Neoclassicismo
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Neoclassicismo (a partir de neos gregos νέος, classicus Latina e ismos -ισμός grego) é o nome dado a Ocidental movimentos no decorativos e artes visuais , literatura , teatro , música e arquitetura que atraem inspiração da arte "clássica" ea cultura da Grécia Antiga ou Roma Antiga . O principal movimento neoclássico coincidiu com a do século 18 Age of Enlightenment , e continuou até o início do século 19, ultimamente, competindo com o romantismo . Na arquitetura do estilo continuou durante os séculos 19 e 20 e no dia 21.
Visão global
Neoclassicismo é um revival dos estilos e espírito da antiguidade clássica inspirada diretamente do período clássico, que coincidiu e refletiu a evolução da filosofia e outras áreas do Age of Enlightenment, e foi inicialmente uma reação contra os excessos do anterior Rococo estilo. Enquanto o movimento é muitas vezes descrita como a contraparte oposta do Romantismo , esta é uma grande simplificação excessiva que não tende a ser sustentável quando artistas ou obras específicas são considerados, no caso do suposto campeão principal da tarde Neoclassicismo, Ingres, demonstrando este especialmente bem. O renascimento podem ser rastreados para o estabelecimento de arqueologia formal. Os escritos de Johann Joachim Winckelmann foram importantes na formação desse movimento na arquitetura e as artes visuais. Seus livros, Reflexões sobre a Imitação de obras gregas em Pintura e Escultura (1750) e Geschichte der Kunst des Alterthums ("História da Arte Antiga", 1764) foram os primeiros a distinguir claramente entre o grego antigo e arte romana, e definir prazos em arte grega, traçando uma trajetória de crescimento até o vencimento e, em seguida, imitação ou decadência que continua a ter influência até os dias atuais. Winckelmann acreditavam que a arte deve ter por objectivo "nobre simplicidade e grandeza calma", e elogiou o idealismo da arte grega, na qual ele disse que nós encontramos: "não só a natureza em suas mais belas, mas também algo além da natureza ou seja, certas formas ideais de seu beleza, que, como um antigo intérprete de Platão nos ensina, vêm de imagens criadas pela mente em paz. " A teoria era muito longe de ser nova na arte ocidental, mas sua ênfase na próxima cópia de modelos gregos foi: "A única maneira de tornar-se grande ou, se isso é possível, inimitável, é imitar os antigos".
Com o advento da Grand Tour, uma moda passageira de recolher antiguidades começou que lançou os fundamentos de muitas grandes coleções espalhando um renascimento neoclássico em toda a Europa. "Neoclassicismo" em cada arte implica um determinado cânone de um modelo "clássico".
Em Inglês, o termo "Neoclassicismo" é usado principalmente das artes visuais; o movimento similar em Inglês literatura, que começou consideravelmente mais cedo, é chamado Literatura de Augusto, que tinha sido dominante por várias décadas, e estava começando a diminuir, pelo Neoclassicismo tempo nas artes visuais tornou-se moda. Apesar de termos diferentes, a situação na literatura francesa foi semelhante. Na música, o período viu o surgimento de música clássica, e "neoclassicismo" é utilizado de Desenvolvimentos do século 20. No entanto, as óperas de Christoph Willibald Gluck, representou uma abordagem especificamente neo-clássico, soletrado para fora em seu prefácio à pontuação publicada de Alceste (1769), que teve como objetivo reformar ópera, removendo ornamentação, aumentando o papel do coro em linha com Tragédia grega, e usando linhas melódicas sem adornos mais simples.
O termo "neoclássico" não foi inventada até meados do século 19, e no momento em que o estilo foi descrito por termos como "o verdadeiro estilo", "reformados" e "renascimento"; o que foi considerado como sendo revivido variando consideravelmente. Modelos antigos eram certamente muito envolvido, mas o estilo também pode ser considerado como um renascimento do renascimento , e especialmente na França como um regresso ao mais austero e nobre barroco da era de Luís XIV , para o qual a nostalgia considerável tinha desenvolvido como posição militar e político dominante da França começou um sério declínio. Retrato coroação de Ingres de Napoleão ainda emprestado de tarde Antique dípticos consulares e os seus Carolíngia renascimento, à desaprovação dos críticos.
