Historia de la pintura
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La historia de la pintura se remonta en el tiempo a los artefactos de los humanos prehistóricos, y se extiende por todas las culturas, que representa un continuo, aunque interrumpida, la tradición de la Antigüedad. En todas las culturas, y que abarca continentes y milenios, la historia de la pintura es un río continuo de creatividad, que continúa en el siglo 21. Hasta principios del siglo 20 que se basó principalmente en representacional, religiosa y motivos clásicos, después de cuyo tiempo más puramente abstracto y enfoques conceptuales ganaron favor.
Los avances en este pintando históricamente paralelo ésos en la pintura occidental , adentro general, algunos siglos anterior. El arte africano, Arte islámico, Arte indio, El arte chino, y Arte japonés cada uno tenía influencia significativa en arte occidental, y, eventual, viceversa.
Artículos recomendados: Pintura occidental del siglo 20, la pintura occidental , Pintura , Esquema de la historia de la pintura.
Pre-historia
Las más viejas pinturas sabidas están en el Grotte Chauvet en Francia, demandada por algunos historiadores para ser cerca de 32.000 años. Se graban y se pintan usando ocre rojo y negro caballos de pigmento y la demostración, el rinoceronte, los leones, el búfalo, el mamut oa los seres humanos cazando a menudo. Hay ejemplos de pinturas de cuevas por todo Francia, India, España, Portugal, China, Australia, etc Varias conjeturas se han hecho en cuanto al significado de estas pinturas tuvieron que las personas que los realizan en el mundo. Los hombres prehistóricos pudieron haber pintado animales para "atrapar" su alma o espíritu con el fin de cazar con mayor facilidad o las pinturas puede representar una visión animista y homenaje a los alrededores la naturaleza , o pueden ser el resultado de una necesidad básica de expresión que es innata de los seres humanos, o que podrían haber sido para la transmisión de información práctica.
Los refugios de Bhimbetka, pintura de la roca, edad de piedra , la India
Lascaux, Caballo
Eland, pintura rupestre, Drakensberg , Sudáfrica
Lascaux, Toros y Caballos
Pinturas rupestres españolas de Toros
Petroglifos, de Suecia, Edad de Bronce nórdica (pintado)
Pictogramas de la Gran Galería, Parque Nacional Canyonlands, Horseshoe Canyon, Utah, c. 1500 BCE
Cueva de las Manos (Español de la Cueva de las Manos) en la provincia de Santa Cruz, en Argentina, c.550 AC
En Paleolítico, la representación de los seres humanos en las pinturas rupestres era raro. En su mayoría, los animales fueron pintados, no sólo los animales que fueron utilizados como animales de consumo, sino también que representaban la fuerza como el rinoceronte o grande Felidae, como en el Cueva de Chauvet. Signos como puntos a veces se dibujan. Representaciones humanas poco comunes incluyen huellas de manos y mitad humano / figuras de animales. La cueva de Chauvet en el Ardèche Departamentos de Francia contiene las más importantes pinturas rupestres conservadas de la época paleolítica, pintado alrededor de 31.000 antes de Cristo. La Pinturas rupestres de Altamira en España se realizaron 14.000 a 12.000 antes de Cristo y el espectáculo, entre otros, los bisontes . La sala de los toros en Lascaux, Dordogne, Francia, es una de las pinturas rupestres más conocidos de aproximadamente 15.000 a 10.000 antes de Cristo.
Si hay un significado a las pinturas, sigue siendo desconocido. Las cuevas no estaban en una zona habitada, por lo que podrían haber sido utilizados para los rituales estacionales. Los animales se acompañan de signos que sugieren un posible uso de la magia. Símbolos Arrow-como en Lascaux a veces se interpreta como calendario o uso almanaque. Pero la evidencia no es concluyente. La obra más importante de la Mesolítico eran los guerreros que marchan, una pintura rupestre en el Cingle de la Mola, Castellón, España data de aproximadamente 7000 a 4000 antes de Cristo. La técnica utilizada fue probablemente escupir o sonarse los pigmentos en la roca. Las pinturas son bastante naturalista, aunque estilizada. Las figuras no están en tres dimensiones, a pesar de que se superponen
Las pinturas indias más antiguas conocidas (véase la sección siguiente) fueron las pinturas rupestres de la prehistoria, la petroglifos que se encuentran en lugares como el Los refugios de Bhimbetka, (véase más arriba) y algunos de ellos son mayores de 5500 antes de Cristo. Tales obras continuaron y después de varios milenios, en el siglo séptimo, pilares de tallado Ajanta, El estado de Maharashtra presente un buen ejemplo de pinturas indias y los colores, sobre todo varios tonos de rojo y naranja, se deriva de los minerales.
Pintura del Este
La historia de la pintura oriental incluye una amplia gama de influencias de diferentes culturas y religiones. Los avances en Este pintando históricamente paralelo ésos en la pintura occidental , generalmente algunos siglos anteriores. El arte africano, Arte islámico, Arte indio, Arte de Corea, El arte chino, y Arte japonés cada uno tenía influencia significativa en arte occidental, y, viceversa.
La pintura china es una de las tradiciones artísticas continua más antiguas del mundo. Las primeras pinturas no eran de representación, pero ornamentales; que consistieron en patrones o diseños en lugar de imágenes. La cerámica temprana fue pintada con espirales, zigzags, puntos, o animales. Fue sólo durante el Época de Guerras (403-221 aC) que los artistas empezaron a representar el mundo que les rodea. Pintura japonesa es una de las más antiguas y altamente refinado de la Artes japonesas, que abarca una amplia variedad de géneros y estilos. La historia de la pintura japonesa es una larga historia de la síntesis y la competencia entre los nativos Estética japonesa y la adaptación de las ideas importadas. La historia de Pintura coreana se fecha a aproximadamente 108 CE, cuando aparece por primera vez como una forma independiente. Entre ese momento y las pinturas y frescos que aparecen en la Tumbas de la dinastía Goryeo, ha habido poca investigación. Basta con decir que hasta el Dinastía Joseon la influencia principal fue la china pintura aunque hecho con paisajes coreanos, rasgos faciales, temas budistas, y un énfasis en la observación celeste en consonancia con el rápido desarrollo de la astronomía coreana.
