Contrabaixo
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 Lateral e vista frontal de um contrabaixo moderno com um arco de estilo francês | |
| Instrumento de cordas | |
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| Outros nomes | Bass, baixo de corda, contrabaixo, baixo acústico, contrabaixo, violino baixo, viola baixo, violino baixo, touro violino, baixo casinha, baixo standup |
| Classificação | Instrumento de cordas ( curvou-se ou depenados) |
| Classificação Hornbostel-Sachs | 321,322-71 (Composite chordophone soou por um arco) |
| Desenvolvido | Século 15 |
| Jogando gama | |
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| Instrumentos relacionados | |
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| Músicos | |
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O contrabaixo, também chamado de baixo de corda, contrabaixo, violino baixo, violino baixo, baixo casinha, contrabaixo, viola baixo, stand-up baixo ou touro violino, é o maior e menor frequência curvado instrumento de cordas do família do violino na moderna orquestra sinfônica , com cordas normalmente sintonizados para E1, A1, D2 e G2 (ver afinação padrão). O contrabaixo é um membro padrão da seção de cordas da orquestra de cordas e menor em ensembles Música clássica ocidental. Além disso, ele é usado em outros gêneros, como jazz , 1950s-style azuis e rock and roll, rockabilly / psychobilly, tradicional música country , bluegrass, tango e muitos tipos de música folclórica . Uma pessoa que joga o contrabaixo é normalmente referido como um baixista.
O contrabaixo fica em torno de 180 cm (seis pés) a partir de rolagem para endpin, e normalmente é construído a partir de vários tipos de madeira, incluindo a bordo para as costas, abeto para o topo, e ébano para a escala. É incerto se o instrumento é um descendente do viola da gamba ou do violino, mas é tradicionalmente alinhado com a família do violino. Enquanto o contrabaixo é quase idêntico na construção de outros instrumentos da família do violino, ele também incorpora recursos encontrados no mais velho família viol.
Como muitos outros instrumentos de cordas, o contrabaixo é jogado ou com um arco (arco) ou por arrancar as cordas ( pizzicato). No repertório orquestral e música do tango, tanto arco e pizzicato estão empregados. No jazz, blues e rockabilly, pizzicato é a norma, com exceção de alguns solos e também peças escritas ocasionais no jazz moderno que exigem uma reverência.
Ao jogar o contrabaixo, o baixista ou está em pé ou senta-se num banco alto e inclina-se o instrumento contra o corpo do baixista com o baixo virou ligeiramente para dentro, a fim de atingir mais facilmente as cordas. Esta postura é também uma das principais razões para os ombros inclinados do baixo, que marcam o diferenciam dos outros membros da família do violino, como os ombros mais estreitos facilitar a reprodução das cordas em seus registros mais altos.
O contrabaixo é uma transposição de instrumentos e soa um oitava abaixo do anotada.
História
O contrabaixo é geralmente considerado como um descendente moderno da família série de instrumentos que se originou na Europa no século 15, e como tal tem sido descrito como um baixo Violin. Antes do século 20 muitos contrabaixos tinha apenas três cordas, em contraste às 05:55 seqüências típicas de instrumentos da família corda ou as quatro cordas de instrumentos da família do violino. Alguns instrumentos já existentes, como os de Gaspar da Salò, foram convertidos a partir do século 16 contrabaixo seis cordas violoni.
A dupla de proporções graves são diferentes daqueles do violino e violoncelo; por exemplo, é mais profunda (a distância da parte superior à parte traseira é proporcionalmente muito maior do que o violino). Além disso, enquanto o violino tem ombros abaulamento, a maioria dos contrabaixos têm ombros esculpidos com uma inclinação mais aguda, como membros da família viol. Muitos Contrabaixos muito antigas tiveram seus ombros cortado ou inclinado para ajudar a jogar com técnicas modernas. Antes dessas modificações, o projeto de seus ombros estava mais perto de instrumentos da família do violino.
O contrabaixo é o único instrumento moderno curvou cadeia que é afinado em quartas (como um viol), ao invés de quintos (ver Sintonizar abaixo). A questão da linhagem exata do instrumento ainda é um assunto de algum debate, e na suposição de que o contrabaixo é um descendente direto do família viol é aquele que não foi inteiramente resolvido.
Em sua Uma Nova História do Contrabaixo, Paul Brun afirma, com muitas referências, que o contrabaixo tem origens como o verdadeiro graves da família do violino. Ele afirma que, enquanto o exterior do contrabaixo pode assemelhar-se a viola da gamba, a construção interna do contrabaixo é quase idêntico ao instrumentos no família violino, e muito diferente da estrutura interna de liras.
Terminologia
Uma pessoa que joga este instrumento é chamado um baixista, baixista dobro, contrabaixista, contrabaixista, contrabaixista, ou baixista. O contrabaixo nomes e contrabaixo referem-se a gama do instrumento e usar na oitava abaixo contra o violoncelo, também chamado de 16 'oitava em relação ao órgão de igreja. Os termos do instrumento entre os artistas clássicos são contrabaixo (que vem do nome italiano do instrumento, contrabbasso), baixo de corda (para distingui-lo de um instrumento baixo bronze em uma banda de concertos), ou simplesmente baixo.
No jazz e outros gêneros de fora da música clássica, este instrumento é comumente chamado de contra-baixo ou baixo acústico para distingui-lo do elétrico baixo. Em folclórica e música bluegrass, o instrumento também é referido como um violino baixo ou violino baixo (ou mais raramente como o baixo casinha de cachorro ou touro violino). Outros apelidos coloridos são encontrados em outras línguas; em húngaro, por exemplo, o contrabaixo é às vezes chamado Bogo Nagy, que traduz aproximadamente como "grande pregoeiro", referindo-se a sua voz grande.
Projeto
Em geral, existem duas abordagens principais para a forma de contorno de criação da dupla graves: a forma violino (mostrado na figura da etiqueta para a direita); ea forma da gamba viol (mostrado na imagem do cabeçalho). Um terceiro projeto menos comum, chamado de forma Busetto, também podem ser encontradas, assim como a forma da guitarra ou pêra ainda mais raro. A parte de trás do instrumento pode variar de ser um círculo, esculpida de volta semelhante ao do violino, para um plano e em ângulo para trás semelhante à família viol.
O contrabaixo apresenta muitas partes que são semelhantes aos membros da família do violino, incluindo uma ponte, f-buracos, um arremate, um rolagem, e uma pós som. Ao contrário do resto da família do violino, contrabaixo ainda reflete influência, e pode ser considerado parcialmente derivadas, a partir do família viol de instrumentos, em especial o violone, o membro da família de graves viol.
O baixo dobro também difere de membros da família do violino em que os ombros são tipicamente inclinado, a parte de trás é frequentemente angular (tanto para permitir acesso mais fácil para o instrumento, particularmente na gama de superior), e sintonizadores de máquina são sempre equipado. Falta de padronização no design significa que um contrabaixo pode soar e olhar muito diferente do outro.
Construção
O contrabaixo é mais próximo na construção de violinos, mas tem algumas semelhanças notáveis ao violone (literalmente "grande viol"), o maior e menor membro da família viola da gamba. Ao contrário do violone, no entanto, o fingerboard do contrabaixo é unfretted, eo contrabaixo tem menos cordas (o violone, como a maioria das violas, geralmente tinham seis cordas, embora alguns espécimes tinham cinco ou quatro).
Uma distinção importante entre o contrabaixo e outros membros da família do violino é a construção do pegbox. Enquanto o violino, viola , violoncelo e todo o uso de fricção cavilhas para ajustes de sintonia brutas, o contrabaixo tem de metal cabeças de máquinas. A chave de ajuste na máquina transforma um sem-fim de metal, que acciona um engrenagem que enrola a corda. Embora este desenvolvimento faz sintonizadores finos desnecessário, um número muito pequeno de baixistas usá-los, no entanto. Na base do contrabaixo é uma haste de metal com uma extremidade cravado chamado endpin, que repousa no chão. Este endpin é geralmente mais robusta do que a de um violoncelo, devido à maior massa do pedal duplo.
Os materiais mais frequentemente utilizados na construção contrabaixo são maple (costas, pescoço, costelas), abeto vermelho (alto), e ébano (fingerboard, arremate). As excepções a esta incluem baixos menos caros que têm laminado ( contraplacado) tops, costas e costelas, e alguns mais recentes basses mid-range feitos de salgueiro . Estes baixos são resistentes a mudanças no calor e umidade, que podem causar rachaduras em topos de pinheiros. Basses laminado de madeira compensada, que são utilizados em escolas de música, orquestras de jovens, e em definições de música populares e folclóricas, são muito resistentes à umidade e calor, bem como para o abuso físico que eles são capazes de encontrar em um ambiente escolar (ou, para azuis e músicos populares, para os perigos do turismo e apresentando em bares).
O soundpost e bar baixo são componentes da construção interna. Todas as partes de um contrabaixo são coladas, exceto o soundpost, ponte, e arremate, que são mantidos no lugar por tensão das cordas (embora o soundpost geralmente permanece no lugar quando cordas do instrumento são soltos ou removidos). As máquinas de ajuste de metal estão ligados aos lados do cravelhal com parafusos de metal. Embora os mecanismos de ajuste geral diferem dos instrumentos de cordas orquestrais mais agudo, alguns basses têm não-funcional, ornamental afinando cavilhas salientes do lado do pegbox, à imitação das cravelhas em um violoncelo ou violino.
Fabricantes de contrabaixo famosos vêm de todo o mundo e muitas vezes representam características nacionais variados. Os instrumentos (e caro) mais procurados altamente vindo da Itália e incluem baixos feitas por Giovanni Paolo Maggini, Gaspar da Salo, a família Testore (Carlo Antonio, Carlo Giuseppe, Gennaro, Giovanni, Paulo Antonio), Celestino Puolotti, e Matteo Gofriller. Basses franceses e ingleses também são procurados por jogadores do mais alto calibre.
Cordas
A história do contrabaixo está intimamente ligado ao desenvolvimento de tecnologia de corda, como foi o advento da cordas de tripa overwound, que primeiro prestados o instrumento de forma mais geral possível, como (excesso) cordas enroladas atingir notas baixas dentro de um diâmetro cadeia global menor do que seqüências não-ferida.