Neoclassicismo foi mais forte na arquitetura , escultura e da artes decorativas, onde os modelos clássicos no mesmo meio eram relativamente numerosos e acessível; exemplos da pintura antiga que demonstraram as qualidades que a escrita de Winckelmann encontrados na escultura foram e estão faltando. Winckelmann foi envolvido na disseminação do conhecimento das primeiras grandes pinturas romanas a ser descoberto, em Pompéia e Herculano e, como a maioria dos contemporâneos, exceto para Gavin Hamilton, não se impressionou com eles, citando Plínio, os comentários de jovens com o declínio de pintura em seu período.
Neoclassicismo Europeia nas artes visuais começou c. 1760 em oposição aos então dominantes Barroco e Rococó estilos. Arquitetura rococó enfatiza graça, ornamentação e assimetria; Arquitetura neoclássica baseia-se nos princípios da simplicidade e simetria, que eram vistos como virtudes das artes de Roma e Grécia antiga , e foram mais imediatamente retiradas do século 16 classicismo renascentista . Cada "neo" - classicismo seleciona alguns modelos entre o leque de possíveis clássicos que estão disponíveis para ele, e ignora outros. Os escritores neoclássicos e locutores, mecenas e colecionadores, artistas e escultores de 1765-1830 prestou homenagem a uma idéia da geração de Fídias, mas os exemplos escultura eles realmente abraçaram eram mais propensos a ser cópias romanas de esculturas helenísticas. Eles ignoraram ambos arte grega arcaica e as obras da Antiguidade Tardia. A arte Rococo do antigo Palmyra veio como uma revelação, por meio de gravuras em madeira de As Ruínas de Palmira. Mesmo a Grécia foi all-mas-não visitado, um remanso aproximada do Império Otomano, perigoso para explorar, de modo neoclássicos 'valorização da arquitetura grega foi mediada através de desenhos e gravuras, que sutilmente suavizadas e regularizadas, "corrigido" e "restaurado" os monumentos . da Grécia, nem sempre conscientemente Quanto à pintura, pintura grega foi totalmente perdido: pintores neoclássicos imaginativamente reviveu, em parte através de frisos em baixo-relevo, mosaicos e pintura cerâmica e em parte através dos exemplos de pintura e decoração do Alto Renascimento de Raphael 's geração, afrescos de Nero Domus Aurea, Pompéia e Herculano e através renovada admiração de Nicholas Poussin. Much "neoclássico" a pintura é mais classicizing no assunto do que em qualquer outra coisa. Um feroz, mas muitas vezes muito mal informado, disputa durou décadas sobre os méritos relativos de arte grega e romana, com Winckelmann e seu companheiro helenistas geralmente o lado vencedor.
Pintura e gravura
É difícil recapturar a natureza radical e emocionante da pintura neo-clássico cedo para audiências contemporâneas; agora atinge até mesmo aqueles escritores favoravelmente inclinadas a ele como "insípido" e "quase que totalmente desinteressante para nós" -alguns Os comentários de Kenneth Clark sobre Parnassus ambicioso Anton Raphael Mengs 'no Villa Albani, pelo artista que seu amigo Winckelmann descreveu como "o maior artista de sua autoria, e, talvez, de tempos posteriores". Os desenhos, subsequentemente transformado em gravuras, de John Flaxman usado desenho muito simples e figuras principalmente no perfil de retratar A Odyssey e outros assuntos, e uma vez "disparou a juventude artístico da Europa", mas agora são "negligenciadas", enquanto o pinturas da história de Angelika Kaufmann, principalmente retratista, são descritos como tendo "uma suavidade untuoso e tédio" por Fritz Novotny. Frivolidade rococó e barroco movimento tinha sido arrancada, mas muitos artistas se esforçou para colocar qualquer coisa em seu lugar, e na ausência de exemplos antigos de pintura de história, com excepção do Vasos gregos utilizados por Flaxman, Raphael tendiam a ser utilizado como um modelo de substituição, tal como recomendado Winckelmann.
O trabalho de outros artistas, que não poderia facilmente ser descrito como insípidas aspectos, combinados do Romantismo com um estilo neoclássico em geral, e fazem parte da história de ambos os movimentos. O pintor germano-dinamarquesa Asmus Jacob Carstens terminou muito poucas das grandes obras mitológicas que ele planejou, deixando principalmente desenhos e estudos de cor que muitas vezes conseguem se aproximar prescrição de "nobre simplicidade e grandeza calma" de Winckelmann. Ao contrário de regimes não realizados Carstens ', o gravuras de Giovanni Battista Piranesi eram numerosos e rentável, e levado de volta por aqueles que fazem a Grand Tour a todas as partes da Europa. Seu assunto principal era os edifícios e ruínas de Roma, e ele foi mais estimulada pela antiga do que a moderna. A atmosfera um pouco inquietante de muitos de seus Vedute (visitas) torna-se dominante em sua série de 16 gravuras de Carceri d'Invenzione ("Prisões Imaginárias"), cuja "arquitetura ciclópica opressivo" transmite "sonhos de medo e frustração". O Swiss-nascido Johann Heinrich Füssli passou a maior parte de sua carreira na Inglaterra, e enquanto seu estilo fundamentais foi baseada em princípios neoclássicos, seus súditos e tratamento refletido mais frequentemente o "Gothic" estirpe de romantismo , e procurou evocar drama e emoção.