Pintura de Asia Oriental
Pinturas sobre baldosas de espíritus guardianes pusieron en Ropas chinas, de la Dinastía Han (202 aC - 220 dC)
Luoshenfu, por Gu Kaizhi (344-406 dC), chino
Emperador Sun Quan en los trece emperadores de desplazamiento y Qi del Norte Scholars cotejo de textos clásicos, por Yan Liben (c. 600-673 dC), chino
Ochenta y Siete Celestiales, por Wu Daozi (685-758), chino
Retrato de Noche-blanco brillo, por Han Gan, siglo octavo, chino
Spring Outing de la Corte Tang, por Zhang Xuan, siglo octavo, chino
Paraíso del Buda Amitabha, siglo octavo, chino
Señoras fabricación de la seda, un remake de un original del siglo octavo por Zhang Xuan por Song Huizong, a principios del siglo 12, China
Un sutra ilustrado de la Período Nara, siglo octavo, japonés
Damas Jugar Doble Seis, por Zhou Colmillo (730-800 dC), chino
Conciertos de jardin, siglo 10, China
El Xiao y Xiang Rivers, por Dong Yuan (c. 934-962 dC), chino
Retrato Tribunal de Song Shenzong (r. 1067-1085), chino
Faisán de oro y Cotton Rose, por Song Huizong (AD r.1100-1126), chino
Escuchando el Guqin, por Song Huizong (1100-1126 dC), chino
Niños que juegan, por Su Han Chen, c. 1150, chino
Chino artista, anónimo del siglo 12 dinastía Song
Retrato de la Zen budista Wuzhun Shifan, 1238 AD, chino
Ma Lin, 1246 AD, chino
Un hombre y su caballo en el viento, por Zhao Mengfu (1254-1322 dC), chino
Shukei-sansui (Paisaje de otoño), Sesshu Toyo, (1420-1506), japonés
Kano Masanobu, fundador del siglo 15 de la Escuela Kano, Zhou Maoshu apreciando lotos, japonés
Un vestido de blanco Kannon, Bodhisattva de la compasión, por Kano Motonobu (1476-1559), japonés
Yi Ahm (1499-?), Madre del perro, del siglo 15, Museo Nacional de Corea
Tang Yin, un pescador en otoño, (1523), chino
Barcos Nanban llegan para el comercio de Japón, siglo 16, japonesa
Una pintura de pantalla que representa la gente que juega Go , por Kano Eitoku (1543-1590), japonés
Los árboles de pino, de seis caras pantalla, por Hasegawa Tohaku (1539-1610), japonés
Noche Revels, una dinastía Song remake de un original del siglo décimo por Gu Hongzhong.
Pergamino de la caligrafía Bodhidharma, "puntos Zen directamente al corazón humano, ver en su naturaleza y convertirse en Buda", Hakuin Ekaku (1686-1769), japonés
Colgando de desplazamiento 1672, Kano Tanyu, (1602-1674), japonés
Peonías, por Yun Shouping (1633-1690), chino
Genji Monogatari, por Tosa Mitsuoki (1617-1691), japonés
Vista de Geumgang, Jeong Seon (1676-1759), 1734, coreano
Ike no Taiga, (1723-1776), pescado en primavera, japonesa
Escuela Maruyama, pino, bambú, Ciruela, pantalla de seis veces, Maruyama Ōkyo (1733-1795), japonés
Un gato y un Butterly, Kim Hong-do (1745-?), Del siglo 18, coreano
Un paseo en barco, Shin Yun-bok (1758-?), 1805, coreano
Escuela Rimpa, "Flores de otoño y de la Luna", Sakai Hoitsu, (1761-1828), japonés
Un tanuki (perro mapache) como una tetera, por Katsushika Hokusai (1760-1849), japonés
Una casa entre los albaricoqueros, Jo Hee-Ryong (1797-1859), Corea
Katsushika Hokusai , El Dragón de Escapar de Monte Fuji, Japón Humo
Miyagawa Isshō, sin título Ukiyo-e pintura, japonés
Tomioka Tessai, (1837-1924), Estilo Nihonga, Bailar Dos divinidades, 1924, japonés
China, Japón y Corea tienen una fuerte tradición en la pintura, que también está muy unida al arte de la caligrafía y grabado (tanto que se ve comúnmente como la pintura). Lejos pintura tradicional oriental se caracteriza por técnicas a base de agua, menos realismo, "elegante" y temas estilizados, método gráfico para la representación, la importancia de espacio en blanco (o espacio negativo) y una preferencia por el paisaje (en lugar de la figura humana) como sujeto. Más allá de la tinta y el color en rollos de seda o de papel, en el oro laca era también un medio común en ilustraciones pintadas de Asia Oriental. Aunque la seda era un medio poco caro para pintar sobre en el pasado, la invención de la papel durante el siglo 1 dC por el eunuco corte Han Cai Lun proporciona no sólo un medio barato y generalizado para la escritura, sino también un medio barato y generalizado para la pintura (por lo que es más accesible al público).
Las ideologías del confucianismo , el taoísmo y el budismo desempeñaron un papel importante en el arte de Asia Oriental. Medievales dinastias Canción como Lin Tinggui y su Lavado Luohan (Alojado en el Smithsonian Galería de Arte Freer) del siglo 12 son excelentes ejemplos de las ideas budistas fusionados en obra clásica china. En la última pintura de seda en (imagen y la descripción proporcionada en el enlace), budista calvo Luohan se representan en un entorno práctico de lavar la ropa por un río. Sin embargo, la propia pintura es visualmente impresionante, con el Luohan retratado con gran detalle y colores brillantes, opacos, en contraste con una nebulosa, marrón, y el entorno boscoso soso. Además, las copas de los árboles están envueltos en remolinos de niebla, proporcionando el "espacio negativo" común mencionado anteriormente en Arte de Asia Oriental.
En Japonismo, artistas finales del siglo 19, como los impresionistas , Van Gogh , Henri de Toulouse-Lautrec y Whistler admiraba tradicional japonesa Ukiyo-e artistas como Hokusai y Hiroshige y su trabajo fue influenciado por él.
Pintura china
Los (supervivientes) ejemplos más tempranos de chinos pintados fecha obra a la Época de Guerras (481-221 aC), con pinturas en murales de seda o la tumba en la roca, ladrillo o piedra. A menudo eran en formato estilizado simplista y en los patrones geométricos más o menos rudimentarios. Ellos representan a menudo criaturas mitológicas, escenas domésticas, escenas de trabajo, o escenas palaciegas llenos de funcionarios en la corte. Obra de arte durante este período y la posterior dinastía Qin (221-207 aC) y Dinastía Han (202 aC - 220 dC) se hizo no como un medio en sí mismo o por una mayor expresión personal. Más bien ilustraciones fueron creadas para simbolizar y los derechos funerarios de honor, representaciones de deidades mitológicas o espíritus de los antepasados, etc. Las pinturas en seda de los funcionarios judiciales y escenas domésticas se puede conocer durante la dinastía Han, junto con escenas de caza de hombres a caballo o participar en desfile militar. También pintaba en obras tridimensionales de arte en figuras y estatuas, como los colores originales pintadas que cubren los soldados y caballos estatuas de la Ejército de Terracota. Durante el clima social y cultural de la antigua Dinastía Jin del Este (316-420 dC), con sede en Nanjing en el sur, la pintura se convirtió en uno de los pasatiempos oficiales de Confucio funcionarios burocráticos y -taught aristócratas (junto con la música interpretada por el guqin cítara, la escritura caprichosa caligrafía y escritura y recitación de poesía ). Pintura se convirtió en una forma común de la expresión artística, y durante este período fueron juzgados los pintores de la corte o entre circuitos sociales de élite y calificada por sus pares.