Antes de meados do século 20, cordas graves duplas foram feitos geralmente de gut, mas, desde aquela época, o aço tem substituído em grande parte, porque as cordas de aço segurar seu passo melhor e dar mais volume quando jogado com o arco. Cordas de tripa também são mais vulneráveis às mudanças de umidade e temperatura, e eles quebram com muito mais facilidade do que as cordas de aço. Cordas de tripa são hoje em dia utilizados principalmente por baixistas que realizam em ensembles barrocos, bandas rockabilly, tradicional bandas de blues, e bandas de bluegrass. Gut cordas fornecer o escuro ", thumpy" som ouvido em 1940 e 1950 gravações. O falecido Jeff Sarli, uma azuis baixista ereto, disse que, "Iniciando na década de 1950, eles começaram a repor os pescoços em baixos para cordas de aço." Rockabilly e bluegrass baixistas também preferem gut porque é muito mais fácil de executar o "tapa" estilo de contra-baixo (no qual as cordas são percussively bateu e bateu contra o fingerboard) com cordas de tripa do que com cordas de aço. (Para mais informações sobre tapa, ver as secções abaixo em estilos modernos de jogo , Contrabaixo na música bluegrass, Contrabaixo no jazz, e Contrabaixo na música popular).
A mudança do intestino para o aço também afetou técnica de execução do instrumento ao longo dos últimos cem anos, porque o aço permite que as cordas para ser configurado para mais perto do fingerboard, e, adicionalmente, cordas pode ser jogado em posições mais altas nas cordas mais baixas e ainda produzir tom claro. O clássico do século 19 Franz Simandl método não utiliza a cadeia de baixo E em posições mais altas porque, com cordas de tripa mais velhos criado por cima do fingerboard, o tom não era clara nestas posições mais elevadas. No entanto, com cordas de aço modernos, baixistas pode jogar com tom claro em posições mais altas no baixo E e A cordas, particularmente quando moderno de bitola mais leve, cordas de aço de baixa tensão são utilizados.
Bows
O contrabaixo arco vem em duas formas distintas (mostrados abaixo). O "francês" ou arco "overhand" é semelhante em forma e implementação para o arco utilizado em outros membros da família orquestral instrumento de corda, enquanto a curva "Butler" "Alemão" ou é tipicamente mais amplo e mais curto, e é realizada em uma posição "aperto de mão".
Estes dois arcos fornecem diferentes maneiras de mover o braço e distribuição de força nas cordas. Os defensores do arco francês argumentam que é mais manobrável, devido ao ângulo em que o jogador segura o arco. Os defensores do arco alemão afirmam que ele permite que o jogador para aplicar mais peso do braço sobre as cordas. As diferenças entre os dois, no entanto, são hora para um jogador competente, e os jogadores modernas em grandes orquestras usar ambos os arcos.
Arco alemão
O arco alemão (às vezes chamado de arco Butler) é o mais velho dos dois projetos. O projeto do arco e da maneira de segurá-lo descer do instrumento família viol mais velho. Com viols mais velhos, antes de roscas de parafuso foram utilizados para apertar o arco, o arco jogadores realizada com dois dedos entre o stick e o cabelo para manter a tensão do cabelo. Os defensores do uso de arco alemão alegam que o arco alemão é fácil de usar para cursos pesados que requerem uma grande quantidade de energia.
Em comparação com o arco francês, o alemão tem um arco mais alto rã, e é realizada com a palma angulada para cima, como é feito para os membros verticais da família viol. Quando realizada de maneira correta, o polegar se aplica a potência necessária para gerar o som desejado. O dedo indicador se encontra com o arco no ponto em que a rã satisfaz a vara. O dedo indicador também é usado para aplicar um binário para cima para o sapo, quando a inclinação do arco. O dedo (ou "mindinho") suporta o rã de baixo, enquanto que o dedo anelar e do dedo médio restante no espaço entre o cabelo e o veio.
Arco francês
O arco francês não era muito popular até sua aprovação pelo virtuoso do século 19 Giovanni Bottesini. Este estilo é mais parecido com os laços tradicionais dos pequenos instrumentos de cordas da família. Ele é realizado como se a mão está descansando ao lado do intérprete com a palma virada para baixo. O polegar repousa sobre o eixo do arco, ao lado da rã, enquanto os outros dedos drapejar no outro lado do arco. Vários estilos ditar a curva dos dedos eo polegar, assim como o estilo de peça; uma curva mais pronunciada e espera mais leve na proa é usado para virtuoso ou mais delicadas peças, enquanto uma curva mais plana e aderência mais resistente na proa sacrifica um pouco de energia para facilitar o controle em traços tais como détaché, spiccato, e staccato.
Bow construção e materiais
Arcos de contrabaixo variam em tamanho, variando de 60 cm (24 ") a 75 cm (30"). Pernambuco, também conhecida como pau-brasil, é considerado como um material excelente qualidade vara, mas devido a sua escassez e despesa, outros materiais são cada vez mais utilizadas. Arcos de estudantes menos caro pode ser construído de sólido fibra de vidro, ou de variedades de menor valor de pau-brasil. Snakewood e fibra de carbono também são utilizados em arcos de uma variedade de diferentes qualidades. O sapo do arco de contrabaixo é geralmente feito de ébano, embora Snakewood e chifre de búfalo são usados por alguns luthiers. O fio quebra automática é ouro ou prata em muitos arcos de qualidade, eo cabelo é geralmente crina de cavalo.
O arco de contrabaixo é amarrada com crina de cavalo ou branco ou preto, ou uma combinação dos dois (conhecido como "sal e pimenta"), ao contrário do habitual crina branco usado nos arcos de outros instrumentos de corda. Alguns baixistas argumentam que o cabelo preto um pouco mais áspero "pega" as mais pesadas cordas, baixos melhor. Assim, alguns bassists e luthier acreditam que é mais fácil de produzir um som mais suave com a variedade branca. Cabelo vermelho (castanha) também é utilizado por alguns baixistas. Alguns dos arcos de estudantes de menor qualidade são feitos com cabelo sintético.
Breu
Músicos de cordas aplicar resina para o arco de cabelo para que ele irá "agarrar" a corda e torná-lo vibrar. Duplo resina baixo é geralmente mais suave e pegajosa do que o violino resina para permitir que o cabelo para agarrar as cordas mais grossas melhor, mas os jogadores usam uma grande variedade de resinas, que variam de muito difícil (como violino breu) para bastante suave, dependendo do tempo, o umidade, e da preferência do jogador. A quantidade usada depende geralmente do tipo de música que está sendo executada, bem como das preferências pessoais do jogador. Baixistas podem aplicar mais resina em obras para grande orquestra (por exemplo, sinfonias de Brahms) do que para obras de câmara delicados. Algumas marcas de resina, tais como resina contrabaixo do Pop, são mais suaves e mais propenso a derreter em clima quente. Outras marcas, como Carlsson ou Nyman Harts resina contrabaixo, são mais difíceis e menos propenso a derreter.
Arremesso
A nota mais baixa de um contrabaixo é um E 1 (em basses de quatro cordas padrão) a cerca de 41 Hz ou um B0 (quando cinco cordas são usados) a cerca de 31 Hz, dentro de cerca de uma oitava acima do menor freqüência que o ouvido humano pode perceber média como um campo distinto. O topo de gama fingerboard do instrumento é tipicamente perto da D duas oitavas e uma quinta acima do campo aberto do G string (G4) como mostrado na ilustração faixa encontrada no caput deste artigo. Jogando para além da extremidade do braço pode ser conseguido puxando a corda ligeiramente para o lado.
Muitas peças sinfônicas contrabaixo e concertos virtuoso empregar harmônicos (também chamados tons flageolet). Tanto naturais harmônicos e harmônicos artificiais, onde o polegar pára a nota ea oitava ou outro harmônico é ativado tocando levemente a corda no ponto de nó relativo, alargar consideravelmente o alcance do instrumento.
Partes orquestrais raramente exigem o contrabaixo exceder um intervalo de duas oitavas (uma exceção a esta regra é Carmina Burana de Orff, que exige três oitavas e uma quarta perfeita). No entanto, não há nenhum limite fixo para a gama superior uma jogador de solo virtuoso pode alcançar usando harmônicos naturais e artificiais. A alta harmônica na ilustração faixa encontrada no caput deste artigo pode ser tomado como representante em vez de normativo.
Cinco instrumentos de corda tem uma seqüência adicional normalmente ajustado para um baixo B abaixo da corda E. Ocasionalmente, uma string maior é adicionado em vez disso, sintonizado com a C acima da corda G.
Aparelhos de quatro cordas podem caracterizar a extensão C ampliando o leque da corda E para baixo para C.
Tradicionalmente, o contrabaixo é uma transposição instrumento. Desde muito de gama a dupla de baixo encontra-se abaixo do padrão clef baixo, é notado uma oitava acima do que parece. Esta transposição se aplica mesmo quando a leitura do tenor e clave de sol, que são usados para evitar linhas de livro excessivas quando notating gama superior do instrumento. Existem outras tradições de notação; Música solo italiano é tipicamente escrito no terreno de jogo soar, eo método alemão "velho" soou uma oitava abaixo, onde notação exceto na clave de sol, onde a música foi escrita no campo.
Sintonização
O contrabaixo é geralmente sintonizado quartos, em contraste com outros membros da família corda de orquestra, que estão em sintonia quintos. A afinação standard (crescente) é EADG, a partir de segunda E abaixo baixo C ( tom de concerto). Este é o mesmo que o padrão de afinação de uma guitarra baixa e é uma oitava mais baixo do que as quatro cordas baixo-lançado de guitarra tuning padrão.
Ao longo repertório clássico, existem notas que ficam abaixo do intervalo de um contrabaixo padrão. Notas abaixo baixo E aparecem regularmente nas partes de baixo de casal encontrado em arranjos e interpretações posteriores de Música barroca. Estas peças são transposições de peças escritas para outros instrumentos de baixo utilizadas antes do contrabaixo moderno tornou-se comum e pode realmente diminuir a parte uma oitava.