Neoclassicismo na pintura ganhou um novo sentido de direção com o sucesso sensacional de Jacques-Louis David de O Juramento dos Horácios no Salão de Paris de 1785. Apesar de sua evocação de virtudes republicanas, esta era uma comissão pelo governo real, que David insistiu em pintura em Roma. David conseguiu combinar um estilo idealista com drama e contundência. A perspectiva central é perpendicular ao plano de imagem, feita mais categórico pela arcada fraca para trás, contra a qual os dados são dispostos como heróico numa friso, com um toque da iluminação artificial e encenação de ópera , ea coloração clássica de Nicholas Poussin. David tornou-se rapidamente o líder da arte francesa, e depois da Revolução Francesa tornou-se um político com o controle de grande patrocínio do governo no art. Ele conseguiu manter sua influência no napoleônica período, voltando-se para obras francamente propagandísticas, mas teve que deixar a França para o exílio em Bruxelas no Restauração Bourbon.
Muitos estudantes de Davi incluído Jean Auguste Dominique Ingres, que se via como um classicista ao longo de sua longa carreira, apesar de um estilo maduro que tem uma relação ambígua com a corrente principal do Neoclassicismo, e muitos desvios posteriores em Orientalismo ea Estilo trovador que são difíceis de distinguir de os de seus contemporâneos românticos descaradamente, exceto pela primazia suas obras sempre dar ao desenho. Ele expôs no Salão de mais de 60 anos, a partir de 1802 para o início de Impressionismo , mas o seu estilo, uma vez formado, mudou pouco.
Fantasia representação do Appian Way; gravura de Giovanni Battista Piranesi, 1756
Angelica Kauffmann, Venus Induz Helen para se apaixonar por Paris, 1790
Asmus Jacob Carstens, Noite e seus filhos, o sono ea morte, 1794, giz preto no papel, 745 x 985 centímetros
Versão de Ingres do Neoclassicismo, Édipo ea Esfinge de 1808
Escultura
Se a pintura neoclássico sofreu com a falta de modelos antigos, escultura neoclássica tende a sofrer de um excesso deles, embora exemplos de escultura grega real do "período clássico" começo em cerca de 500 aC, em seguida, foram muito poucos; as obras mais conceituadas eram cópias principalmente romanos. Os principais escultores neoclássicos apreciamos grande reputação em seu próprio dia, mas agora são menos considerado, com excepção do Jean-Antoine Houdon, cujo trabalho era principalmente retratos, muitas vezes como bustos, que não sacrificam uma forte impressão de personalidade do retratado ao idealismo. Seu estilo ficou mais clássica como sua longa carreira continuou, e representa uma progressão bastante suave do Rococo charme à dignidade clássica. Ao contrário de alguns escultores neoclássicos ele não insistiu em seus modelos usando um vestido romano, ou estar sem roupa. Ele retratou a maioria das grandes figuras do Iluminismo, e viajou para a América para produzir uma estátua de George Washington, bem como bustos de Thomas Jefferson , Ben Franklin e outros luminares da nova república.
Antonio Canova eo dinamarquês Bertel Thorvaldsen foram ambos com sede em Roma, e, assim como retratos produzidos muitas figuras em tamanho natural, ambicioso e grupos; ambos representados a tendência fortemente idealizando em escultura neoclássica. Canova tem uma leveza e graça, onde Thorvaldsen é mais grave; a diferença é exemplificado em seus respectivos grupos das Três Graças. Todos estes, e Flaxman, ainda estavam ativos na década de 1820, Romantismo e foi lento para impactar escultura, onde as versões do Neoclassicismo manteve o estilo dominante na maior parte do século 19.