El establecimiento de la pintura de paisaje chino clásico está acreditado en gran parte a la Artista dinastía Jin del Este Gu Kaizhi (344-406 dC), uno de los artistas más famosos de la historia de China. Al igual que las escenas de desplazamiento alargadas de Kaizhi, dinastía Tang (618-907 dC), los artistas chinos como Wu Daozi pintado vívido y muy detallada obras de arte en handscrolls largas horizontales (que eran muy populares durante la dinastía Tang), como sus ochenta y siete personas celestes. Ilustraciones pintadas durante el período Tang se refería a los efectos de un entorno paisaje idealizado, con escasa cantidad de objetos, personas o actividad, así como monocromática en la naturaleza (ejemplo: los murales de la tumba de Precio Yide en el Mausoleo Qianling). También hubo figuras como principios pintor Tang-era Zhan Ziqian, que pintó magníficas pinturas de paisajes que estaban muy por delante de su tiempo en la representación de realismo. Sin embargo, el arte del paisaje no alcanzó mayor nivel de madurez y realismo en general hasta el Cinco Dinastías (907-960 dC). Durante este tiempo, había pintores excepcionales del paisaje como Dong Yuan (consulte este artículo para obtener un ejemplo de su obra), y los que pintó retratos más vivos y realistas de escenas domésticas, como Gu Hongzhong y sus Revels Noche de Han Xizai.
Durante el chino dinastía Song (960 - 1279 dC), no sólo el arte del paisaje fue mejorado, pero la pintura del retrato se hizo más estandarizada y sofisticado que antes (por ejemplo, se refieren a Song Huizong), y alcanzó su madurez edad clásica durante la dinastía Ming (1368 - 1644 dC). A finales del siglo 13 y la primera mitad del siglo 14, el chino bajo la Mongol controlado dinastía Yuan no se les permitió entrar más altos puestos de gobierno (reservado a los mongoles y otros grupos étnicos de Asia Central), y el Examen Imperial fue cesado por el momento. Muchos chinos-confucianos educado que ahora carecía profesión se dirigió a las artes de la pintura y el teatro en su lugar, como el período Yuan se convirtió en una de las épocas más vibrantes y abundantes de obra china. Un ejemplo de este tipo sería Qian Xuan (1235-1305 dC), quien era un funcionario de la dinastía Song, pero por patriotismo, se negó a servir a la corte Yuan y se dedicó a la pintura. Los ejemplos de arte magnífica de este período incluyen los murales ricos y detallados pintadas del Palacio Yongle O "Dachunyang Longevidad Palace", de 1262 dC, un UNESCO Patrimonio de la Humanidad. Dentro del palacio, pinturas cubren un área de más de 1.000 metros cuadrados, y tienen en su mayoría temas taoístas. Fue durante la dinastía Song que los pintores también se reunían en clubes sociales o reuniones para hablar de su arte o la obra de los demás, la alabanza del cual condujo a menudo a las tendencias del comercio y venta de obras de arte preciosas. Sin embargo, también hubo muchos críticos severos de los demás de arte, así, que muestra la diferencia de estilo y sabor entre los diferentes pintores. En 1088 AD, el científico erudito y estadista Shen Kuo escribió una vez de la obra de uno Li Cheng, quien criticó la forma siguiente:
| " | ... Luego hubo Li Cheng, que cuando él representó pabellones y casas de campo en medio de montañas, edificios de estructura estratificada, pagodas y similares, siempre se utiliza para pintar el aleros como se ve desde abajo. Su idea era que "uno debe mirar hacia arriba desde la parte inferior, así como un hombre de pie en la tierra llana y buscar en los aleros de una pagoda puede ver sus vigas y sus vigas de aleros en voladizo. Esto es un error. En general, la forma correcta de pintar un paisaje es ver al pequeño desde el punto de vista de la gran ... al igual que uno mira a las montañas artificiales en los jardines (como uno camina alrededor). Si uno aplica (método de Li) a la pintura de verdaderas montañas, mirando desde abajo, sólo se puede ver un perfil a la vez, y no la riqueza de sus laderas multitudinarios y perfiles, por no decir nada de todo lo que está pasando en los valles y cañones, y en los carriles y patios con sus viviendas y casas. Si nos mantenemos al este de la montaña sus partes occidentales estarían en el límite de fuga de la distancia lejana, y viceversa. Sin duda, esto no podría ser llamado una pintura exitoso? El Sr. Li no entendió el principio de "ver la pequeña desde el punto de vista de la gran '. Ciertamente era maravilloso a disminuir con precisión alturas y distancias, pero debe adjuntar una tal importancia para los ángulos y esquinas de los edificios? | " |
Aunque alto grado de estilización, el atractivo místico, y la elegancia surrealista se prefiere a menudo sobre el realismo (como en shan shui estilo), a partir de la dinastía Song medieval había muchos pintores chinos entonces y después que representaban escenas de la naturaleza que estaban vívidamente real. Más tarde los artistas de la dinastía Ming tomarían después de este énfasis dinastía Song de intrincados detalles y el realismo en los objetos de la naturaleza, especialmente en las representaciones de animales (como los patos, cisnes, gorriones, tigres, etc.) entre los parches de flores de colores brillantes y matorrales de cepillo y madera (un buen ejemplo sería los pájaros pintura de la dinastía Ming en el anonimato y del ciruelo , Ubicado en la Freer Gallery del Museo Smithsonian en Washington, DC). Había muchos renombrados artistas de la dinastía Ming; Qiu Ying es un excelente ejemplo de un pintor primordial era Ming (famoso incluso en su día), utilizando en sus escenas domésticas de las ilustraciones, bulliciosas escenas palaciegas, y escenas de la naturaleza de los valles de los ríos y las montañas empapadas envueltos en niebla y nubes arremolinadas. Durante la dinastía Ming también eran diferentes y que rivaliza con las escuelas de arte asociadas a la pintura, como el Escuela y el Wu Escuela Zhe.
Pintura clásica china continuó hasta principios del moderno Dinastía Qing , con pinturas del retrato muy realistas, como se ve en la dinastía Ming a finales del siglo 17. Los retratos de Emperador Kangxi, Emperador Yung-cheng, y Emperador Qianlong son excelentes ejemplos de la pintura realista retrato chino. Durante el período del reinado de Qianlong y la continua siglo 19, Europa del Barroco estilos de pintura tenían influencia notable en retratos pintados chinos, especialmente con efectos visuales pintadas de iluminación y sombreado. Del mismo modo, las pinturas de Asia oriental y otras obras de arte (como porcelana y laca) eran muy apreciados en Europa desde el contacto inicial en el siglo 16.
Pintura japonesa
Pintura japonesa (絵 画) es uno de los más antiguos y altamente refinado de las artes japonesas, que abarca una amplia variedad de géneros y estilos. Al igual que con la historia de las artes japonesas en general, la pintura japonesa historia es una larga historia de la síntesis y la competencia entre los japoneses nativos estética y la adaptación de las ideas importadas. Ukiyo-e, "pinturas del mundo flotante", es un género de la japonesa grabados en madera (o xilografías) y pinturas producidas entre los siglos 20, 17 y ofreciendo adornos de paisajes, el teatro y cuartos del placer. Es el género artístico principal de impresión del woodblock en Japón. El grabado japonés sobre todo desde el Período Edo ejerció una enorme influencia en la pintura occidental en Francia durante el siglo 19.