No Era clássica, contrabaixo tipicamente dobrou a parte violoncelo uma oitava abaixo, ocasionalmente exigindo descida para C abaixo da E dos quatro cordas contrabaixo. No Era romântico e do século 20, compositores como Wagner , Mahler, Busoni e Prokofiev também solicitou notas abaixo a baixa E. Há dois métodos comuns para fazer essas notas disponíveis para o jogador. Alguns dos principais orquestras européias usar baixos com uma quinta corda, afinada para B três e uma oitava semitons abaixo meio C. Jogadores com contrabaixos padrão (EADG) normalmente tocar as notas abaixo "E" uma oitava acima.
Na Grã-Bretanha, Estados Unidos e Canadá, a maioria dos jogadores de orquestra profissionais usam quatro cordas Contrabaixos com uma extensão C, que se estende a menor corda para baixo, tanto quanto baixo C, uma oitava abaixo da nota mais baixa no violoncelo; mais raramente, essa seqüência pode ser ajustado para um baixo B, como). A extensão é uma seção extra de fingerboard montado por cima da cabeça do baixo. Existem diversas variedades de extensões.
No mais simples extensões mecânicas, não há meios mecânicos ligados ao braço de extensão, excepto uma porca de bloqueio para o "E" nota. Para tocar as notas de extensão, o jogador chega para trás sobre os pinos de pressionar a seqüência de caracteres para o fingerboard. A vantagem desta extensão "dedos" é que o aparelho pode ajustar a afinação de todo o parou de notas sobre a extensão, e não há ruídos mecânicos de chaves do metal e alavancas. A desvantagem da extensão "dedos" é que ele pode ser difícil de realizar alternâncias rápidos entre as baixas notas sobre a extensão e notas no fingerboard regular, tal como um bassline que alterna rapidamente entre "G" eo baixo D.
O tipo mais simples de auxílio mecânico é o uso de "dedos" de madeira que podem ser fechadas para pressionar a corda para baixo e se aflige o C♯, D, Eb, ou notas E. Este sistema é particularmente útil para linhas de baixo que tem uma repetição ponto pedal, como um baixo D, porque uma vez que a nota está bloqueado no local com a mecânica "dedo", o menor corda soa uma nota diferente quando jogado aberto (por exemplo, um baixo D).
O auxílio mecânico mais complicado para uso com extensões é o sistema de alavanca mecânica apelidado de máquina. Este sistema de alavanca, que superficialmente se assemelha ao mecanismo de chaveamento de instrumentos de sopro, como o fagote, monta alavancas ao lado do fingerboard regulares (perto da porca, no "E" lado string), que ativam remotamente metal "dedos" no fingerboard extensão. Os sistemas de alavanca de metal mais caro também dar ao jogador a capacidade de "bloquear" as notas no fingerboard extensão, como com o sistema de madeira "dedo". Uma crítica desses dispositivos é que eles podem levar a indesejáveis ruídos clicando metálico.
Um pequeno número de baixistas sintonizar suas cordas em quintos, como um violoncelo, mas uma oitava abaixo (CGDA baixo a alto). Esta afinação foi usado pelo jogador do jazz Mitchell vermelho e é cada vez mais usado por jogadores clássicos, nomeadamente o baixista canadense Joel Quarrington. Em solo de clássica tocando o contrabaixo é geralmente sintonizado um tom inteiro superior (F ♯ -BEA). Esta afinação superior é chamada afinação de solo, enquanto que o ajuste normal é conhecido como "ajuste de orquestra." Tensão das cordas difere muito entre a solo e afinação de orquestra que um conjunto diferente de cordas é frequentemente empregado que tem um calibre mais leve. Strings são sempre rotulados para solo ou afinação de orquestra e música solo publicada é organizado para qualquer ajuste a solo ou orquestral. Alguns solos populares e concertos, como a Koussevitsky Concerto estão disponíveis em tanto a solo e arranjos orquestrais de ajuste.
Muitos compositores contemporâneos especificar scordatura altamente especializado. Berio, por exemplo, pede ao jogador para afinar suas cordas EG♯-DG em Sequenza XIVb e Scelsi pede tanto FADE e FAFE em Nuits.
Uma variante e forma muito menos comumente usado de ajuste de solo utilizado em alguns países da Europa de Leste é (ADGC), que usa três das cordas de afinação de orquestra (ADG) e, em seguida, adiciona uma alta cadeia "C". Alguns baixistas com baixos de cinco cordas usar uma alta cadeia "C" como a quinta corda, em vez de uma seqüência de caracteres "B" de baixo. Adicionando a alta cadeia "C" facilita o desempenho do repertório solo com uma tessitura alta (intervalo). Uma outra opção é utilizar tanto uma extensão C baixo (ou B) e uma cadeia de alta C.
Ao escolher um baixo com uma quinta corda, o jogador deve decidir entre adicionar uma seqüência maior ou menor afinado. Instrumentos de seis cordas são geralmente considerados como impraticável. Para acomodar a cadeia adicional, o fingerboard é geralmente um pouco mais amplo, eo topo um pouco mais grosso para lidar com o aumento da tensão. Alguns instrumentos de cinco cordas são convertidos aparelhos de quatro cordas. Porque estes não têm escalas mais amplas, alguns jogadores encontrá-los mais difícil de dedo e arco. Convertidos baixos de quatro cordas geralmente exigem um novo, topo mais espessa, ou cordas mais leves para compensar o aumento da tensão.
Jogando e considerações de desempenho
A posição do corpo e da mão
Baixistas duplas ou permanecer de pé ou sentar-se a tocar o instrumento. A altura do instrumento é ajustado, ajustando a endpin de tal modo que o jogador pode atingir as zonas de jogo desejadas dos cordões com curva ou arrancar mão.
Baixistas que estão e curva às vezes definir o endpin alinhando o primeiro dedo na primeira ou metade posição com nível dos olhos, embora haja pouca padronização neste sentido.
Os jogadores que se sentam geralmente usam um banquinho sobre a altura do comprimento das calças costura do jogador.
Tradicionalmente, baixistas dupla ficou quando tocar a solo e sentou-se quando eles tocaram na orquestra ou ópera pit. Agora, estilos de jogo tornaram-se especializado para o ponto onde um jogador raramente pode executar satisfatoriamente tanto em pé e sentado. Conseqüentemente, agora muitos solistas sentar (como com Joel Quarrington, Jeff Bradetich, Thierry Barbé e outros) e orquestras muitas vezes empregam baixistas pé.
Ao jogar na faixa superior do instrumento (acima do G abaixo do meio C), o jogador muda sua mão por trás do pescoço e achata-lo, usando o lado do polegar para pressionar para baixo a corda. Esta técnica, também utilizado no Cello-é chamada posição polegar. Ao jogar na posição polegar, alguns jogadores usam o quarto (pouco) o dedo, pois é muito fraco para produzir um tom confiável (isso também é verdadeiro para violoncelistas), embora alguns acordes extremas ou técnicas estendidas, especialmente na música contemporânea, pode necessitar sua utilização.
Considerações físicas
Executando no baixo pode ser fisicamente exigente porque as cordas são grandes e grossas. Além disso, o espaço entre as notas no fingerboard é grande devido ao espaçamento comprimento de escala e corda, para que os jogadores têm de trocar de posição com frequência. O baixo é geralmente recomendado para pessoas com braços mais curtos e as mãos menores, devido às grandes lacunas de nota e as cordas grossas. O aumento da utilização de jogar técnicas como a posição do polegar e modificações para os graves, tais como o uso de cordas de calibre mais leve em tensão inferior, têm facilitado a dificuldade de tocar o instrumento. Partes de baixo têm relativamente poucas passagens rápidas, paradas de duplas, ou grandes saltos no intervalo. Estas peças são geralmente dadas para a secção violoncelo porque é um instrumento de menor e são tipicamente sintonizado em conjunto.
Tal como acontece com todos os não-desgastado instrumentos de corda, os artistas devem aprender a colocar seus dedos precisamente para produzir o tom correto. O movimento da mão mais frequente exigido pelo tamanho do instrumento aumenta a probabilidade de erros de entonação. Para bassists com mãos mais pequenas, os espaços grandes entre os campos podem apresentar um desafio significativo, especialmente na gama mais baixa, em que os espaços entre as notas são maior.
Até os anos 1990, contrabaixos ao tamanho das crianças não estavam amplamente disponíveis, eo grande tamanho do baixo significava que as crianças não foram capazes de começar a tocar o instrumento até seu tamanho e altura mão lhes permita desempenhar um modelo 3/4-tamanho (o tamanho mais comumente disponível). Começando na década de 1990, menor metade, um quarto, oitavo e décimo sexto instrumentos mesmo porte tornou-se mais amplamente disponível, o que significava que as crianças poderiam começar em uma idade mais jovem.
Volume
Apesar do tamanho do instrumento, não é tão alto como muitos outros instrumentos, devido à sua baixa gama. Em uma grande orquestra, geralmente entre quatro e oito baixistas jogar em uníssono. Nos maiores orquestras, seções de graves pode ter tantos como dez ou doze jogadores, mas restrições orçamentárias modernas fazem seções baixo esta grande incomum.
Ao escrever passagens de solo para o baixo em música orquestral ou de câmara, compositores tipicamente garantir a orquestração é leve para que ele não obscurecer os graves. Enquanto amplificação é raramente usado na música clássica, em alguns casos em que um solista contrabaixo realiza um concerto com uma orquestra completa, amplificação sutil chamado reforço acústico pode ser utilizado. O uso de microfones e amplificadores em um ambiente clássico levou ao debate no seio da comunidade clássica, como "... puristas sustentam que o som acústico natural de [clássica] vozes [] ou instrumentos em um determinado corredor não deve ser alterada."
Em muitos contextos não-orquestrais, como jazz e blues, a amplificação através de um é empregue amplificador e altifalante especializado. Bluegrass e jazz jogadores costumam usar menos amplificação de azuis, psychobilly, ou jogadores banda Jam. Nestes últimos casos, o elevado volume total, devido a outros amplificadores e instrumentos podem levar a o feedback acústico, um problema agravado pela grande área de superfície do baixo e volume interior. O problema feedback tem levado ao desenvolvimento de instrumentos como o contrabaixo elétrico, cujas características de jogo imitar a do contrabaixo.
