khovanshchina por Modest Mussorgsky, Príncipe Igor por Alexander Borodin, Eugene Onegin y La dama de picas por Pyotr Tchaikovsky , y La doncella de la nieve y Sadko por Nikolai Rimsky-Korsakov . Estos acontecimientos reflejan el crecimiento de Rusia el nacionalismo en todo el espectro artístico, como parte de la más general Movimiento eslavofilia.
En el siglo 20 la tradiciones de la ópera rusa fueron desarrollados por muchos compositores incluidos Sergei Rachmaninoff en sus obras El caballero avaro y Francesca da Rimini, Igor Stravinsky en Le Rossignol, Mavra, Edipo Rey, y Del rastrillo Progreso, Sergei Prokofiev en El Jugador, El amor de las tres naranjas, El ángel de fuego, Compromiso en un monasterio, y Guerra y Paz; así como Dmitri Shostakovich en La nariz y Lady Macbeth de Mtsensk, Edison Denisov en L'écume des jours, y Alfred Schnittke en La vida con un idiota y Historia von D. Johann Fausten.
Otras óperas nacionales
España también produjo su propia forma distintiva de la ópera, conocido como zarzuela, que tenía dos florecimientos separados: uno desde la mitad del siglo 17 a través de la mitad del siglo 18, y otro comienzo alrededor de 1850. Durante el final del siglo 18 hasta el siglo 19, la ópera italiana fue inmensamente popular en España, suplantando la forma nativa.
Compositores checos también desarrollaron un movimiento ópera nacional próspera de los suyos en el siglo 19, a partir de Bedrich Smetana, que escribió ocho óperas incluyendo el popular internacionalmente La novia vendida. Antonín Dvořák, el más famoso por Rusalka, escribió 13 óperas; y Leoš Janáček ganó el reconocimiento internacional en el siglo 20 por sus trabajos innovadores, como Jenůfa, La zorrita astuta, y Katia Kabanová.
La figura clave de la ópera nacional húngara en el siglo 19 fue Ferenc Erkel, cuyas obras en su mayoría tratan temas históricos. Entre sus óperas más frecuentemente realizadas son Hunyadi László y Bán banco. La más famosa ópera húngara moderna es Béla Bartók de Castillo de Barbazul.
La ópera de Stanisław Moniuszko Straszny Dwór (en Inglés La casa embrujada) (1861-4) representa un pico siglo XIX de Ópera nacional polaca. En el siglo 20, otras óperas creadas por compositores polacos incluidos Rey Roger por Karol Szymanowski y Ubu Rex de Krzysztof Penderecki.
Las primeras óperas de la Región del Cáucaso incluye Leyli y Majnun (1908) y Köroglu (1937) por el azerí compositor Uzeyir Hajibeyov y Absalón y Eteri (1913-1919) por el georgiano Zakaria Paliashvili.
El primero de Kirguistán ópera, Ai-Churek , se estrenó en Moscú en el Teatro Bolshoi, el 26 de mayo de 1939, durante la década de Kirguistán Arte. Fue compuesta por Vladimir Vlasov, Abdylas Maldybaev y Vladimir Fere. El libreto fue escrito por Joomart Bokonbaev, Jusup Turusbekov y Kybanychbek Malikov. La ópera está basada en el Kirguistán épica heroica Manas .
, Reciente, y las tendencias modernistas contemporáneos
Modernismo
Tal vez la manifestación más obvia estilística del modernismo en la ópera es el desarrollo de la atonalidad . El alejamiento de la tonalidad tradicional de la ópera había comenzado con Richard Wagner , y en particular el acorde de Tristán. Compositores como Richard Strauss , Claude Debussy, Giacomo Puccini, Paul Hindemith, Benjamin Britten y Hans Pfitzner empujaron armonía wagneriana más con un uso más extremo del cromatismo y un mayor uso de la disonancia.
Retrato de Egon Schiele.