Pintura del Asia Meridional
Un grupo de mujeres de la India del sur, Hindupur, c. 1540.
Krishna abraza gopis, Gita-Govinda-manuscrito, 1760-1765.
Flotante Dancing figuras, un mural de c. 850.
Wild Pig Hunt, c. 1540.
Chand Bibi Hawking, el estilo de Deccan, siglo 18
Una señora que escucha la música, c. 1750.
Rasamañjarî manuscrito del Bhânudatta (tratado erótico), 1720.
Fragmento Mural de una señora con un parasol, c. 700.
Pintura Bahsoli de Radha y Krishna en Discusión, c. 1730.
Pintura Bahsoli de Maharaja Sital Dev de Mankot en devoción, c. 1690.
Retrato de Ibrahim Adil Shah II (1580-1626) de Bijapur, 1615.
El Trono de la Riqueza, Nujum-al- 'ulum-manuscrito, 1570.
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Elefante y su cachorro fuera de la cuadra de la mogol gobernante, del siglo 17.
Mihrdukht dispara una flecha a través de un anillo, 1564-1579.
Retrato de la Govardhân Chand, Estilo Punjab, c. 1750.
Ravana mata Jathayu; la Sita cautivo desespera.
Akbar y Tansen Visita Haridas en Vrindavan, Estilo de Rajastán, c. 1750.
Un hombre con los niños, Estilo Punjab, 1760.
Radha Krishna arresta, Estilo Punjab, 1770.
Rama y Sita en el bosque, Estilo Punjab, 1780.
Pintura india
Pinturas indias históricamente giraban en torno a las deidades religiosas y reyes. Arte indio es un término colectivo para diferentes escuelas de arte que existían en el Subcontinente indio. Las pinturas variaron de grandes frescos de Ajanta a la intrincada Pinturas en miniatura de Mughal a las obras de metal adornado de la Escuela Tanjore. Las pinturas de la Gandhar- Taxila se ven influidos por la Persa trabaja en el oeste. El estilo oriental de la pintura se desarrolló principalmente en torno a la Escuela Nalanda de arte. Las obras están inspiradas en su mayoría por varias escenas de la mitología india .
Historia
Las pinturas indias más tempranas eran las pinturas rupestres de la prehistoria, la petroglifos que se encuentran en lugares como el Roca refugios de Bhimbetka, y algunos de ellos tienen más de 5.500 antes de Cristo. Tales obras continuaron y después de varios milenios, en el siglo séptimo, pilares de tallado Ajanta, El estado de Maharashtra presente un buen ejemplo de pinturas indias y los colores, sobre todo varios tonos de rojo y naranja, se deriva de los minerales.
Cuevas de Ajanta en Maharashtra, India son monumentos rupestres excavadas en la roca que datan del siglo segundo BCE y contienen pinturas y la escultura consideradas ser obras maestras del arte religioso budista y del arte ilustrado universal.
- Pintura de Madhubani
Pintura de Madhubani es un estilo de la pintura india, se practica en la región de Mithila de estado de Bihar, India. Los orígenes de la pintura de Madhubani están envueltos en la antigüedad.
Pintura Rajput
Pintura Rajput, un estilo de Pintura india, evolucionado y floreció durante el siglo 18, en las cortes reales de Rajputana, India. Cada reino Rajput desarrolló un estilo distinto, pero con ciertas características comunes. Pinturas Rajput representan una serie de temas, eventos de epopeyas como el Ramayana y el Mahabharata, la vida de Krishna, hermosos paisajes, y los seres humanos. Miniaturas eran el medio preferido de la pintura Rajput, pero varios manuscritos también contienen pinturas de Rajput, y pinturas fueron hechas incluso en las paredes de los palacios, las cámaras interiores de los fuertes, havelis, en particular, los havelis de Shekhawait.
Los colores extraídos de ciertos minerales, fuentes de plantas, conchas, e incluso se derivan de la transformación de las piedras preciosas, se utilizaron el oro y la plata. La preparación de los colores deseados fue un largo proceso, a veces tomando semana. Pinceles utilizados fueron muy bien.
Pintura Mughal
Pintura Mughal es un estilo particular de Pintura india, limita generalmente a las ilustraciones en el libro y hace en miniaturas, y que surgió, se desarrolló y tomó forma durante el período del Imperio mogol 16a siglos al 19).
Pintura Tanjore
Pintura Tanjore es una importante forma de clásica Nativo de la pintura india del sur de la ciudad de Tanjore en Tamil Nadu. La forma de arte se remonta a principios del siglo noveno, un período dominado por los Chola gobernantes, que alentaron el arte y la literatura. Estas pinturas se caracterizan por su elegancia, colores ricos, y la atención al detalle. Los temas para la mayoría de estas pinturas son Dioses y las diosas hindúes y escenas de la mitología hindú . En los tiempos modernos, estas pinturas se han convertido en un muy solicitado recuerdo durante ocasiones festivas en el sur de India.
El proceso de hacer una pintura Tanjore implica muchas etapas. La primera etapa consiste en la realización de la bosquejo preliminar de la imagen en la base. La base consiste en un paño pegado sobre una base de madera. Luego de polvo de tiza o óxido de zinc se mezcla con hidrosoluble adhesivo y aplicada sobre la base. Para hacer la base más suave, una leve abrasivo se utiliza a veces. Después de hacer el dibujo, la decoración de la joyería y las ropas de la imagen se realiza con piedras semi-preciosas. Cordones o hilos también se utilizan para decorar la joyería. Además de esto, las láminas de oro se pegan. Finalmente, colorantes se utilizan para añadir colores a las figuras en las pinturas.
La Escuela de Madras
Durante el dominio británico en la India, la corona encontrado que Madras tenían algunas de las mentes artísticas más talentosos e intelectuales del mundo. Como los británicos habían establecido también un enorme asentamiento en los alrededores de Madrás, Georgetown fue elegido para establecer un instituto que atender a las expectativas artísticas de la familia real en Londres. Esto ha llegado a ser conocido como el Escuela de Madras. A primeros artistas tradicionales estaban empleados para producir variedades de exquisitos muebles, trabajos en metal y curiosidades y su trabajo fue enviado a los palacios reales de la reina.
A diferencia de la Escuela de Bengala, donde la "copia" es la norma de la enseñanza, la Escuela Madras florece en "crear" nuevos estilos, argumentos y tendencias.
La Escuela de Bengala
La Escuela de Arte de Bengala fue un influyente estilo de arte que floreció en India durante el Raj británico en el siglo 20. Se asocia con la India el nacionalismo , pero también fue promovida y apoyada por muchos administradores de las artes británicas.