Transporte
O grande tamanho duplo de baixo e relativa fragilidade torná-lo pesado para manusear e transportar. A maioria dos baixistas usar soft casos, referido como sacos de gig, para proteger o instrumento durante o transporte. Basic, unpadded sacos de gig utilizados pelos alunos custar menos de 100 dólares, enquanto densamente acolchoado sacos de gig para jogadores profissionais normalmente custam tanto quanto 500 USD. Alguns exemplos mais cheios de recursos com alças de mochila varejo por mais de 1000 USD. Alguns baixistas levar seu arco em um caso arco duro. Os jogadores também podem usar um pequeno carrinho ou gig bag e rodas anexado pinos finais para mover o baixo.
Casos de vôo rígidos amorteceram interiores e exteriores difíceis de fibra de carbono, grafite, fibra de vidro ou de Kevlar . O custo do bem duro casos-USD 500 a mais de US $ 2500 tende a limitar a sua utilização para profissionais de turismo.
Repertório clássico
Solo trabalha para contrabaixo
1700
O contrabaixo como instrumento solista desfrutou de um período de popularidade durante o século 18 e muitos dos compositores mais populares daquela época escreveu peças para o contrabaixo. O contrabaixo, em seguida, muitas vezes referida como o Violone usadas diferentes afinações de região para região. O "ajuste vienense" (A 1 -DF ♯ -A) era popular, e em alguns casos, foi adicionada uma quinta corda ou mesmo sexta corda (F 1 -A 1 -DF ♯ -A). A popularidade do instrumento está documentada em Segunda edição de Leopold Mozart de sua Violinschule, onde ele escreve "Pode-se trazer passagens difíceis mais fáceis com o violone de cinco cordas, e ouvi extraordinariamente belas performances de concertos, trios, solos, etc."
O primeiro concerto conhecido por double bass foi escrito por Joseph Haydn ca.1763, e presume-se perdido em um incêndio na biblioteca Eisenstadt. Os primeiros concertos existentes são conhecidos por Karl von Dittersdorf Ditters, que compôs dois concertos para o contrabaixo e uma Sinfonia Concertante para viola e contrabaixo. Outros compositores que escreveram concertos a partir deste período incluem Johann Baptist Vanhal, Franz Anton Hoffmeister (3 concertos), Leopold Kozeluch, Anton Zimmermann, Antonio Capuzzi, Wenzel Pichl (2 concertos), e Johannes Matthias Sperger (18 concertos). Embora muitos desses nomes foram os líderes ao público a música de seu tempo, eles são geralmente desconhecidos pelo público contemporâneo. Wolfgang Amadeus Mozart 's ária de concerto, Per Questa Bella Mano , K.612 para baixo, contrabaixo obbligato, e orquestra contém escrita impressionante para contrabaixo solo de desse período. Ele permanece popular entre os cantores e duplas baixistas hoje.
O contrabaixo eventualmente evoluiu para atender às necessidades de orquestras que exigiam notas mais baixas e um som mais alto. Os principais baixistas duplas da meio-de-final do século 18, como Josef Kämpfer, Friedrich Pischelberger, e Johannes Mathias Sperger empregou o tuning "vienense". O baixista Johann Hindle (1792-1862), que compôs um concerto para o contrabaixo, pioneira afinar o baixo em quartas, que marcou um ponto de viragem para o contrabaixo e seu papel em trabalhos solo. O baixista Domenico Dragonetti foi uma figura musical proeminente e um conhecido de Haydn e Ludwig van Beethoven . Seu modo de tocar era conhecido por todo o caminho de sua terra natal Itália à Rússia Czarista e ele encontrou um lugar de destaque na realização de concertos com a Sociedade Filarmónica de Londres.
A amizade de Beethoven com Dragonetti pode tê-lo inspirado a escrever difíceis, peças separadas para o contrabaixo em suas sinfonias, como as passagens impressionantes do terceiro movimento da Quinta Sinfonia, o segundo movimento da Sétima Sinfonia, e último movimento da Nona Symphony. Estas peças não duplique a parte violoncelo. Dragonetti escreveu dez concertos para o contrabaixo e muitas obras a solo para contrabaixo e piano. Durante estadia de Rossini em Londres no verão de 1824, ele compôs sua Duetto para violoncelo e contrabaixo para Dragonetti eo violoncelista David Salomons. Dragonetti freqüentemente jogado em uma seqüência de três contrabaixo GDA atento de cima para baixo. O uso de apenas as três cordas era popular para solistas baixo e baixistas principais em orquestras do século 19, pois reduziu a pressão na parte superior de madeira do baixo, o que foi pensado para criar um som mais ressonante. Assim, as cordas de baixo "E" utilizado durante o século 19 eram grossos cordões feitos de intestino, que eram difíceis de ajustar e jogar.
1800
No século 19, o maestro de ópera, compositor e baixista Giovanni Bottesini foi considerado o " Paganini do contrabaixo "de seu tempo. Suas composições foram escritas no estilo popular ópera italiana do século 19, que exploram o contrabaixo de uma maneira que não foi visto antes. Eles exigem corridas virtuosos e grandes saltos para os mais altos registros do instrumento, mesmo para o reino de harmônicos. Estas composições foram considerados como não ser reproduzidos por muitos baixistas na parte inicial do século 20, mas agora são freqüentemente realizadas. Durante o mesmo período, uma escola proeminente de baixistas do checo surgiu região, que incluiu Franz Simandl, Theodore Albin Findeisen, Josef Hrabe, Ludwig Manoly, e Adolf Misek. Simandl e Hrabe também foram pedagogos cujo método livros e estudos continuam a ser usada nos tempos modernos.
1900-presente
A figura de proa do contrabaixo no início do século 20 foi Serge Koussevitzky, mais conhecido como maestro da Orquestra Sinfônica de Boston, que popularizou o contrabaixo nos tempos modernos como um instrumento solo. Por causa de melhorias para o contrabaixo com cordas de aço e melhores set-ups, o baixo é jogado agora em um nível mais avançado do que nunca e cada vez mais compositores têm obras para o contrabaixo escrito. Em meados do século e nas décadas seguintes, muitos novos concertos foram escritos para o contrabaixo, incluindo Concerto de Nikos Skalkottas (1942), Concerto de Eduard Tubin (1948), Concertino de Lars-Erik Larsson (1957), Concerto de Gunther Schuller (1962 ), de Hans Werner Henze Concerto (1966) e Concerto No. 1 de Frank Proto (1968).
A partir da década de 1960 até o final do século Gary Karr foi o principal proponente do contrabaixo como instrumento solista e foi ativo no comissionamento ou de ter centenas de novas obras e concertos escritos especialmente para ele. Karr foi dada famoso contrabaixo solo de Koussevitzky por Olga Koussevitsky e tocou em concertos ao redor do mundo por 40 anos antes, por sua vez, dando o instrumento à Sociedade Internacional de baixistas para solistas talentosos para usar em concerto. Outro agente importante neste período, Bertram Turetzky, encomendado e estreado mais de 300 obras de contrabaixo.
Nos anos 1970, 1980 e 1990, os novos concertos incluídosde Nino RotaDivertimento para Contrabaixo e Orquestra(1973),Concerto de Jean Françaix (1975),de Frank Proto Concerto No. 2,de Einojuhani RautavaaraAngel Of Dusk(1980),Concerto de Gian Carlo Menotti (1983),Concerto de Christopher Rouse (1985),Redes de Henry Brant Fantasma (1988) eFrank Proto de "Carmen Fantasia para Contrabaixo e Orquestra" (1991) e "Quatro cenas depois de Picasso" Concerto No.3 (1997).
Na primeira década do século 21, os novos concertos incluemde Frank Proto "Nine Variantes sobre Paganini" (2002),Concerto de Kalevi Aho (2005),de John HarbisonConcerto para Baixo Viol(2006), eDuplo Concerto de André Previn para o violino, o dobro baixo, e orquestra (2007).
Reinhold Glière escreveu uma Intermezzo e Tarantella para contrabaixo e piano, op. 9, No. 1 e No. 2 e uma Praeludium e Scherzo para contrabaixo e piano, op. 32 No.1 e No.2. Paul Hindemith escreveu uma ritmicamente desafiando Contrabaixo Sonata em 1949. Frank Proto escreveu sua Sonata "1963" para Contrabaixo e Piano. Na União Soviética, Mieczysław Weinberg escreveu sua Sonata No. 1 para o solo de baixo de casal em 1971. Giacinto Scelsi escreveu duas peças contrabaixo chamados Nuits em 1972, e, em seguida, em 1976, ele escreveu Maknongan , um pedaço para qualquer instrumento em voz baixa, como contrabaixo, contrabassoon, ou tuba. Vincent Persichetti escreveu obras de solo-que ele chamou de " Parábolas "-para muitos instrumentos. Ele escreveu Parábola XVII para Contrabaixo, op. 131 em 1974. Sofia Gubaidulina escreveu uma Sonata para contrabaixo e piano em 1975. Em 1977 o compositor holandês-húngaro Geza Frid escreveu um conjunto de variações sobre o elefante de Saint-Saëns ' Le Carnaval dos Animais para scordatura contrabaixo e orquestra de cordas. Em 1987 Lowell Liebermann escreveu sua Sonata para Contrabaixo e Piano Op.24. Fernando Grillo escreveu o "Suíte No.1" para contrabaixo (1983/2005). Jacob Druckman escreveu uma peça para contrabaixo solo intitulado Valentine . US solista contrabaixo e compositor Bertram Turetzky (nascido em 1933) se apresentou e gravou mais de 300 peças escritas por e para ele. Ele escreve música de câmara, música barroca, clássica, jazz, música renascentista, música de improvisação e música do mundo
US compositor minimalista Philip Glass escreveu um prelúdio focada no menor cadastre-se que ele marcou para tímpanos e contrabaixo. Compositor italiano Sylvano Bussotti, cuja carreira compondo se estende desde a década de 1930 para a primeira década do século 21, escreveu um trabalho solo para baixo em 1983, intitulada Cara nua anjo por contrabbasso . Fellow compositor italiano Franco Donatoni escreveu uma peça chamada Lem para contrabbasso no mesmo ano. Em 1989, o compositor francês Pascal Dusapin (nascido em 1955) escreveu uma peça solo chamado Em et Fora para contrabaixo. Em 1996, o compositor libanês Sorbonne treinado Karim Haddad composta Ce qui dort dans l'ombre sacrée ("Aquele que dorme nas sombras sagradas") para Radio France Presença Festival. Renaud Garcia-Fons (nascido em 1962) é um contrabaixista francês jogador e compositor, notável por desenho sobre jazz, folk e música asiática para gravações de suas peças como Oriental Baixo (1997). Dois trabalhos recentes importantes escritos para baixo a solo incluem, de Mario Davidovsky Sincronismos No.11 para contrabaixo e sons eletrônicos e de Elliott Carter Figment III, para contrabaixo solo de. O compositor alemão Gerhard Stabler escreveu Co-wie Kobalt (1989-1990), "... uma música para o solo de baixo de casal e grande orquestra." Charles Wuorinen adicionou várias obras importantes para o repertório, Spinoff trio para contrabaixo, violino e conga tambores, e Trio para baixo Instruments contrabaixo, tuba e trombone baixo e, em 2007 Synaxis para contrabaixo, trompa, oboé e clarinete com tímpanos e cordas. A mais recente posição do repertório é uma suite "Sete Screen Shots" para contrabaixo e piano (2005) pelo compositor ucraniano Alexander Shchetynsky com parte do solo que inclui muitos métodos não convencionais de tocar o contrabaixo.