Modernismo Operatic realmente comenzó en las óperas de dos compositores vieneses, Arnold Schoenberg y su estudiante de Alban Berg, ambos compositores y los defensores de la atonalidad y su posterior desarrollo (como elaborados por Schoenberg), dodecafonismo. Obras de Schoenberg primeros músico-dramática, Erwartung (1909, estrenada en 1924) y Die glückliche Mano pantalla un uso intensivo de la armonía y la disonancia cromática en general. Schoenberg también de vez en cuando utiliza Sprechstimme.
Las dos óperas de alumno de Schoenberg Alban Berg, Wozzeck (1925) y Lulu (incompleta a su muerte en 1935) comparten muchas de las mismas características descritas anteriormente, aunque Berg combinó su interpretación muy personal del dodecafonismo de Schoenberg con pasajes melódicos de carácter más tradicional tonal (bastante mahleriano de carácter), que tal vez explique en parte por qué sus óperas se han mantenido en el repertorio estándar, a pesar de su música controvertido y parcelas. Teorías de Schoenberg han influido (directa o indirectamente) un número significativo de compositores de ópera desde entonces, incluso si ellos mismos no componen usando sus técnicas.
Compositores tanto influenciados incluyen el inglésBenjamin Britten, el alemánHans Werner Henze, y el ruso Dmitri Shostakovich. ( Philip Glass también hace uso de la atonalidad, aunque su estilo es generalmente descrito comominimalista, generalmente considerado como otro desarrollo del siglo 20.)
Sin embargo, el uso del modernismo operística de la atonalidad también provocó una reacción en forma de neoclasicismo. Una de los primeros líderes de este movimiento fue Ferruccio Busoni, que en 1913 escribió el libreto para su neoclásico número ópera Arlecchino (estrenada en 1917). También entre la vanguardia era el ruso Igor Stravinsky . Después de componer la música para el ballet producidos Diaghilev Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (1913), Stravinsky se volvió hacia el neoclasicismo, un desarrollo que culminó con su ópera-oratorio Oedipus Rex (1927). Bueno después de su-Korsakov inspiraron-Rimsky obras El ruiseñor (1914), y Mavra (1922), Stravinsky continuaron ignorando técnica serialista y finalmente escribió un estilo del siglo 18 en toda regla número ópera diatónica progreso del libertino (1951). Su resistencia al serialismo (una actitud que revirtió tras la muerte de Schoenberg) resultó ser una inspiración para muchos otros compositores.
Otras tendencias
Una tendencia común a lo largo del siglo 20, tanto en la ópera y repertorio orquestal en general, es el uso de las orquestas más pequeñas como una medida de reducción de costos; las grandes orquestas de la época romántica con enormes secciones de cuerdas, múltiples arpas, cuernos extra, y los instrumentos de percusión exóticos ya no eran viables. Mientras que el gobierno y el patrocinio privado de las artes disminuyeron a lo largo del siglo 20, las nuevas obras a menudo se encargaron y realizan con presupuestos más pequeños, muy a menudo resulta en obras de cámara de tamaño y cortos, óperas de un solo acto. Muchos de Benjamin Britten óperas 's se anotaron para tan sólo 13 instrumentistas, en dos actos realización de Mark Adamo de Mujercitas se anotó para 18 instrumentistas.
Otra característica de finales de la ópera del siglo 20 es la aparición de las óperas históricas contemporáneas, en contraste con la tradición de basar óperas de la historia más lejana, la re-narración de cuentos u obras de ficción contemporánea, o en el mito o leyenda. La muerte de Klinghoffer, Nixon en Chinay Doctor AtomicporJohn Adams, Dead Man WalkingdeJake Heggie, y Anna NicoleporMark-Anthony Turnage ejemplifican la dramatización en el escenario de los acontecimientos en la memoria viva reciente, donde los personajes retratados en la ópera estaban vivos en el momento de la rendimiento de estreno.