La Escuela de Bengala surgió como una avant garde y el movimiento nacionalista que reacciona contra la estilos artísticos académicos promovidos anteriormente en la India, tanto por Artistas indios como Raja Ravi Varma y en las escuelas de arte británicas. Tras la amplia influencia de las ideas espirituales de la India en el West, el profesor de arte británico Ernest Binfield Havel intentó reformar los métodos de enseñanza en el Calcuta Escuela de Arte animando a los estudiantes a imitar Miniaturas mogoles. Esto provocó una inmensa controversia, lo que lleva a una huelga de los estudiantes y las quejas de la prensa local, incluso de los nacionalistas que consideran que es un movimiento retrógrado. Havel fue apoyado por el artista Abanindranath Tagore, un sobrino del poeta Rabindranath Tagore . Tagore pintó una serie de obras influenciadas por el arte de Mughal, un estilo que él y Havel cree que es expresivo de las cualidades espirituales distintos de la India, en comparación con el "materialismo" de Occidente. Pintura más conocida de Tagore, Bharat Mata (Madre India), mostraba a un joven, retratada con cuatro brazos en la forma de las deidades hindúes, sosteniendo objetos simbólicos de las aspiraciones nacionales de la India. Tagore más tarde trató de establecer vínculos con artistas japoneses como parte de una aspiración de construir un modelo pan-Asianist de arte.
La influencia de la Escuela de Bengala en la India se redujo con la difusión de las ideas modernistas en la década de 1920. En el período posterior a la independencia, los artistas indios mostraron más capacidad de adaptación, ya que pidieron prestado libremente de estilos europeos y les amalgamaron libremente con los motivos de la India a las nuevas formas de arte. Mientras que los artistas como Francis Newton Souza y Tyeb Mehta fueron más occidental en su enfoque, hubo otros como Ganesh Pyne y Maqbool Fida Husain que desarrollaron estilos completamente indígenas de trabajo. Hoy después de que el proceso de liberalización del mercado en la India, los artistas están experimentando una mayor exposición a la arte-escena internacional que les está ayudando en las economías emergentes con nuevas formas de arte que hasta ahora no se había visto en la India. Jitish Kallat había disparado a la fama a finales de los años 90 con sus pinturas que eran a la vez moderno y más allá del alcance de la definición genérica. Sin embargo, mientras que los artistas de la India en el nuevo siglo están probando nuevos estilos, temas y metáforas, no habría sido posible obtener tal reconocimiento rápida sin la ayuda de las casas comerciales que ahora están entrando en el campo del arte como nunca antes habían tenido.
Pintura moderna de la India
Amrita Sher-Gil, tres muchachas, 1935, Galería Nacional de Arte Moderno de Nueva Delhi
John Wilkins, Sneha-pueblo belle, c.1970s
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Devajyoti Ray, Ajuste Notas de 2007, Pseudorealism
Amrita Sher-Gil fue un pintor indio, a veces conocida como la India Frida Kahlo , y hoy considerado un pintor importante de las mujeres del siglo 20 India, cuyo legado se encuentra a la par con la de los Maestros de Renacimiento de Bengala; ella es también la "más caro" mujer pintor de la India.
Hoy, ella es una de nueve Masters, cuyo trabajo fue declarada como tesoros de arte de The Servicio Arqueológico de la India, en 1976 y 1979, y más de 100 de sus pinturas se muestran ahora en Galería Nacional de Arte Moderno, de Nueva Delhi .
Durante la época colonial, las influencias occidentales comenzaron a hacer un impacto en el arte indio. Algunos artistas desarrollaron un estilo que utiliza las ideas occidentales de composición, perspectiva y realismo para ilustrar temas indios. Otros, como Jamini Roy, conscientemente se inspiró en el arte popular.
En el momento de la independencia en 1947, varias escuelas de arte en la India siempre acceso a las modernas técnicas e ideas. Se establecieron las galerías para exhibir estos artistas. Arte indio moderno típicamente muestra la influencia de los estilos occidentales, pero a menudo se inspira en temas e imágenes de la India. Artistas importantes están comenzando a ganar el reconocimiento internacional, al principio entre la diáspora de la India, sino también entre el público no indígenas.
La Grupo de Artistas Progresistas, establecida poco después de la India se independizó en 1947, tenía la intención de establecer nuevas formas de expresar la India en la era post-colonial. Los fundadores fueron seis artistas eminentes - KH Ara, SK Bakre, HA Gade, MF Husain, SH Raza y FN Souza, aunque el grupo se disolvió en 1956, era profundamente influyente en el cambio del lenguaje del arte indio. Casi todos los grandes artistas de la India en la década de 1950 se asociaron con el grupo. Algunos de los que son hoy conocidos son Bal Chabda, Manishi Dey, Mukul Dey, VS Gaitonde, Ram Kumar, Tyeb Mehta, y Akbar Padamsee. Otros pintores famosos como Jahar Dasgupta, Prokash Karmakar, John Wilkins, Narayanan Ramachandran y Bijon Choudhuri enriquecieron la cultura del arte de la India. Se han convertido en los iconos del arte indio moderno. Los historiadores del arte como el profesor Rai Anand Krishna también se han referido a las obras de artistas modernos que reflejan ethos indio. Geeta Vadhera ha tenido elogios en la traducción, temas espirituales indios complejas sobre el lienzo como pensó Sufi, los Upanishads y el Bhagavad Gita.
Arte Indio recibió un impulso con la liberalización económica del país desde principios de 1990. Artistas de diversos campos ahora comenzaron a traer en variados estilos de trabajo. La liberalización del arte indio Publicar trabaja no sólo dentro de los límites de las tradiciones académicas, sino también fuera de ella. Los artistas han introducido nuevos conceptos que hasta ahora no han sido vistos en el arte indio. Devajyoti Ray ha introducido un nuevo género de arte llamada Pseudorealism. Pseudorealist El arte es un estilo de arte original que se ha desarrollado por completo en el suelo indio. Pseudorealism tiene en cuenta el concepto indio de la abstracción y lo utiliza para transformar escenas habituales de la vida indígena en unas fantásticas imágenes.
En el post-liberalización India, muchos artistas se han establecido en el mercado internacional del arte como el pintor abstracto Natvar Bhavsar y escultor Anish Kapoor cuya gigantesca obras de arte postminimalista han adquirido la atención por su gran tamaño. Muchas casas de arte y galerías también se han abierto en EE.UU. y Europa para exhibir obras de arte de la India.
La pintura occidental
Egipto, Grecia y Roma
Antiguo Egipto , una civilización con fuertes tradiciones de la arquitectura y la escultura (ambos originalmente pintado en colores brillantes) también tenía muchas pinturas murales en los templos y edificios, y las ilustraciones de pintado papiro manuscritos. Pintura mural egipcia y pintura decorativa es a menudo gráfico, a veces más simbólica que realista. Pintura egipcia representa figuras de contorno en negrita y plano silueta, en el que la simetría es una característica constante. pintura egipcia tiene estrecha relación con sus lengua escrita - llamada jeroglíficos egipcios. Símbolos pintados se encuentran entre las primeras formas de la lengua escrita. Los egipcios también pintada en la ropa, los restos de los que sobreviven hoy. Pinturas egipcias antiguas sobrevivieron debido al clima extremadamente seco. Los antiguos egipcios crearon pinturas para hacer la vida futura de los fallecidos en un lugar agradable. Los temas incluyen viaje por el más allá o sus deidades protectoras introducción de los fallecidos a los dioses del inframundo. Algunos ejemplos de estas pinturas son pinturas de los dioses y diosas Ra, Horus, Anubis, Nut, Osiris e Isis . Algunas pinturas de las tumbas muestran las actividades que los fallecidos estaban involucrados en cuando estaban vivos y deseaba seguir haciendo por toda la eternidad. En el Nuevo Reino y más tarde, el Libro de los Muertos fue enterrado con la persona sepultada. Se consideró importante para una introducción a la otra vida.