Música de câmara com contrabaixo
Como não há conjunto instrumental estabelecido que inclui o contrabaixo, seu uso na música de câmara não tem sido tão exaustiva como a literatura para ensembles, tais como o quarteto de cordas ou trio piano. Apesar disso, há um número considerável de obras de câmara que integram o contrabaixo em ambos os pequenos e grandes ensembles.
Há um pequeno corpo de obras escritas para o piano quinteto com a instrumentação de piano, violino, viola, violoncelo e contrabaixo. O mais famoso é Franz Schubert 's Piano Quintet em Lá maior, conhecida como "A Truta Quintet "para o seu conjunto de variações no quarto movimento de Schubert Die Forelle . Outras obras para essa instrumentação escrito de aproximadamente o mesmo período incluem aqueles por Johann Nepomuk Hummel, George Onslow, Jan Ladislav Dussek, Louise Farrenc, Ferdinand Ries, Franz Limmer, Johann Baptist Cramer, e Hermann Goetz. Compositores posteriores que escreveram obras de câmara para este quinteto incluem Ralph Vaughan Williams , Colin Matthews, Jon Deak, Frank Proto, e John Woolrich. Sextetos ligeiramente maiores escritas para piano, quarteto de cordas e contrabaixo ter sido escrita por Felix Mendelssohn , Mikhail Glinka, Richard Wernick, e Charles Ives.
No gênero de quintetos de cordas, existem algumas obras para quarteto de cordas com contrabaixo.Quinteto de Cordas de Antonín Dvořák em Sol maior, Op.77 eWolfgang Amadeus MozartSerenade 's em Sol Maior, K.525 ("Eine kleine Nachtmusik " ) são as peças mais populares neste repertório, juntamente com obras deDarius Milhaud,Luigi Boccherini (3 quintetos),Harold Shapero, e Paul Hindemith.
Corda ligeiramente menor trabalha com o contrabaixo incluem seis sonatas de cordas porGioachino Rossini, para dois violinos, violoncelo e contrabaixo escritas com a idade de doze anos, ao longo de três dias em 1804. Estes continuam a ser os seus mais famosos trabalhos instrumentais e têm também foi adaptada para quarteto de sopros.Franz Anton Hoffmeister escreveu quatro Quartetos de cordas para Solo Contrabaixo, Violino, Viola, Violoncelo e em D Major.Frank Proto tem escrito uma Trio para Violino, Viola e Contrabaixo (1974), 2 Duos para Violino e Contrabaixo (1967 e 2005) eos Jogos do mês de Outubropara Oboé / Inglês Horn e contrabaixo (1991).
Obras maiores que incorporam o contrabaixo incluem Beethoven Septeto 's em Mi bemol maior, Op.20, uma de suas peças mais famosas durante a sua vida, que consiste em clarinete, trompa, fagote, violino, viola, violoncelo, e baixo. Quando o clarinetista Ferdinand Troyer encomendado uma obra de Franz Schubert por forças semelhantes, acrescentou mais um violino para seu Octeto em Fá maior, D.803. Paul Hindemith usou a mesma instrumentação como Schubert para o seu próprio Octet. No reino das obras ainda maiores, Mozart incluído o contrabaixo, além de 12 instrumentos de sopro para seu " Gran Partita "Serenade, K.361 e Martinů usado o contrabaixo em sua nonet para quinteto de sopros, violino, viola, violoncelo e baixo.
Outros exemplos de obras de câmara que usam o contrabaixo em conjuntos mistos incluem Quinteto de Serge Prokofiev em Sol menor, Op.39 para oboé, clarinete, violino, viola e contrabaixo; Concertino de Erwin Schulhoff para flauta / flautim, viola e contrabaixo ; de Frank Proto Fragmentos afro-americanos para clarinete baixo, violoncelo, contrabaixo e narrador e Sexteto para clarinete e cordas; Valsas de Fred Lerdahl para violino, viola, violoncelo e contrabaixo; Ladainha de Mohammed Fairouz para contrabaixo e quarteto de sopros; Mario Davidovsky de Festino para violão, viola, violoncelo e contrabaixo; e Morsima-Amorsima de Iannis Xenakis para piano, violino, violoncelo e contrabaixo. Há também novos conjuntos de música que utilizam o contrabaixo como a Time for Three e PROJECT Trio.
Passagens orquestrais e solos
O contrabaixo nos períodos barroco e clássico normalmente o dobro da parte violoncelo em passagens orquestrais. Uma notável exceção seria Haydn, que compôs passagens de solo para o contrabaixo em suas sinfonias nº 6 Le Matin , No.7 Le midi , No.8 Le Soir , No. 31 Buzina de sinal , e No. 45 Farewell , mas quem de outra maneira o grupo baixo e partes de violoncelo juntos. Beethoven abriu o caminho para as peças contrabaixo separadas, que se tornou mais comum na era romântica. O scherzo e trio de Beethoven Quinta Sinfonia são famosos excertos orquestrais, como é o recitativo no início do quarto movimento da Nona Sinfonia de Beethoven .
Enquanto solos de baixo orquestrais são um tanto raros, existem alguns exemplos notáveis. Johannes Brahms, cujo pai era um jogador de contrabaixo, escreveu muitas partes difíceis e importantes para o contrabaixo em suas sinfonias. Richard Strauss atribuído o contrabaixo ousadia partes, e sua poemas sinfónicos e óperas esticar o instrumento para os seus limites. "The Elephant" de Camille Saint-Saëns ' O carnaval dos animais é um retrato satírico do contrabaixo, e virtuoso americano Gary Karr fez sua estréia na televisão jogando "The Swan" (originalmente escrito para o violoncelo) com a Filarmônica de Nova York conduzida por Leonard Bernstein. O terceiro movimento de Gustav Mahler primeira sinfonia apresenta um solo para o contrabaixo que cita canção das crianças Frere Jacques , transposta para tom menor. de Sergei Prokofiev tenente Kije suíte dispõe de um duplo solo de baixo difícil e muito alto no "Romance" movimento. Benjamin Britten 's Guia da Pessoa Jovem para a Orquestra contém uma passagem de destaque para a seção de contrabaixo.
Ensembles contrabaixo
Ensembles feita inteiramente de contrabaixos, embora relativamente raros, também existem, e vários compositores têm escrito ou organizados para esses conjuntos. As composições para quatro contrabaixos existe por Gunther Schuller, Jacob Druckman, James Tenney, Robert Ceely, Jan Alm, Bernhard Alt, Norman Ludwin, Frank Proto, Joseph Lauber, Erich Hartmann, Colin Brumby, Miloslav Gajdos e Theodore Albin Findeisen. Bertold Hummel escreveu uma piccola Sinfonia para oito contrabaixos. Maiores obras do conjunto incluem de Galina Ustvolskaya Composition No. 2, "Dies Irae" (1973), durante oito contrabaixos, piano, e cubo de madeira, George de Jose Serebrier e Muriel (1986), para o baixo solo, conjunto contrabaixo e coro, e Gerhard Samuel do que da minha música! 30 contrabaixos (1979), para soprano, percussão, e.
Activos ensembles contrabaixo incluem L'Orchestre de Contrebasses (6 membros), a Bass Instinct (6 membros), Bassiona Amorosa (6 membros), o Chicago Baixo Ensemble (4+ membros), The Bass Gang (4 membros), o London Duplo Baixo Ensemble (6 membros), fundada por membros da Orquestra Filarmônica de Londres, que produziram os LP Música Interludes por Londres Contrabaixo Ensemble em registros Bruton Música, Orquestra Brno Contrabaixo (14 membros), fundada pelo professor de contrabaixo em Janáček Academy of Music e Artes Cênicas e diretor contrabaixista na Orquestra Filarmónica de Brno - Miloslav Jelinek, e os conjuntos de Ball State University (12 membros), Shenandoah University, eo Hartt School of Music. A Base de Dados de Amarillo baixo de Amarillo, Texas, uma vez contou com 52 baixistas duplas, e The London Double Bass Sound, que lançou um CD em Cala Records, tem 10 jogadores.
Além disso, as seções de contrabaixo de algumas orquestras executar como um conjunto, como a Orquestra Sinfónica de Chicago Wacker Consort. Há um número crescente de composições publicadas e arranjos para ensembles de contrabaixo, ea Sociedade Internacional de baixistas apresenta regularmente ensembles contrabaixo (ambos os conjuntos menores, bem como muito grandes ensembles "de baixo massa") em suas conferências, e patrocina a bienal David Walter Composition Competition, que inclui uma divisão de obras do conjunto contrabaixo.