Um neoclássico no início de escultura foi o sueco Johan Tobias Sergel ,. John Flaxman era também, ou principalmente, um escultor, principalmente produzindo relevos severamente clássicos que são comparáveis em grande estilo para suas cópias; ele também projetou e modelado cerâmica neoclássicos para Josiah Wedgwood por vários anos. Johann Gottfried Schadow e seu filho Rudolph, um dos poucos escultores neoclássicos morrer jovem, foram os principais artistas alemães, com Franz Anton Zauner na Áustria. O escultor austríaco barroco tardio Franz Xaver Messerschmidt virou-se para Neoclassicismo em meados de carreira, pouco antes de ele parece ter sofrido algum tipo de crise mental, depois que ele retirou-se para o país e dedicou-se aos altamente distintos "cabeças" de figuras de personagens carecas puxando expressões faciais extremas. Como Carceri do Piranesi, estes apreciamos uma grande renascimento do interesse durante a idade de psicanálise no início do século 20. O escultor neoclássico holandês Mathieu Kessels estudou com Thorvaldsen e trabalhou quase exclusivamente em Roma.
Desde antes da década de 1830 os Estados Unidos não têm uma tradição escultura própria, salvo nas áreas de lápides, cata-ventos e figuras de proa do navio, a maneira neoclássico europeu foi adotado ali, e foi para manter o domínio ao longo de décadas e é exemplificado em as esculturas de William Henry Rinehart (1825-1874), Hiram Powers, e Randolph Rogers.
Descansar Faun, 1770, Johan Tobias Sergel
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Voltaire por Jean-Antoine Houdon de 1778, uma das várias versões diferentes.
Monumento a Copernicus por Thorwaldsen, Varsóvia
Le Triomphe de 1810, Jean-Pierre Cortot, a partir da Arco do Triunfo
Hercules e os cavalos de Diomedes, Johann Gottfried Schadow, estudo para o Portão de Brandenbergo arco triunfal
Diskobolos preparam-se para lançar, Mathieu Kessels, Chatsworth House
Um dos "cabeças" de caráter Franz Xaver Messerschmidt
Nydia, Randolph Rogers, 1859
Arquitetura e artes decorativas
Há uma tensão anti-rococó que pode ser detectado em alguns Europeia arquitetura do início do século 18, mais vividamente representados no palladianismo de Georgian Grã-Bretanha e Irlanda , mas também reconhecível em uma veia classicizing de arquitetura em Berlim . É uma arquitetura robusta de auto-contenção, academicamente selectiva agora de "os melhores" modelos romanos.
Neoclassicismo primeiro ganhou influência em Inglaterra e França , através de uma geração de estudantes de arte franceses treinados em Roma e influenciado pelos escritos de Johann Joachim Winckelmann, e foi rapidamente adotada por círculos progressistas na Suécia . Na primeira, classicizantes decoração foi enxertada em formulários europeus familiares, como nos interiores para o amante de Catarina II Conde Orlov, projetado por um arquiteto italiano com uma equipe de stuccadori italiano: apenas os medalhões ovais isoladas como camafeus e do overdoors baixo-relevo dica do neoclassicismo; os móveis são totalmente italiano rococó.
Mas uma segunda onda neoclássico, mais grave, mais estudado (por meio de gravuras) e mais conscientemente arqueológico, está associada com a altura do Império Napoleônico . Na França, a primeira fase do neoclassicismo se expressa no "estilo de Louis XVI", a segunda fase nos estilos que chamamos de "Directoire" ou Império. Itália agarrou-se a Rococo até que os regimes de Napoleão trouxe o novo classicismo arqueológico, que foi abraçado como uma declaração política por jovens, progressivo, italianos urbanas com tendências republicanas.
Nas artes decorativas, o neoclassicismo é exemplificado no Empire móveis feitos em Paris, Londres, Nova York, Berlim; em Biedermeier móveis feitos na Áustria; em Museus de Karl Friedrich Schinkel em Berlim, Sir Banco de John Soane da Inglaterra em Londres e no recém-construído " capitólio "em Washington, DC , e em Wedgwood de relevos de bas e "basaltes negras" vasos. O arquiteto escocês Charles Cameron criou interiores italianizados palacianos para o alemão nascido Catherine II o grande em russo São Petersburgo: o estilo era internacional.