Sennedjem ara su campo con un par de bueyes, ca. 1200 aC
Antiguo Egipto,la diosaIsis, pintura mural, ca.1360 aC
Antiguo Egipto,la reina Nefertari
Antiguo Egipto, papiro
Antiguo Egipto
Antiguo Egipto
Paneles PITSA, uno de los pocos sobrevivientes de pinturas sobre tabla Grecia Arcaica, ca. 540-530 aC
Simposio escena en la Tumba del nadadorenPaestum,alrededor del año 480 aC Arte griego
Knossos
Arte romano,Pompeya
Arte romano
Arte romano
Arte romano
Arte romano
Arte romano
-
Arte romano
Al norte de Egipto fue la civilización minoica en la isla de Creta. Las pinturas murales que se encuentran en el palacio de Knossos son similares a la de los egipcios, pero mucho más libre en el estilo. Alrededor de 1100 aC, las tribus del norte de Grecia conquistaron Grecia y el arte griego tomaron una nueva dirección.
Antigua Grecia tenía grandes pintores, grandes escultores (aunque ambos esfuerzos fueron considerados como mera mano de obra en el momento), y grandes arquitectos. El Partenón es un ejemplo de su arquitectura que ha durado hasta los tiempos modernos. Escultura de mármol griego es a menudo descrita como la más alta forma de arte clásico. Pintura sobre cerámica de la antigua Grecia y la cerámica da una idea particularmente informativa en la forma en la sociedad en la Grecia Antigua funcionó. Negro-figura pintura jarrón y pintura Rojo-figura florero da muchos ejemplos que quedan de lo que fue la pintura griega. Algunos famosos pintores griegos en los paneles de madera que se mencionan en los textos son Apeles, Zeuxis y Parrasio, sin embargo no hay ejemplos de la antigua pintura sobre tabla griega sobreviven, sólo descripciones escritas de sus contemporáneos o posteriores romanos. Zeuxis vivió en 5-6 antes de Cristo y se dice que es el primero en utilizar sfumato. De acuerdo a Plinio el Viejo, el realismo de sus pinturas fue tal que las aves trataron de comer las uvas pintadas. Apeles se describe como el más grande pintor de la antigüedad de una técnica perfecta en el dibujo, colores brillantes y el modelado.
Arte romano fue influenciado por Grecia y, en parte, puede ser tomado como un descendiente de la antigua pintura griega. Sin embargo, la pintura romana tiene importantes características únicas. Las pinturas romanas solamente sobreviven son pinturas murales, muchos de villas en Campania, en el sur de Italia. Esta pintura se puede agrupar en 4 principales "estilos" o períodos y puede contener los primeros ejemplos de trompe-l'oeil, pseudo-perspectiva y paisaje puro. Casi los retratos pintados solamente sobreviven desde el mundo antiguo son un gran número de ataúdes-retratos de la forma del busto se encuentran en el cementerio antiguo tardío de Al-Fayum. Aunque éstos no eran ni de la mejor época ni la más alta calidad, que son impresionantes en sí mismos, y dan una idea de la calidad que el trabajo más fino antigua debe haber tenido. Un número muy pequeño de miniaturas de los libros ilustrados Antigüedad tardía también sobrevivir, y un lugar mayor número de copias de los mismos a partir del período medieval temprano.
Edad Media
Cotton Génesis Una miniatura de Abraham reuniones Ángeles
Bizantino icono, siglo sexto
Mosaicos de arte bizantino en Ravenna
Bizantino, del siglo sexto
Hermanos Limbourg
Hermanos Limbourg
Retrato Evangelista
Carolingia
Carolingia San Marcos
Yaroslavl Evangelios c. 1220s
Giottino
Vitale da Bologna
Simone Martini
Cimabue
Giotto
Giotto
Andrei Rublev
Andrei Rublev,Ascensión, 1408
Ambrogio Lorenzetti
Pietro Lorenzetti
Duccio
Bonaventura Berlinghieri,San Francisco de Asís, 1235
El surgimiento del cristianismo impartió un espíritu diferente y tienen como objetivo estilos de pintura. El arte bizantino, una vez que su estilo se estableció en el siglo sexto, puso gran énfasis en mantener tradicional iconografía y estilo, y ha cambiado relativamente poco a través de los mil años del Imperio Bizantino y la continuación de las tradiciones de griego y ruso ortodoxo icono-pintura. Pintura bizantina tiene un sentimiento particular hierática y los iconos eran y todavía son vistos como un reflejo de lo divino. También hubo muchas pinturas murales en el fresco, pero menos de ellos han sobrevivido a bizantinos mosaicos . En las fronteras generales Bizancio arte en la abstracción, en su planitud y representaciones altamente estilizadas de las figuras y paisaje. Sin embargo hay períodos, especialmente en el llamado arte macedonia de alrededor del siglo 10, cuando el arte bizantino se convirtió más flexible en el enfoque.
En el post-Antique Europa católica el primer estilo artístico distintivo a emerger que incluyó la pintura fue el arte insular de las Islas Británicas, donde los únicos ejemplos que se conservan (y muy probablemente el único medio en el que se utilizó la pintura) son miniaturas en manuscritos iluminados como el Libro de Kells . Estos son más famosos por su decoración abstracta, aunque las cifras, ya veces las escenas, también se representa, sobre todo en Retratos evangelista. Carolingia y el arte otoniano también sobrevive principalmente en manuscritos, aunque algunos-pintura mural se quedan, y más están documentados. El arte de este período combina influencias "bárbaras" Insular y con una fuerte influencia bizantina y una aspiración de recuperar monumentalidad clásica y aplomo.
Paredes del románico y las iglesias góticas fueron decorados con frescos, así como la escultura y muchas de las pocas que quedan murales tienen gran intensidad, y combinan la energía decorativa del arte insular con una nueva monumentalidad en el tratamiento de las figuras. Muchas más miniaturas en manuscritos iluminados sobreviven de la época, mostrando las mismas características, que continúan en el período gótico.
Pintura sobre tabla se hace más común durante la época románica, bajo la fuerte influencia de iconos bizantinos. Hacia la mitad del siglo 13, el arte medieval y la pintura gótica se volvieron más realista, con los inicios de interés en la representación de volumen y perspectiva en Italia con Cimabue y luego su discípulo de Giotto. De Giotto en adelante, el tratamiento de la composición por los mejores pintores también se convirtió en mucho más libre e innovador. Ellos son considerados como los dos grandes maestros de la pintura medieval en la cultura occidental. Cimabue, dentro de la tradición bizantina, utiliza un enfoque más realista y dramático a su arte. Su alumno, Giotto, tomó estas innovaciones a un nivel más alto que a su vez establece las bases de la tradición de la pintura occidental. Ambos artistas fueron pioneros en el movimiento hacia el naturalismo.