El Metropolitan Opera de los EE.UU. informa que la edad promedio de su público es ahora 60. Muchas compañías de ópera han experimentado una tendencia similar, y los sitios web de la compañía de ópera son repleta de intentos de atraer a un público más joven. Esta tendencia es parte de la tendencia más amplia de canas audiencias para la música clásica desde las últimas décadas del siglo 20. En un esfuerzo por atraer a un público más joven, el Metropolitan Opera ofrece un descuento de estudiante en la compra de boletos. Las principales compañías de ópera han sido más capaces de resistir los recortes de financiación, ya que pueden darse el lujo de contratar a cantantes estrellas que atraen a audiencias importantes.
Las empresas más pequeñas en los EE.UU. tienen una existencia más frágiles, y por lo general dependen de una "colcha de retazos" de apoyo de los gobiernos estatales y locales, las empresas locales, y recaudadores de fondos. Sin embargo, algunas compañías más pequeñas han encontrado maneras de dibujar a nuevos públicos. Opera Carolina ofrecen descuentos y acontecimientos felices horas al 21- a 40 años de edad demográfica. Además de las emisiones de radio y televisión de las representaciones de ópera, que han tenido cierto éxito en la obtención de nuevos públicos, las emisiones de shows en vivo en alta definición a las salas de cine han demostrado el potencial de llegar a nuevas audiencias. Desde 2006, el Met ha transmitido actuaciones en directo a varios cientos de pantallas de cine de todo el mundo.
Desde los musicales vuelta hacia la ópera
A finales de la década de 1930, algunos musicales comenzaron a escribirse con una estructura más operística. Estas obras incluyen conjuntos polifónicos complejos y reflejan desarrollos musicales de su época. Porgy and Bess (1935), influenciado por estilos de jazz, y Cándido (1956), con sus amplias, pasajes líricos y parodias burlescas de la ópera, ambos abiertos en Broadway, pero se convirtieron en aceptadas como parte del repertorio de ópera. Show Boat , West Side Story , Brigadoon , Sweeney Todd , Evita , La Luz en la plaza , El Fantasma de la Opera y otros cuentan historias dramáticas través de la música compleja y ahora se ven a veces en los teatros de ópera. El más feliz Fella (1952) es cuasi operística y ha sido revivido por los New York City Opera. algunos musicales, tales como Tommy (1969) y Jesucristo Superstar (1971), Los Miserables (1980), Rent (1996) y Spring Awakening (2006) , emplear varias convenciones operísticas, como a través de la composición, recitativo lugar de diálogo y leitmotiv.
Mejora acústica en la ópera
Un tipo sutil de refuerzo electrónica sonido llamado mejora acústica se utiliza en algunas salas de conciertos y teatros modernos donde se realizan óperas. Aunque ninguno de los principales teatros de ópera "... usar, refuerzo de sonido al estilo de Broadway tradicional, en la que la mayoría, si no todos los cantantes están equipadas con micrófonos de radio mezclados a una serie de altavoces antiestéticas dispersos por todo el teatro", muchos utilizan un refuerzo de sonido sistema de realce acústico, y para impulsar sutil de voces fuera del escenario, cantantes infantiles, el diálogo sobre el escenario, y efectos de sonido (por ejemplo, campanas de la iglesia en Tosca o trueno efectos en óperas wagnerianas).
Voces operísticas
Técnica vocal operístico evolucionó, en un tiempo antes de la amplificación electrónica, para permitir que los cantantes para producir un volumen suficiente para hacerse oír por encima de una orquesta, sin los instrumentistas que tienen que comprometer sustancialmente su volumen.
Clasificaciones Vocal
Cantantes y las funciones que desempeñan se clasifican por tipo de voz, basado en la tesitura, agilidad, potencia y timbre de sus voces. Cantantes masculinos pueden ser clasificados por rango vocal como bajo, el bajo-barítono, barítono, tenor y contratenor, y cantantes como contralto, mezzosoprano y soprano. (Los hombres a veces cantan en los rangos vocales "femeninas", en cuyo caso se denominan sopranist o contratenor. La contratenor se encuentra comúnmente en la ópera, a veces cantando piezas escritas para castrati - hombres castrados a una edad temprana específicamente para darles un rango de canto superior .) Los cantantes son entonces clasificados por tamaño - por ejemplo, una soprano se puede describir como una soprano lírica, coloratura, doncella, spinto o soprano dramática. Estos términos, aunque no es una descripción completa de una voz cantando, asocian la voz de la cantante con las funciones más adecuadas a las características vocales de la cantante.