Interior, o neoclassicismo fez uma descoberta do interior verdadeiro clássico, inspirado nos redescobertas em Pompéia e Herculano, que tinha começado no final dos anos 1740, mas só alcançou um grande público na década de 1760, com os primeiros volumes luxuosos de distribuição rigidamente controlada de Le Antichità di Ercolano. As antiguidades de Herculano mostrou que até mesmo os interiores mais classicizantes do barroco , ou a maioria dos quartos "romanos" de William Kent foram baseados em basílica e templo exterior arquitetura, virou fora em: caixilhos das janelas pedimented se transformou em espelhos dourados, lareiras cobertas com frentes do templo, agora todos olhando muito bombástico e absurdo. Os novos interiores procurou recriar um vocabulário autenticamente romana e genuinamente interior, empregando mais planas motivos, mais leves, esculpida em baixo friso-como alívio ou pintado em monotones en camaïeu ("como cameos"), medalhões isoladas ou vasos ou bustos ou bucrania ou outros motivos, suspensa por grinaldas de louro ou fita, com arabescos delgados contra fundos, talvez, de "vermelho Pompeiian" ou matizes pálidas ou cores de pedra. O estilo em França era inicialmente um estilo parisiense, o Goût grec, não um estilo de corte. Somente quando o gordo, jovem rei ascendeu ao trono em 1774 fez sua rainha trazer o estilo "Louis XVI" a corte amorosa moda.
A partir de cerca de 1800 de uma nova vaga de exemplos arquitectónicos gregos, visto por meio de gravuras e gravuras, deu um novo impulso para o neoclassicismo que é chamado de Revival grego. Ao mesmo tempo, o Estilo Império era uma onda mais grandioso do neoclassicismo na arquitetura e as artes decorativas, baseado principalmente em estilos romanos, que se originou no e tomou seu nome da regra de Napoleão I no Primeiro Império Francês, em que se pretendia a idealizar a liderança de Napoleão e do Estado francês. O estilo corresponde aos mais burguesa Estilo Biedermeier nas terras de língua alemã, Estilo Federal nos Estados Unidos, o Estilo de regência na Grã-Bretanha e da Napoleonstil na Suécia. Conforme Hugh Honra, "tão longe de ser, como às vezes se supõe, o ponto culminante do movimento neo-clássico, o Império marca seu rápido declínio e transformação de volta mais uma vez em um mero antigo avivamento, drenado de todas as idéias e força de mente elevada de convicção de que havia inspirado as suas obras-primas ". Uma fase anterior do estilo foi chamado a Estilo de Adam na Grã-Bretanha e "Louis Seize" ou Louis XVI, na França.
Neoclassicismo continuou a ser uma força importante na arte acadêmica ao longo do século 19 e além-a antítese constante ao romantismo ou Revivals- gótico embora a partir do final do século 19 em que muitas vezes tinha sido considerado anti-moderna, ou até mesmo reacionária, em círculos influentes críticos. Por meados do século 19, várias cidades-notadamente europeus St Petersburg e Munique -foram transformado em verdadeiros museus de arquitetura neoclássica.
Arquitetura gótico do renascimento (frequentemente associada com o movimento cultural Romântico), um estilo originário no século 18 que cresceu em popularidade em todo o século 19, contrastou Neoclassicismo. Enquanto Neoclassicismo foi caracterizado por estilos gregos e romanos de influência, linhas geométricas e ordem, arquitetura gótico do renascimento colocado ênfase em edifícios medievais aparência, muitas vezes feito para ter um rústico, "romântico", a aparência.
Gold egg-cup, Paris 1762-1763, na gota Grec (estilo grego)
Tabela de estilo Império
Vaso Wedgwood no estilo do grego Vermelho-figura cerâmica, c. 1815
Império barco molho de estilo, Porcelana de Sèvres, 1809-1810
Neoclassicismo e moda
Na moda, Neoclassicismo influenciou a maior simplicidade de vestidos das mulheres, ea moda de longa duração para o branco, de bem antes da Revolução Francesa, mas não foi até depois que as tentativas exaustivas curso para imitar estilos antigos se tornou moda na França, pelo menos para as mulheres. Trajes clássicos longa tinha sido usado por senhoras elegantes que levantam "como" alguma figura do mito grego ou romano em um retrato (em particular, houve uma erupção de tais retratos do "modelo" jovem Emma, senhora Hamilton a partir da década de 1780), mas tais trajes só foram usados para o assento do retrato e bailes de máscaras até que o período revolucionário, e, talvez, como outros estilos exóticos, como despir-se em casa. Mas os estilos usados em retratos por Juliette Récamier, Joséphine de Beauharnais, Theresa Tallien e outros criadores de tendências parisienses foram para ir-out em público também. Vendo Mme Tallien na ópera, Talleyrand brincou que: "Il n'est pas possível de s'exposer mais somptueusement!" ("One não podia ser mais sumptously despido"). Em 1788, pouco antes da Revolução, o retratista tribunal Louise Élisabeth Vigée Le Brun tinham realizou uma "ceia grego", onde as senhoras usavam túnicas brancas simples "Greek". Mais curtos penteados clássicos, sempre que possível com as ondas, foram menos controversa e amplamente adotado, e cabelo agora foi descoberto mesmo ao ar livre; exceto para o vestido de noite capotas ou outros revestimentos tinham sido tipicamente usado mesmo dentro de casa antes. Fitas de estilo grego finos ou filés foram usadas para amarrar ou decorar o cabelo em seu lugar.