Use no jazz
Começando por volta de 1890, o início de New Orleans jazz conjunto (que jogou uma mistura de marchas, ragtime , e Dixieland) foi inicialmente uma banda com uma tuba ou sousaphone (ou ocasionalmente saxofone baixo) fornecer a linha de baixo. Enquanto a música mudou para bares e bordéis, o baixo ereto gradualmente substituída estes instrumentos de sopro. Muitos baixistas primeiros dobrou em ambos o baixo bronze e baixo de corda , como os instrumentos foram, então, muitas vezes referido. Baixistas jogado "ambulantes" linhas baseadas em linhas de baixo que escala descritas a harmonia.
Porque um baixo ereto sem amplificação é geralmente o instrumento mais silenciosos em uma banda de jazz, muitos jogadores de 1920 e 1930 usou o estilo tapa , tapa e puxando as cordas para que eles fazem um som rítmico "tapa" contra o fingerboard. Os cortes de estilo tapa através do som de uma banda melhor do que simplesmente tocar as cordas, e permitiu que o baixo para ser mais facilmente ouvido em gravações de som iniciais, como o equipamento de gravação de que o tempo não favorecem baixas frequências. Para saber mais sobre o estilo tapa, ver estilos de jogo modernos , abaixo.
Muitos jogadores contrabaixo ter contribuído para a evolução do jazz. Exemplos incluem jogadores Swing Era como Jimmy Blanton, que tocou com Duke Ellington, e Oscar Pettiford, que foi pioneiro uso do instrumento em bebop. Paul Chambers (que trabalhou com Miles Davis na famosa Kind of Blue album) alcançou fama por ser um dos os primeiros baixistas de jazz a tocar solos bebop com o arco. Terry Plumeri promoveu o desenvolvimento de arco (abaulado) solos, conseguir a liberdade técnico horn-like e um tom claro, vocal inclinadas, enquanto Charlie Haden, mais conhecido por seu trabalho com Ornette Coleman , definiu o papel do baixo no Free Jazz.
Uma série de outros baixistas, comoRay Brown,slam Stewart eNiels-Henning Ørsted Pedersen, foram fundamentais para a história do jazz. Notavelmente, Charles Mingus foi um compositor altamente respeitado, bem como um baixista conhecido por seu virtuosismo técnico e som potente.Scott LaFaro influenciou uma geração de músicos, libertando o baixo de contrapontística "caminhar" por trás solistas em vez favorecendo, melodias de conversação interativa.
Enquanto a guitarra baixo elétrico foi utilizado de forma intermitente no jazz tão cedo quanto 1951, começando na década de 1970 o baixista Bob Cranshaw, jogando com o saxofonista Sonny Rollins, e pioneiros de fusão Jaco Pastorius e Stanley Clarke começou a comumente substituir a guitarra baixo para o baixo ereto. Além dos estilos de jazz de fusão do jazz e latin jazz de influência no entanto, o baixo ereto ainda é o instrumento baixo dominante no jazz. O som eo tom do contrabaixo depenados é distinto daquele da guitarra-baixo trastes. O contrabaixo produz um som diferente do que a guitarra baixo, porque suas cordas não são interrompidos por metais trastes, em vez de ter uma faixa tonal contínuo no fingerboard ininterrupto. Assim, guitarras baixo têm geralmente um corpo de madeira sólida, o que significa que o som é produzida por amplificação electrónica da vibração das cordas, ao invés de reverberação acústica do contra-baixo.
O baixo de corda é o instrumento de graves mais comumente usado em música bluegrass e quase sempre é arrancado, embora alguns baixistas modernas bluegrass também usaram um arco. O baixista bluegrass é parte da seção de ritmo, e é responsável por manter um ritmo constante, seja rápido, lento, em 4/4, 2/4 ou 3/4 do tempo. O Engelhardt-Link (anteriormente marcas de baixos laminados Kay) têm sido escolhas populares para baixistas bluegrass. A maioria dos baixistas bluegrass usar o baixo tamanho de 3/4, mas o full-size e 5/8 baixos tamanho também são utilizados.
Música tradicional pré-bluegrass precoce foi muitas vezes acompanhada de violoncelo. O violoncelista Natalie Haas aponta que em os EUA, você pode encontrar "... fotografias antigas, e até mesmo gravações antigas, de bandas de cordas americanos com violoncelo." No entanto, "O violoncelo saiu de cena na música popular, e tornou-se associada com a orquestra." O violoncelo não reapareceu em bluegrass até os anos 1990 e primeira década do século 21. Algumas bandas de bluegrass contemporâneos favorecem o baixo elétrico, porque é mais fácil de transportar do que o baixo ereto grande e um tanto frágil. No entanto, o baixo guitarra tem um som musical diferente. Muitos músicos sentem o ataque mais lento e percussão tom, arborizado do contrabaixo dá-lhe um som ou "natural" mais "terra" do que um baixo elétrico, particularmente quando são utilizados cordas de tripa.
Ritmos comuns em bluegrass baixo playing envolver (com algumas exceções) que arranca em batidas 1 e 3 em 4/4 do tempo; bate 1 e 2 em 2/4 hora, e no tempo marcado em tempo 3/4 (hora Valsa). Linhas de baixo Bluegrass são geralmente simples, normalmente ficam na raiz e quinta de cada acorde durante a maior parte de uma canção. Existem dois principais exceções a esta regra. Baixistas Bluegrass muitas vezes fazer uma diatônica sem elevador ou walkdown, em que eles jogam cada batida de um bar para uma ou duas barras, normalmente quando há uma mudança de acorde. Além disso, se um baixista é dado um solo, eles podem desempenhar um linha do baixo com uma nota em cada batida ou jogar um bassline influenciado escala pentatônica.
Um baixista bluegrass cedo para subir à proeminência foi Howard Watts (também conhecido como Cedric A água da chuva), que jogou com Blue Grass Meninos início de Bill Monroe em 1944. O baixista clássica Edgar Meyer tem ramificações fora freqüentemente em newgrass, dos velhos tempos, jazz, e outros gêneros. "Minha todos favorito é Todd Phillips ", proclamou Union Station baixista Barry Bales em abril de 2005." Ele trouxe uma maneira completamente diferente de pensar e jogar bluegrass ".
Um contrabaixo foi o instrumento baixo padrão na tradicional música ocidental do país . Enquanto o baixo ereto ainda é usado ocasionalmente em música country , o baixo elétrico tem substituído o seu primo maior na música country, especialmente nos países mais estilos infundido-pop dos anos 1990 e 2000, como novo país .
Slap bass-style
Slap bass-estilo é usado às vezes em tocar baixo bluegrass. Quando baixistas bluegrass tapa a seqüência puxando-o até atingir o fingerboard ou bater as cordas contra o fingerboard, acrescenta o "clack" percussivo agudo ou "tapa" de som para as notas de baixa intensidade, baixo, soando muito parecido com o clacks de um dançarino de sapateado. Tapa é um assunto de controvérsia menor na cena do bluegrass. Mesmo os especialistas batendo como Mike Bub dizer: "Não bater em cada show," ou em canções onde não é apropriado. Como assim, baixistas bluegrass que jogam em estilo tapa em shows ao vivo, muitas vezes tapa menos nos registros. Bub e seu mentor Jerry McCoury raramente slap bass em gravações. Enquanto baixistas, tais como Jack cozinheiro slap bass no ocasional mais rápido "Clinch Mountain Boys canção," baixistas como Gene Libbea, Missy Raines, Jenny Keel, e Barry Bales [raramente] slap bass.
Bluegrass baixista Mark Schatz, que ensina slap bass em seu Intermediate Bluegrass DVD reconhece que slap bass "... não foi estilisticamente muito predominante na música que eu gravei." Ele observa que "Mesmo em baixo bluegrass tradicional tapa só aparece esporadicamente e mais do que eu tenho feito tem sido no lado mais contemporâneo do que (Tony Arroz, Tim O'Brien)." Schatz afirma que ele seria "... mais propensos a usá-lo [tapa] em uma situação ao vivo do que em uma gravação-for um solo ou para pontuar um lugar especial em uma música ou melodia onde eu não seria obliterando de alguém de solo . " Outro método bluegrass, Aprenda a tocar baixo Bluegrass , por Earl Gately, também ensina bluegrass tapa técnica graves.
Use na música popular
Em 1952, o baixo ereto era um instrumento padrão na música rock and roll, Marshall Lytle de Bill Haley & His Comets sendo apenas um exemplo. Na década de 1940, um novo estilo de música de dança chamado rhythm and blues desenvolvidos, incorporando elementos dos estilos anteriores do blues e swing. Louis Jordan , o primeiro inovador deste estilo, contou com um baixo ereto em seu grupo, o Tympany Five. O contrabaixo for parte integrante de lineups pop em toda a década de 1950, como o novo gênero de o rock and roll foi construído em grande parte sobre o modelo de rhythm and blues, com fortes elementos também derivados de jazz, country, bluegrass e. No entanto, os jogadores Baixo ereto usando seus instrumentos nestes contextos enfrentou problemas inerentes. Eles foram forçados a competir com mais altos instrumentos do chifre (e guitarras elétricas mais tarde amplificados), fazendo com que partes de baixo difícil de ouvir. O contrabaixo é difícil para amplificar em configurações concert venue altos, porque pode ser propenso a realimentação uivos . O contrabaixo é grande e desajeitado para o transporte, que também criou problemas de transporte para bandas em turnê. Em alguns grupos, a slap bass foi utilizada como percussão banda no lugar de um baterista; como foi o caso com Bill Haley & His Saddlemen (o grupo precursor para os cometas), que não usaram bateristas em gravações e apresentações ao vivo até final de 1952; antes de este baixo o tapa foi invocado para percussão, incluindo em gravações como versões de Haley de rocha mista e Rocket 88.
Em 1951, Leo Fender lançado de forma independente seu Precision Bass, o primeiro sucesso comercial guitarra baixo elétrico. O baixo elétrico foi facilmente amplificado com seus captadores embutidos, facilmente portáteis (menos de um pé mais do que uma guitarra elétrica), e mais fácil de jogar em sintonia, graças aos trastes de metal. Em 1960 e 1970 bandas estavam tocando em volumes mais altos e atuando em espaços maiores. O baixo elétrico foi capaz de fornecer o enorme e altamente amplificado tom baixo de preenchimento de estádio que o pop eo rock da época exigia, eo contrabaixo recuou da ribalta da cena musical popular.