Sin embargo, otro sub-clasificación puede hacerse de acuerdo a las habilidades o requisitos que actúa, por ejemplo, el Basso Buffo que a menudo tiene que ser un especialista en el golpeteo, así como un actor cómico. Esto se lleva a cabo en detalle en la Fach sistema de los países de habla alemana, donde históricamente la ópera y hablado de drama a menudo se ponen en la misma compañía de repertorio.
La voz de un cantante en particular puede cambiar drásticamente en su vida, rara vez se alcanza la madurez vocal hasta la tercera década, y algunas veces no hasta la mediana edad. Dos tipos de voz franceses, Dugazon estreno y Dugazon deuxieme , fueron nombrados después de las sucesivas etapas de la carrera de Louise-Rosalie Lefebvre (Mme. Dugazon). Otros términos originarios del sistema de colada estrella de los teatros parisinos son baryton-martin y halcón .
Uso histórico de piezas de voz
La voz de soprano normalmente se ha utilizado como la voz de la opción para la protagonista de la ópera desde la segunda mitad del siglo 18. Antes, era común que la parte destinada a ser cantada por una voz femenina, o incluso un castrato. El énfasis actual en un amplio rango vocal era sobre todo un invento de la Período clásico. Antes de eso, el virtuosismo vocal, no alcance, era la prioridad, con partes de soprano rara vez se extiende por encima de un alto A ( Handel , por ejemplo, sólo escribió un papel que se extiende a un alta C), aunque el castrato Farinelli fue acusado de poseer una tapa D (su rango inferior también fue extraordinario, que se extiende a tenor C). La mezzosoprano, un término de comparación origen reciente, también tiene un gran repertorio, que van desde el papel femenino en la Purcell Dido y Eneas a tales papeles de peso pesado como Brangäne en de Wagner Tristán e Isolda (estos son los dos papeles a veces cantadas por sopranos, no es un buen montón de movimiento entre estos dos tipos de voz). Para el verdadero contralto, la gama de piezas es más limitado, lo que ha dado lugar a la broma de información privilegiada que contraltos sólo canto "brujas, perras, y pantalones "papeles. En los últimos años muchos de los "papeles para pantalones" de la época barroca, originalmente escrita para las mujeres, y los que originalmente cantada por castrati, han sido reasignados a contratenores.
La voz de tenor, desde la era clásica en adelante, ha sido tradicionalmente asignado el papel de protagonista masculino. Muchos de los papeles de tenor más difíciles del repertorio fueron escritos durante el bel canto era, como secuencia de Donizetti, de 9 de Cs encima del Do central en La fille du régiment . Con Wagner llegó un énfasis en el peso vocal por sus papeles protagonistas, con esta categoría vocal descrito como Heldentenor ; esta voz heroica tuvo su contraparte más italianizante en papeles como en Calaf de Puccini Turandot . Bajos tienen una larga historia en la ópera, después de haber sido utilizados en la ópera seria en papeles secundarios, ya veces para el alivio cómico (así como proporcionar un contraste con la preponderancia de voces agudas en este género). El repertorio bajo es amplia y variada, que va desde la comedia de Leporello en Don Giovanni a la nobleza de Wotan en Wagner Tetralogía del Anillo . Entre el bajo y el tenor es el barítono, que también varía en peso de, por ejemplo, en Guglielmo de Mozart Così fan tutte de Posa en Verdi Don Carlos ; la designación "barítono" real no era estándar hasta el siglo de mid-19th.