Se construyeron iglesias con más y más ventanas y el uso de colorido vitral se convierten en un elemento básico en la decoración. Uno de los ejemplos más famosos de esta se encuentra en la catedral de Notre Dame de París. En el siglo 14 las sociedades occidentales eran tanto más rica y cultivada y pintores encontraron nuevos clientes en la nobleza e incluso los burguesía. manuscritos iluminados adquirieron un nuevo personaje y, mujeres vestidas a la moda de la corte slim se muestra en sus paisajes. Este estilo pronto se conoció como internacionales de estilo y pinturas sobre tabla al temple y retablos adquirido importancia.
Renacimiento y Manierismo
Fra Angelico
Filippo Lippi
Andrea Mantegna
Masacciola expulsión de Adán y Eva del Edén, antes y después de la restauración
Paolo Uccello
Albrecht Dürer
Giovanni Bellini
Tiziano
Piero della Francesca
Giorgione
Jacopo Tintoretto
Sandro Botticelli
Robert Campin
Rogier van der Weyden
Jan van Eyck
Jan van Eyck
El Bosco
Pieter Bruegel
Hans Holbein el Joven
El Greco
El Renacimiento es dicho por muchos como la edad de oro de la pintura. Aproximadamente abarca el 14 a través de la mitad del siglo 17. En Italia artistas como Paolo Uccello, Fra Angelico, Masaccio, Piero della Francesca, Andrea Mantegna, Filippo Lippi, Giorgione, Tintoretto, Sandro Botticelli, Leonardo da Vinci , Miguel Ángel Buonarroti , Rafael , Giovanni Bellini y Tiziano tomó la pintura a un nivel superior a través de el uso de la perspectiva, el estudio de la anatomía humana y la proporción, ya través de su desarrollo de un refinamiento sin precedentes en técnicas de dibujo y pintura.
Pintores flamencos, holandeses y alemanes del Renacimiento, como Hans Holbein el Joven, Alberto Durero, Lucas Cranach, Matthias Grünewald, El Bosco y Pieter Brueghel representan un enfoque diferente al de sus colegas italianos, uno que es más realista y menos idealizado. Género la pintura se convirtió en un lenguaje popular entre esos pintores del Norte como Pieter Brueghel. Un nuevo verosimilitud en la representación de la realidad se hizo posible con la adopción de la pintura al óleo , cuya invención fue tradicionalmente, pero erróneamente, acreditado en enero Van Eyck (una figura de transición importante que tiende un puente sobre la pintura en el Oriente Edad con la pintura de principios del Renacimiento ). A diferencia de los italianos cuyo trabajo atrajo fuertemente desde el arte de la antigua Grecia y Roma, los norteños conservan un residuo estilística de la escultura y manuscritos iluminados de la Edad Media. Estas tendencias se ven también en el arte de la Inglaterra de los Tudor, que fue fuertemente influenciado por los refugiados protestantes de la Países Bajos.
Pintura renacentista refleja la revolución de las ideas y la ciencia ( astronomía , geografía ) que se producen en este período, la Reforma, y la invención de la imprenta. Durero, considerado uno de los más grandes grabadores, establece que los pintores no son meros artesanos sino pensadores así. Con el desarrollo de pintura de caballete en el Renacimiento, la pintura se independizó de la arquitectura. Tras siglos dominados por la imaginería religiosa, objeto secular cuestión volvió lentamente a la pintura occidental. Los artistas incluyen visiones del mundo alrededor de ellos, o los productos de su propia imaginación en sus pinturas. Los que podían permitirse el gasto que podría convertirse en mecenas y retratos de comisión de sí mismos o de su familia.
En los siglos 15 y 16, pinturas sobre tabla, que podría ser colgados en las paredes y se movían en torno a voluntad, se convirtió cada vez más popular para ambas iglesias y casas privadas, en lugar de al fresco pinturas murales o pinturas incorporados a las estructuras permanentes, como retablos. La Alto Renacimiento dio lugar a un arte estilizado conocido como Manierismo. En lugar de las composiciones equilibradas y enfoque racional a la perspectiva que caracterizó el arte en los albores del siglo 16, los manieristas buscaron la inestabilidad, el artificio, y la duda. Las caras no perturbadas y gestos de Piero della Francesca y las vírgenes tranquilas de Raphael se sustituyen por las expresiones con problemas de Pontormo y la intensidad emocional de El Greco. algunas décadas más tarde Norte Manierismo dominado el arte flamenca y alemana hasta la llegada del Barroco.
Barroco y rococó
Artemisia Gentileschi
Frans Hals
-
Jan Vermeer
Diego Velázquez
Nicolas Poussin
José de Ribera
Salvator Rosa
Claudio de Lorena
- La muerte de Hyacinth.jpg
Giovanni Battista Tiepolo
Antoine Watteau
Jean-Honouré Fragonard, El columpio, ca. 1767
François Boucher
Élisabeth Vigée-Lebrun
Maurice Quentin de La Tour
Joshua Reynolds
Jean-Baptiste-Siméon Chardin
Francis Hayman
Angelica Kauffman
Pintura barroca se asocia con el barroco movimiento cultural, un movimiento a menudo identificado con el absolutismo y la Contrarreforma católica o Revival; la existencia de importantes pintura barroca en la no-absolutistas y estados protestantes también, sin embargo, pone de relieve su popularidad, como el estilo extendido por toda Europa occidental.
Pintura barroca se caracteriza por gran drama, color rico, profundo, y la luz intensa y sombras oscuras. Arte barroco pretendía evocar la emoción y la pasión en lugar de la tranquila racionalidad que había sido apreciada durante el Renacimiento. Durante el período que se inicia alrededor de 1600 y continuando durante el siglo 17, la pintura se caracteriza por ser barroco. Entre los más grandes pintores del Barroco son Caravaggio , Rembrandt , Frans Hals, Rubens , Velázquez, Poussin y Jan Vermeer. Caravaggio es un heredero del humanista pintura del Renacimiento. Su enfoque realista de la figura humana, pintada directamente de vida y Luz puntal de manera espectacular contra un fondo oscuro, conmocionó a sus contemporáneos y ha abierto un nuevo capítulo en la historia de la pintura. Pintura barroca a menudo dramatiza escenas usando efectos de luz; esto se puede ver en las obras de Rembrandt, Vermeer, Le Nain y La Tour.
Durante el siglo 18, rococó siguió como una extensión más ligera del barroco, a menudo frívola y erótico. rococó desarrollado por primera vez en las artes decorativas y diseño de interiores en Francia. sucesión de Luis XV trajo un cambio en los artistas de la corte y la moda artística general. Los años 1730 representaron la altura del desarrollo Rococó en Francia ejemplificada por las obras de Antoine Watteau y François Boucher. Rococó todavía mantiene el sabor barroco de formas complejas y patrones intrincados, pero en este punto, que había comenzado a integrar una variedad de diversas características, incluyendo un gusto por los diseños orientales y composiciones asimétricas.