O contrabaixo começou fazendo um retorno modesto na música popular em meados da década de 1980, em parte devido a um interesse renovado em formas anteriores de música rock e country. Na década de 1990, as melhorias em picapes e modelos de amplificadores para basses horizontais e verticais eletro-acústico tornou mais fácil para os baixistas para obter um bom tom, claro amplificado a partir de um instrumento acústico. Algumas bandas populares decidiram ancorar seu som com um baixo ereto em vez de um baixo elétrico. A tendência para performances "Unplugged" ajudou ainda mais para aumentar o interesse do público no contrabaixo e guitarra baixo acústico.
Jim Creeggan de Barenaked Ladies joga principalmente contrabaixo, embora ele tenha cada vez tocou baixo em toda a carreira da banda. Athol Guy do grupo folk / pop australiana The Seekers desempenha um contrabaixo. Shannon Burchell, do grupo folk-rock australiana The John Butler Trio, faz uso extensivo de baixos verticais, realizando solos estendidos ao vivo em canções como Betterman. No álbum 2008 Orelha Parque da banda indie / pop Department of Eagles, um contrabaixo curvou é destaque bastante destaque nas músicas adolescentes e Orelha Parque . Banda norueguesa ompa-rock Orchestra Kaizers usar o contra-baixo exclusivamente ao vivo e em suas gravações.
Baixistas de Hank Williams III (Joe Buck e Zach Shedd, mais notavelmente) usaram baixos verticais para a gravação, bem como durante os países e Hellbilly conjuntos de shows ao vivo de Hank III antes de mudar para baixo elétrico para oconjunto Assjack.
Estilos de jogo modernos
Em gêneros de música popular, o instrumento é geralmente jogado com amplificação e quase jogado exclusivamente com a dedos, pizzicato estilo. O estilo pizzicato varia entre os diferentes intervenientes e gêneros. Alguns jogadores executar com os lados de uma, duas, ou três dedos, especialmente para caminhar basslines e baladas ritmo lento, porque este é suposto para criar um tom mais forte e mais sólida. Alguns jogadores usam as dicas mais ágeis dos dedos para jogar em movimento rápido passagens a solo ou para arrancar levemente para uso tranquila tunes.The de amplificação permite ao jogador ter mais controle sobre o tom do instrumento, porque amplificadores têm controles de compensação que permitem o baixista para acentuar certas freqüências (muitas vezes as frequências graves), enquanto de-acentuando algumas freqüências (muitas vezes as altas frequências, de modo que há menos ruído dedo).
O tom de um baixo acústico unamplified é limitado pela capacidade de resposta de freqüência do corpo oco do instrumento, o que significa que os arremessos muito baixas podem não ser tão alto quanto os tons altos. Com um amplificador e dispositivos de equalização, um baixista pode aumentar as baixas frequências, o que equilibra a resposta de freqüência. Além disso, a utilização de um amplificador pode aumentar a sustentação do instrumento, o qual é particularmente útil para o acompanhamento durante baladas e para solos melódicos com notas mantidas.
No jazz tradicional, swing, polca, rockabilly, psychobilly e música, às vezes é jogado no estilo tapa . Esta é uma versão vigorosa de pizzicato onde as cordas são "tapa" contra o fingerboard entre as principais notas da linha de baixo, produzindo um som percussivo tipo tambor cilada. As principais notas são ou reproduzido normalmente ou por puxar a corda longe do fingerboard e liberá-lo para que ele rebate o fingerboard, produzindo um ataque percussivo distintivo, além do terreno de jogo esperado. Jogadores notáveis graves estilo tapa, cujo uso da técnica foi muitas vezes altamente sincopada e virtuosística, às vezes interpoladas dois, três, quatro, ou mais tapas entre notas da linha de baixo.
"Estilo de batida" pode ter influenciado guitarristas baixo elétrico que, a partir de meados dos anos sessenta (particularmente Larry Graham de Sly and the Family Stone), desenvolveram uma técnica chamada tapa e popque usou o polegar da mão que arranca para bater a corda, fazendo um som tapa, mas ainda deixando o anel de nota, e do índice ou dedo médio da mão depena para puxar a corda de volta para que ela atinge o braço da guitarra, conseguindo o som pop descrito acima.
Baixistas duplas
Histórico
- Domenico Dragonetti (1763-1846)Virtuoso, compositor, maestro
- Giovanni Bottesini (1821-1889) Virtuoso, compositor, maestro
- Franz Simandl (1840-1912) Virtuoso, compositor,pedagogo
- Edouard Nanny (1872-1943) Virtuoso, compositor
- Serge Koussevitzky (1874-1951) Virtuoso, compositor, maestro
Contemporâneos (1900-presente)
Clássico
Alguns dos jogadores clássicos contemporâneos mais influentes contrabaixo são conhecido tanto por suas contribuições para a pedagogia como por suas habilidades de desempenho, tais como US baixista Oscar G. Zimmerman (1910-1987), conhecido por seu ensino na Eastman School of Music e , durante 44 verões no Interlochen National Music Camp em Michigan eo baixista francês François Rabbath (b. 1931), que desenvolveu um novo método de graves que dividiu todo o fingerboard em seis posições. Baixistas conhecidos por suas habilidades de solo virtuoso incluem jogador canadense Gary Karr (b. 1941), compositor finlandês Teppo Hauta-Aho (b. 1941), compositor italiano Fernando Grillo, e US jogador-compositor Edgar Meyer. Para obter uma lista mais longa, ver a Lista de jogadores de contrabaixo clássicos contemporâneos .
Jazz
Baixistas de jazz notáveis dos anos 1940 aos anos 1950 incluiu o baixista Jimmy Blanton (1918-1942), cujo mandato curto na Duke Ellington balanço banda (interrompida por sua morte por tuberculose ) introduziu novas idéias individuais melódicos e harmônicos para o instrumento; o baixista Ray Brown (1926-2002), conhecido por apoiar Beboppers Dizzy Gillespie, Oscar Peterson, Art Tatum e Charlie Parker, e formando o Modern Jazz Quartet; baixista hard bop Ron Carter (nascido em 1937), que já apareceu em 3500 álbuns de fazê-lo um dos baixistas mais gravados da história do jazz, incluindo LPs por Thelonious Monk e Wes Montgomery e muitas Azul Note Records artistas; e Paul Chambers (1935-1969), um membro do Miles Davis Quintet (incluindo o marco jazz modal gravação Kind of Azul ) e muitas outras décadas de 1950 e seções rítmicas 1960, era conhecido por seus virtuosos improvisações.
Na experimental pós 1960 eras, que viu o desenvolvimento de free jazz e fusão jazz-rock, alguns dos baixistas influentes incluídos Charles Mingus (1922-1979), que também era um compositor e bandleader cuja música fundido duro bop com preto música gospel, jazz livre e música clássica; free jazz e pós-bop baixista Charlie Haden (nascido em 1937) é mais conhecido por sua longa associação com o saxofonista Ornette Coleman e por seu papel na década de 1970-era Orquestra de Música de Libertação, um grupo experimental; Eddie Gomez e George Mraz , que jogou com Bill Evans e Oscar Peterson, respectivamente, e são ambos reconheceram ter promovido expectativas de fluência pizzicato e fraseado melódico, virtuoso fusão Stanley Clarke (nascido em 1951) é notável por sua destreza tanto no contrabaixo e baixo elétrico, e Terry Plumeri, conhecido por seu chifre-como arco fluência e tom vocal. Na década de 1990 e primeira década do século 21, um dos novos "jovens leões" foi Christian McBride (nascido em 1972), que já se apresentou com uma variedade de veteranos que variam de McCoy Tyner para gurus de fusão Herbie Hancock e Chick Corea, e que lançou álbuns como 2003 de Vertical Visão . Outro jovem baixista da nota é Esperanza Spalding (nascido em 1984), que, aos 27 anos de idade, já ganhou um Grammy de Melhor Artista Novo. Para obter uma lista mais longa, ver a Lista de baixistas de jazz, que inclui contrabaixo e baixistas elétricos.
Outros gêneros populares
Além de ser um jogador clássico observou, Edgar Meyer é bem conhecido no bluegrass e newgrass círculos. Todd Phillips é outro jogador bluegrass proeminente. Bem conhecidos baixistas rockabilly incluem Bill Black, Marshall Lytle (com Bill Haley & His Comets) e Lee Rocker (com 1980-era revivalists rockabilly os gatos vadios). Revivalists rockabilly notáveis e artistas de psychobilly da década de 1990 e primeira década do século 21 incluem Scott Owen (da banda australiana The Living End), Jimbo Wallace (da banda US Reverend Horton Heat), Kim Nekroman ( Nekromantix), Dia Patricia ( HorrorPops), Geoff Kresge ( Tiger Exército, ex AFI). Willie Dixon (1915-1992) foi uma das figuras mais notáveis na história do rhythm and blues . Além de ser um baixista ereto, ele escreveu dezenas de hits R & B e trabalhou como produtor. Ele também toca baixo em numerosos sucessos do rock and roll de Chuck Berry. Muitos outros bandas rockabilly como El Rio Trio (da Holanda) também utilizar este instrumento em seu trabalho.
Pedagogia e formação
A pedagogia e formação para o contrabaixo é muito variável por gênero e país. Contrabaixo clássico tem uma história de pedagogia que remonta há vários séculos, incluindo manuais de ensino, estudos e exercícios progressivos que ajudam os alunos a desenvolver a resistência ea precisão da mão esquerda, e controle para a mão do curvatura. Métodos de treinamento clássicos variam conforme o país: muitos dos principais países europeus estão associados com métodos específicos (por exemplo, o método Edouard Nanny em França ou no método de Franz Simandl na Alemanha). Na formação clássica, a maioria da instrução para a mão direita se concentra na produção de curvando-se tom; pouco tempo é gasto a estudar as variedades de tom pizzicato.