Cantantes famosos
Las primeras representaciones de ópera eran demasiado infrecuentes para cantantes de ganarse la vida exclusivamente del estilo, pero con el nacimiento de la ópera comercial en la mitad del siglo 17, los artistas profesionales comenzaron a surgir. El papel del héroe masculino fue por lo general a cargo de un castrato, y en el siglo 18, cuando la ópera italiana se llevó a cabo en toda Europa, castrati líderes que poseían extraordinario virtuosismo vocal, como Senesino y Farinelli, se convirtió en estrellas internacionales. La carrera de la primera gran estrella femenina (o prima donna), Anna Renzi, data de mediados del siglo 17o. En el siglo 18, una serie de sopranos italianas ganó renombre internacional y, a menudo participan en una feroz rivalidad, como fue el caso de Faustina Bordoni y Francesca Cuzzoni, quien comenzó una pelea a puñetazos entre sí durante una representación de una ópera de Handel. Los castrati le disgustan francés, prefiriendo sus héroes masculinos para ser cantadas por un contre-alta (un alto tenor), de los cuales Joseph Legros fue un ejemplo destacado.
Aunque el patrocinio de la ópera se ha reducido en el último siglo en favor de otras artes y los medios de comunicación (como los musicales, el cine, la radio, la televisión y grabaciones), medios de comunicación y el advenimiento de la grabación han apoyado la popularidad de muchos cantantes famosos, como Maria Callas, Enrico Caruso, Kirsten Flagstad,Mario Del Monaco,Risë Stevens,Alfredo Kraus,Franco Corelli, Montserrat Caballé, Joan Sutherland, Birgit Nilsson, Nellie Melba,Rosa Ponselle, Beniamino Gigli, Jussi Björling,Feodor Chaliapin, y "Los Tres Tenores "(Luciano Pavarotti,Plácido Domingo yJosé Carreras).
La financiación de la ópera
Fuera de los EE.UU., y especialmente en Europa, la mayoría de los teatros de ópera reciben subsidios públicos de los contribuyentes.
Por ejemplo, en Milán, Italia, el 60% del presupuesto anual de La Scala de € 115 millones es de ventas y donaciones privadas, con el 40% restante proviene de fondos públicos. En 2005, La Scala recibió el 25% de la subvención total estado de Italia de € 464 millones para las artes escénicas.
Cine e internet
Las principales compañías de ópera han comenzado la presentación de sus actuaciones en salas de cine locales en todo Estados Unidos y muchos otros países. La Metropolitan Opera comenzó una serie de vivas transmisiones de vídeo de alta definición a los cines de todo el mundo en 2006. En 2007, las actuaciones Met se muestran en más de 424 teatros de 350 ciudades de Estados Unidos. La bohème salieron a 671 pantallas en todo el mundo. Ópera de San Francisco comenzó transmisiones de vídeo pregrabadas en marzo de 2008. En junio de 2008, aproximadamente 125 teatros en 117 ciudades de Estados Unidos llevan las proyecciones. Las transmisiones de ópera de vídeo de alta definición se presentan a través de los mismos proyectores de cine digital HD utilizados para importantes películas de Hollywood. Casas y ópera europeos festivales como el Royal Opera en Londres, la Scala de Milán, el Festival de Salzburgo, La Fenice de Venecia, y el Maggio Musicale de Florencia también han transmitido sus producciones a los cines en ciudades de todo el mundo desde 2006, incluyendo 90 ciudades en los EE.UU.
La aparición de Internet también está afectando a la forma en que las audiencias consumen ópera. Por primera vez en el género, en 2009 los británicos empresa Glyndebourne Festival Opera ofreció una descarga de vídeo digital en línea de su producción completa 2007 de Wagner Tristán e Isolda.
En julio 2012 se estrenó la primera ópera de la comunidad en el Festival de Ópera de Savonlinna. Libre Albedrío se escribió, compuso y visualizado por grupo de voluntarios en Internet llamado Opera by You. Solistas profesionales, un coro de la ópera 80 miembros, una orquesta sinfónica y una audiencia en vivo de 2700 fueron parte de este evento histórico en el que el libre albedrío se presentó en el castillo medieval de Olavinlinna.