Vestidos muito leves e soltas, geralmente brancas e muitas vezes com os braços nus chocante, rosa pura desde o tornozelo até um pouco abaixo do corpete, onde havia uma bainha fina fortemente enfatizada ou amarrar em volta do corpo, muitas vezes em uma cor diferente. A forma é agora muitas vezes conhecido como o Silhueta Império embora anterior à Primeiro Império Francês de Napoleão, mas seu primeiro Imperatriz Josefina de Beauharnais era influente na sua divulgação em toda a Europa. Um xale ou envoltório retangular longa, muitas vezes simples vermelho, mas com uma borda decorada em retratos, ajudou em um tempo mais frio, e aparentemente foi colocado ao redor da barriga quando sentado - para o qual alastrando posturas semi-reclinada foram favorecidos. Até o início do século 19, esses estilos se espalhou amplamente em toda a Europa.
Moda neoclássica para os homens era muito mais problemático, e nunca realmente decolou com excepção para o cabelo, onde ele desempenhou um papel importante nos estilos mais curtos que finalmente expedidas a partir do uso de perucas, e, em seguida, hair-pó branco, para homens mais jovens. A calça tinha sido o símbolo do bárbaro para os gregos e romanos, mas fora do pintor de ou, especialmente, do estúdio do escultor, alguns homens estavam dispostos a abandoná-la. Na verdade, o período viu o triunfo da calça puro, ou pantaloon, ao longo dos cullottes ou calções até aos joelhos do Ancien Regime. Mesmo quando David projetou um novo francês "traje nacional", a pedido do governo durante o auge do entusiasmo revolucionário para mudar tudo em 1792, incluiu leggings bastante apertados sob um casaco que parou acima do joelho. Uma alta proporção de bem-fazer jovens passaram a maior parte do período-chave no serviço militar por causa da Guerras revolucionárias francesas e uniforme militar, que começou a enfatizar casacos que eram curta à frente, dando uma visão completa de calças apertadas, foi muitas vezes usado quando não estiver de plantão, e influenciou estilos masculinos cilivian.
A calça problema tinha sido reconhecido por artistas como uma barreira para a criação contemporânea pinturas de história; como outros elementos do vestido contemporâneo eles eram vistos como irremediavelmente feio e pouco heróica por muitos artistas e críticos. Vários estratagemas foram usadas para evitar que descreve-los em cenas modernas. Em James Dawkins e Robert Wood Descobrindo as Ruínas de Palmyra (1758) por Gavin Hamilton, os dois antiquaries Cavalheiro estão apresentados vestes árabes toga-like. Em Watson eo tubarão (1778) por John Singleton Copley, a figura principal poderia ser plausivelmente mostrado nu, e a composição é tal que um dos outros oito homens mostrado, apenas um mostra um único breeched perna proeminente. No entanto, a Copley e americanos Benjamin ocidental levou os artistas que mostraram com sucesso que calças poderia ser usado em cenas heróicas, com obras como West de A morte do general Wolfe (1770) e do Copley A morte de Peirson principal, 06 de janeiro de 1781 (1783), embora as calças ainda estava a ser cuidadosamente evitada em A jangada do Medusa, concluído em 1819.
Classicamente inspirados estilos de cabelo masculinos incluiu a Bedford Colheita, sem dúvida, o precursor da maioria dos estilos macho moderno planície, que foi inventado pelo político radical Francis Russell, 5 ° Duque de Bedford como um protesto contra um imposto sobre o pó de cabelo; ele incentivou seus frends a adotá-lo, apostando-lhes que não o faria. Outro estilo influente (ou grupo de estilos) foi nomeado pelos franceses após o imperador romano Titus, de seus bustos, com cabelo curto e em camadas, mas um pouco amontoados na coroa, muitas vezes com quiffs contidos ou bloqueios que penduram para baixo; variantes são familiares a partir do cabelo de ambos Napoleão e George IV de Inglaterra . O estilo era suposto ter sido introduzida pelo ator François-Joseph Talma, que ofuscou seus peruca co-atores, aparecendo em produções de obras como Voltaire Brutus 's. Em 1799 uma revista de moda em Paris informou que mesmo os homens carecas estavam adotando perucas Titus, eo estilo também foi usado por mulheres, as Journal de Paris, em 1802, relatando que "mais de metade das mulheres elegantes usavam o cabelo ou peruca à la Titus.