Em contraste, nos gêneros que principalmente ou exclusivamente usam pizzicato (arrancamento), como jazz e blues, uma grande quantidade de tempo e esforço está focado em aprender as variedades de estilos diferentes pizzicato utilizados para a música de diferentes estilos de tempi. Por exemplo, no jazz, baixistas aspirantes tem que aprender a executar uma ampla gama de tons pizzicato, inclusive usando as laterais dos dedos para criar um som cheio e profundo para baladas, usando as pontas dos dedos para basslines andando rápido ou solos e executar uma variedade de percussão notas fantasmas por raking cordas suaves ou parcialmente silenciado.
Treinamento formal
De todos os gêneros, clássica e jazz têm os sistemas de ensino e formação mais estabelecidas e abrangentes. No meio clássico, as crianças podem começar a tomar aulas particulares sobre o instrumento e atuando em crianças ou orquestras de jovens. Adolescentes que aspiram a se tornar clássicos baixistas profissionais podem continuar seus estudos em uma variedade de configurações de formação formal, incluindo universidades, conservatórios e universidades. Faculdades certificados e diplomas em desempenho de graves.
Conservatórios, que são o sistema de formação musical padrão na França e em Quebec (Canadá) fornecer lições e experiência orquestral amador para baixistas duplas. Universidades oferecem uma gama de programas de contrabaixo, incluindo bacharelado, mestrado em Música, e Doutor em Artes Musicais graus. Como assim, há uma variedade de outros programas de formação, tais como acampamentos de verão e orquestral clássica, ópera, ou festivais de música de câmara de formação, que dão aos alunos a oportunidade de jogar uma grande variedade de música.
Graus de bacharel em desempenho de graves (referido como B.Mus. Ou BM) são programas de quatro anos, que incluem aulas individuais baixo, experiência orquestra amadora, e uma seqüência de cursos na história da música, teoria musical, e cursos de artes liberais (por exemplo, literatura em Inglês), que dão ao aluno uma educação mais bem-arredondado. Normalmente, os alunos de desempenho de graves realizar vários recitais a solo de contrabaixo da música, tais como concertos, sonatas e suites barrocas.
Mestrado em música no desempenho contrabaixo consistem em aulas particulares, experiência conjunto, treinando em jogar partes de contrabaixo de orquestra, e cursos de pós-graduação em história da música e teoria musical, juntamente com um ou dois recitais a solo. Um mestrado em música (referido como um M.Mus. ou MM) é muitas vezes uma credencial necessária para as pessoas que desejam se tornar um professor de contrabaixo em uma universidade ou conservatório.
Doutor em Artes Musicais (referidas como DMA, DMA, D.Mus.A. ou A.Mus.D) graus no desempenho contrabaixo proporcionar uma oportunidade para o estudo avançado no mais alto nível artístico e pedagógico, exigindo normalmente um adicional 54+ horas de crédito além de um curso de mestrado (que é cerca de 30+ créditos além de um diploma de bacharelado). Por esta razão, a candidatura de admissão é altamente selectiva. Exames na história da música, teoria musical, formação de orelha / ditado, mais uma entrada exame / recital, é necessário introduzir um programa desse tipo de estudo. Uma série de considerandos (cerca de seis), incluindo um recital-palestra para a qual uma tese de doutorado que o acompanha é submetido, cursos avançados e uma média mínima B são outros requisitos típicos de um programa de DMA.
Durante todo o início da história do jazz, baixistas duplas tanto aprendeu o instrumento informalmente, ou de obter formação clássica no início, como no caso de Ron Carter e Charles Mingus. Em 1980 e 1990, as faculdades e universidades começaram a introduzir diplomas e graus no desempenho jazz. Estudantes em diploma jazz ou Bacharelado em programas de música tomar aulas de baixo individuais, obter experiência em pequenos grupos de jazz com treinamento de um jogador experiente, e jogar em grandes bandas de jazz. Tal como acontece com os programas de formação clássica, jazz programas também incluem cursos presenciais na história da música e teoria musical. Em um programa de jazz, estes cursos se concentrar nas diferentes eras da história do jazz. tais como Swing, Bebop, e de fusão. Os cursos de teoria focar as habilidades musicais utilizados na improvisação do jazz e do jazz comping (acompanhamento) e a composição de melodias de jazz. Há também campos de jazz e festivais de verão de formação / seminários, que oferecem aos estudantes a oportunidade de aprender novas habilidades e estilos.
Formação informal
Em outros gêneros, como o blues, rockabilly, psychobilly, e os sistemas pedagógicos e seqüências de formação não são tão formalizado e institucionalizado. Não há graus no desempenho de graves azuis, ou conservatórios que oferecem diplomas de vários anos de graves rockabilly. No entanto, há uma série de livros, jogando métodos, e, desde os anos 1990, DVDs de instrução (por exemplo, sobre como jogar rockabilly de estilo slap bass). Como tal, os artistas nesses outros gêneros tendem a vir de uma variedade de vias, incluindo a aprendizagem informal, utilizando método de graves livros ou DVDs, tendo aulas particulares e treinamento, e aprendendo com discos e CDs. Em alguns casos, blues ou baixistas rockabilly pode ter obtido algum treinamento inicial através dos sistemas de pedagogia clássica ou jazz (por exemplo, orquestra de jovens ou de alta escola big band). Em gêneros como o tango, que utilizam uma grande quantidade de passagens arqueadas e linhas de estilo pizzicato jazz, os baixistas tendem a vir de rotas de formação clássica ou jazz.
Carreiras
Carreiras em contrabaixo variar amplamente por gênero e por região ou país. A maioria dos baixistas ganham a vida a partir de uma mistura de desempenho e de ensino empregos. O primeiro passo para obter a maioria dos trabalhos de desempenho é jogando em uma audição. Em alguns estilos de música, como bandas de palco orientada para o jazz, baixistas pode ser solicitado a vista ler música impressa ou executar peças convencionais (por exemplo, um padrão do jazz, como agora é a hora ) com um ensemble. Da mesma forma, em uma banda de rock ou azuis, auditionees pode ser convidado a tocar vários clássicos do rock ou azuis. Um baixista ereto audição para uma banda de blues pode ser solicitado para jogar em um estilo swing curta bassline, um estilo rockabilly "tapa" bassline (no qual as cordas são percussively bateu contra o fingerboard) e uma balada dos anos 1950, com notas de longo detidos. Uma pessoa fazendo testes para um papel como um baixista, em alguns estilos de pop ou música rock pode ser esperado para ser capaz de demonstrar a capacidade de realizar harmonias vocais como um cantor de backup.
Na música clássica, baixistas audição para jogar empregos em orquestras e para a admissão em programas universitários ou conservatório ou graus. Numa audição baixo clássico, o performer normalmente desempenha um movimento de uma suíte de Bach ou um movimento de um concerto para baixo e uma variedade de trechos da literatura orquestral. Audições baixo orquestral são tipicamente realizada em frente de um painel que inclui o condutor, o concertino, o baixista principal e, possivelmente, outros jogadores principais, tais como o violoncelista principal. Os candidatos mais promissores são convidados a retornar para uma segunda ou terceira rodada de audições, que permite ao condutor e ao painel de comparar os melhores candidatos. Performers pode ser solicitado a vista ler música orquestral. A fase final do processo de audição em algumas orquestras é uma semana de teste , no qual o artista joga com a orquestra durante uma semana ou duas, o que permite que o condutor e os jogadores principais para ver se o indivíduo pode funcionar bem em um ambiente real desempenho.
Empregos de desempenho incluem jogar como freelancer em pequenos grupos, grandes conjuntos, ou executar a música a solo, quer ao vivo no palco ou como um jogador sessão para transmissões de rádio ou de TV ou para gravações; e trabalhando como empregado de uma orquestra, big band, ou estúdio de gravação (como casa baixista do estúdio). Muitos baixistas encontrar trabalho extra por substituição ("subbing") para baixistas que são duplo-agendados ou para o mal. É difícil para os baixistas para ser capaz de encontrar a tempo inteiro, trabalho para o ano inteiro em um único trabalho. Sobre o mais próximo que um baixista pode vir a isso é no caso de baixistas clássicos que ganham uma audição em uma orquestra profissional ou o pequeno número de profissionais de sessão de topo que são contratados por estúdios de gravação. Até os trabalhos de orquestra de tempo integral não costumam durar o ano inteiro. Quando a orquestra pára de tocar (que é muitas vezes no verão), baixistas orquestrais tem que encontrar outro trabalho, seja como professor ou treinador, ou em outro grupo.
Trabalho de ensino para baixista dobro inclui dar aulas particulares em casa ou em faculdades e universidades; jogadores treinador graves que estão se preparando para gravações ou audições; fazendo treinamento do grupo em campos de música ou para ensembles de juventude; e trabalhando como um professor de música do ensino médio.
No jazz, blues, rockabilly e outros gêneros, a maioria dos baixistas não pode ganhar a vida de jogar em um único grupo (com excepção do pequeno número de baixistas em bandas em turnê top ou grupos com contratos de gravação), para que eles trabalham em diferentes bandas e complementar sua renda com o jogo sessão e ensino. Devido ao número limitado de trabalhos orquestrais de tempo integral, muitos baixistas clássicos são igualmente não conseguem encontrar trabalho em tempo integral com uma única orquestra. Alguns baixistas aumentar sua empregar-capacidade, aprendendo vários estilos diferentes, tais como clássica e jazz ou rockabilly e bluegrass.
Em alguns casos, baixistas complementar sua renda desempenho e de ensino com outros trabalhos musicais relacionados, como trabalhar como uma oficina de reparação dos graves (luthier); como um empreiteiro que contrata músicos para orquestras ou big bands, compor música (por exemplo, Dave Holland), songwriting, conduzindo (por exemplo, David Currie) ou atuando como um líder de banda (por exemplo, Charles Mingus). Em algumas regiões pode não haver bastante trabalho na música para ganhar a vida, mesmo se um baixista pode jogar vários estilos e ele ou ela faz gravações e ensino. Como tal, em algumas regiões, baixistas pode ter que completar o seu trabalho musical com renda a partir de outro campo fora da música.