James Dawkins e Robert Wood Descobrindo as Ruínas de Palmyra, por Gavin Hamilton (1758)
Madame de Raymond Verninac Jacques-Louis David, com roupas e cadeira em Estilo Directoire. "Year 7", que é 1798-1799.
Retrato de Madame Récamier, David, 1800
Princesa Elizabeth Alexeievna (Louise de Baden), em 1802
Francis Russell, 5 ° Duque de Bedford em um Bedford Colheita
Mais tarde, "Neoclassicisms"
Na arquitetura americana, o neoclassicismo foi uma expressão da Movimento renascentista americano, ca 1890-1917; a sua última manifestação foi em Beaux-Arts, e suas últimas, grandes projetos públicos foram o Lincoln Memorial (muito criticado na época), The National Gallery em Washington, DC (também fortemente criticado pela comunidade arquitetônica como sendo para trás pensando e à moda antiga em seu projeto), ea Museu Americano de Roosevelt Memorial de História Natural. Estes eram elefantes brancos quando eles foram construídos. No Raj britânico, Sir Monumental Edwin Lutyens urbanismo 'para Nova Deli marca o por do sol glorioso do neoclassicismo. II Guerra Mundial foi para quebrar mais anseio por - e imitação de - míticos, tempos heróicos.
Conservador arquitetos modernistas, como Charles Perret em França manteve os ritmos e espaçamento de arquitetura colunar, mesmo em edifícios da fábrica. Onde um colunata teria sido acusado de "reacionário", um edifício de pilastra-like painéis caneladas sob uma repetição friso parecia "progressista". Pablo Picasso experimentou com motivos classicizantes nos anos imediatamente seguintes a Primeira Guerra Mundial , eo Estilo Art Deco que veio à tona após a Exposição de Paris de 1925 des Arts Décoratifs, muitas vezes se baseou em motivos neoclássicos sem expressá-los abertamente: grave, blocos commodes por EJ Ruhlmann ou Sue et Mare; batata frita, extremamente baixo-relevo frisos de donzelas e gazelas em todos os meios; vestidos da moda que foram drapeados ou cortadas em viés para recriar linhas gregas; a arte de dança Isadora Duncan; o Dinamize Moderne styling de US correios e edifícios do tribunal do condado construídas tão tarde quanto 1950; e o Roosevelt centavo.
Havia todo um movimento do século 20 nas Artes, que também foi chamado Neo-classicismo. Ele abrangeu pelo menos música, filosofia e literatura. Foi entre o fim da Primeira Guerra Mundial eo fim da Segunda Guerra Mundial . Para obter informações sobre os aspectos musicais, ver 20o século música clássica e Neoclassicismo (música). Para obter informações sobre os aspectos filosóficos, consulte Grandes Livros.
Este movimento neo-clássico literário rejeitou o romantismo extremo de (por exemplo) dada , em favor da contenção, religião (especificamente o cristianismo) e um programa político reacionário. Embora as fundações para este movimento em Inglês literatura foram estabelecidas por TE Hulme, os neoclássicos mais famosos eram TS Eliot e Wyndham Lewis. Em Rússia , o movimento cristalizado tão cedo como 1910 sob o nome de Acmeism, com Anna Akhmatova e Osip Mandelshtam como os principais representantes.
Na música
Neoclassicismo em música é um movimento do século 20; neste caso, é a música clássica da tarde 18 e início do século 19 que está sendo revivido, não a música do mundo antigo. Foi, finalmente, uma resposta ao alemão Modernismo na primeira parte do século 20. Foi um anti-progresso, anti-industrial e estilo musical anti-inovador. Isto foi inspirado por compositores, alegando que a humanidade é inerentemente "diatônico" e "tonal"; o oposto de influências e composições musicais de ultra-modernista da época. Compositores começaram a olhar para trás para influências musicais históricos. Embora a prática de tomar emprestado estilos musicais do passado não tem sido incomum ao longo da história musical, músicas arte passaram por períodos em que músicos utilizadas técnicas modernas, juntamente com formas mais antigas ou harmonias para criar novos tipos de obras. Características de composição são notáveis, o regresso à tonalidade, o retorno a formas convencionais (suites de dança, concertos grossi, formulários sonata evidentes, etc.), voltar à idéia da música absoluta, o uso de texturas musicais de luz, ea concisão de compositores musical expressão. Na música clássica, este foi mais notavelmente praticado entre os anos 1920 e 1950. Igor Stravinsky é o compositor mais conhecido usando este estilo; ele começou efetivamente a revolução musical com seu Bach-like Octeto de Instrumentos de Sopro (1923). Uma obra indivíduo em particular que representa esse estilo é bem Prokofiev Sinfonia Clássica No. 1 em D, que é uma reminiscência do estilo sinfônico de Haydn ou Mozart . Balé neoclássico vem do mesmo período, e teve como objetivo desatravancar o estilo imperial russo em termos de passos e narrativa, mantendo suas inovações técnicas.
Arquitetura na Rússia e na União Soviética
Em 1905-1914 arquitetura russa passou por uma breve mas influente período de renascimento neoclássico; a tendência começou com recriação do Império estilo de período alexandrino e rapidamente expandiu-se em uma variedade de neo- renascentista , palladian escolas e modernizado, mas reconhecidamente clássicas. Eles eram liderados por arquitetos nascidos em 1870, que atingiram o pico criativo antes da Primeira Guerra Mundial como Ivan Fomin, Vladimir Shchuko, Ivan Zholtovsky. Quando a economia se recuperou em 1920, esses arquitetos e seus seguidores continuou trabalhando em principalmente ambiente modernista; alguns (Zholtovsky) seguido estritamente o cânone clássico, outros (Fomin, Schuko, Ilya Golosov) desenvolveram seus próprios estilos modernizados.
Com a repressão sobre a independência dos arquitetos e negação oficial do modernismo (1932), demonstrada pelo concurso internacional para o Palácio dos Sovietes, o neoclassicismo foi imediatamente promovido como uma das opções em arquitetura stalinista, embora não seja o único. Conviveu com a arquitetura modernista moderada de Boris Iofan, na fronteira com a contemporânea Art Deco (Schuko); novamente, os exemplos mais puros do estilo foram produzidos pela escola Zholtovsky que permaneceu como um fenômeno isolado. A intervenção política foi um desastre para os líderes construtivistas ainda estava sinceramente bem-vindos pelos arquitetos das escolas clássicas.
Neoclassicismo foi uma escolha fácil para a URSS, uma vez que não teve em conta as tecnologias de construção modernos ( estrutura de aço ou concreto armado) e poderia ser reproduzida em tradicionais alvenaria. Assim, os projetos de Zholtovsky, Fomin e outros mestres antigos eram facilmente replicadas em cidades remotas sob material de estrita racionamento. Melhoria da tecnologia de construção após a Segunda Guerra Mundial permitiu arquitetos stalinistas para se aventurar na construção arranha-céu, embora estilisticamente esses arranha-céus (incluindo arquitectura "exportados" de Palácio da Cultura e Ciência, Varsóvia e do Shanghai International Convention Centre) compartilham pouco com os modelos clássicos. Neoclassicismo e neo-renascentista persistiu em menos exigentes projetos residenciais e comerciais até 1955, quando Nikita Khrushchev pôr fim a arquitetura stalinista caro.
Arquitetura no século 21
Depois de um período de calma durante o período de domínio arquitectónico moderno (aproximadamente II Guerra Mundial até pós-meados de 1980), o neoclassicismo tem visto um pouco de um ressurgimento. No Estados Unidos alguns edifícios públicos são construídos em estilo neoclássico como de pelo menos 2006, com a conclusão do Symphony Center Schermerhorn em Nashville .
Na Grã-Bretanha uma série de arquitetos estão ativos em estilo neoclássico. Exemplos de seu trabalho incluem duas bibliotecas universitárias: Maitland Robinson biblioteca de Quinlan Terry em Downing College e Robert Adam Architects ' Biblioteca Sackler. A maioria dos novos edifícios neoclássicos na Grã-Bretanha são casas particulares.
Como da primeira década do século 21, a arquitetura neoclássica é geralmente classificados sob o termo genérico de "arquitectura tradicional". Além disso, um número de peças de arquitetura pós-moderna inspirar-se e incluem explícitas referências ao neoclassicismo, o Teatro Nacional da Catalunha, em Barcelona entre eles. Gosto arquitectónico pós-moderna inclui, de facto, elementos históricos, como a coluna, o capital ou tímpano. Dois dos mais "clássicos" são conseqüências pós-modernismo arquitetura neo-eclética e arquitetura neo-historicista.