El estilo rococó se extendió con artistas franceses y publicaciones grabadas. Fue recibido con facilidad en las partes católicas de Alemania, Bohemia, y Austria, donde se fusionó con las animadas tradiciones barrocas alemanas. Alemán rococó se aplicó con entusiasmo a las iglesias y palacios, sobre todo en el sur, mientras que Federico el rococó se desarrolló en el Reino de Prusia.
Los maestros franceses Watteau, Boucher y Fragonard representan el estilo, al igual que Giovanni Battista Tiepolo y Jean-Baptiste-Siméon Chardin quien fue considerado por algunos como el mejor pintor francés del siglo 18 - el Anti-rococó . El retrato fue un componente importante de pintura en todos los países, pero sobre todo en Inglaterra, donde los líderes eran William Hogarth , en un estilo realista contundente, y Francis Hayman, Angelica Kauffman (que era suizo), Thomas Gainsborough y Joshua Reynolds en estilos más favorecedores influenciados por Antony Van Dyck . Mientras que en Francia durante la época rococó Jean-Baptiste Greuze (el pintor favorito de Denis Diderot), Maurice Quentin de La Tour, y Élisabeth Vigée-Lebrun fueron altamente logra retratistas y pintores de historia.
William Hogarth ayudó a desarrollar una base teórica para rococó belleza. Aunque no hace referencia intencionadamente el movimiento, argumentó en su Análisis de la belleza (1753) que las líneas onduladas y curvas S prominentes en rococó fueron la base de la gracia y la belleza en el arte o la naturaleza (a diferencia de la línea recta o círculo en el Clasicismo) . El principio del fin para el rococó llegó a principios de los años 1760 como figuras como Voltaire y Jacques-François Blondel comenzaron a expresar su crítica a la superficialidad y la degeneración del arte. Blondel censuró la "maraña ridícula de conchas, dragones, cañas, palmeras y plantas" en interiores contemporáneos. Por 1785, rococó había pasado de moda en Francia, reemplazado por el orden y la seriedad de neoclásicos artistas como Jacques Louis David.
Siglo 19: neoclasicismo, la pintura de historia, romanticismo, impresionismo, poste impresionismo, simbolismo
Jacques-Louis David 1787
John Singleton Copley, 1778
Antoine-Jean Gros, 1804
Jean Auguste Dominique Ingres 1862
John Constable1802
Théodore Géricault 1819
Caspar David Friedrich c.1822
Eugène Delacroix, 1830
JMW Turner1838
Gustave Courbet 1849-1850
Camille Corot c.1867
Albert Bierstadt 1886
Claude Monet1872
Edgar Degas 1876
Édouard Manet 1882
Vincent van Gogh1888
Paul Gauguin 1897-1898
Georges Seurat 1884-1886
Thomas Eakins, 1884-1885
Albert Pinkham Ryder, 1890
Winslow Homer 1899
Paul Cézanne 1906
Después rococó surgió a finales del siglo 18, en la arquitectura, y luego en la pintura severa neoclasicismo , mejor representada por artistas como David y su heredero Ingres. Obra de Ingres ya contiene gran parte de la sensualidad, pero ninguno de la espontaneidad, que fue caracterizar Romanticismo . Este movimiento se volvió su atención hacia el paisaje y la naturaleza, así como la figura humana y la supremacía del orden natural por encima de la voluntad de la humanidad. Hay un filosofía panteísta (véase Spinoza y Hegel) dentro de esta concepción que se opone a la Ilustración ideales al ver el destino de la humanidad de una manera más trágica o pesimista ligero. La idea de que los seres humanos no están por encima de las fuerzas de la Naturaleza está en contradicción con antiguos griegos ideales y renacentistas donde la humanidad estaba por encima de todas las cosas y era dueño de su destino. Este pensamiento llevó artistas románticos para representar los sublimes, iglesias en ruinas, naufragios, masacres y locura.
Por los pintores mediados del siglo 19 se convirtió en liberado de las exigencias de su patrocinio a solamente representar escenas de la religión, la mitología, el retrato o la historia. La idea "el arte por el arte" comenzó a encontrar su expresión en la obra de pintores como Francisco de Goya, John Constable y JMW Turner. Pintores románticos convirtieron la pintura de paisaje en un género importante, considerado hasta entonces como un género menor o como un fondo decorativo para composiciones de figuras. Algunos de los principales pintores de este período son Eugène Delacroix, Théodore Géricault, JMW Turner , Caspar David Friedrich y John Constable . Francisco de Goya obra tardía 's demuestra el interés romántico en lo irracional, mientras que la obra de Arnold Böcklin evoca misterio y la pinturas de Estética artista movimiento James McNeill Whistler evocan tanto la sofisticación y la decadencia. En los Estados Unidos la tradición romántica de la pintura de paisaje era conocida como la Escuela del río Hudson: exponentes incluyen Thomas Cole, Frederic Edwin Church, Albert Bierstadt, Thomas Moran y John Frederick Kensett. luminismo era un movimiento en la pintura de paisaje americana relacionada con el Hudson Escuela del río.
El líder pintor Barbizon School Camille Corot pintó tanto en un romántico y una vena realista; su obra prefigura Impresionismo , al igual que las pinturas de Eugène Boudin, que fue uno de los primeros pintores franceses del paisaje a pintar al aire libre. Boudin fue también una importante influencia en el joven Claude Monet , a quien en 1857 se presentó a pintura al aire libre. Una fuerza importante en el giro hacia el realismo a mediados de siglo era Gustave Courbet. En el último tercio de los impresionistas del siglo como Édouard Manet, Claude Monet , Pierre-Auguste Renoir , Camille Pissarro, Alfred Sisley, Berthe Morisot, Mary Cassatt , y Edgar Degas trabajado en un enfoque más directo que previamente había sido exhibido públicamente. Ellos evitaron la alegoría y la narrativa en favor de respuestas individualizadas para el mundo moderno, a veces pintadas con poco o ningún estudio preparatorio, confiando en destreza del dibujo y una paleta cromática altamente. Manet, Degas, Renoir, Morisot, y Cassatt concentra principalmente en el sujeto humano. Tanto Manet y Degas reinterpretados cánones figurativos clásicos dentro de situaciones contemporáneas; en el caso de Manet las re-imaginación se reunieron con hostil recepción pública. Renoir, Morisot, y Cassatt volvió a la vida interna de inspiración, con Renoir centrándose en el desnudo femenino. Monet, Pissarro, Sisley y utiliza el paisaje como su motivo principal, la fugacidad de la luz y el tiempo juega un papel importante en su trabajo. Mientras Sisley más estrechamente adherido a los principios originales de la percepción impresionista del paisaje, Monet buscaba retos en condiciones cada vez más cromáticas y cambiantes, que culminó con su serie de obras monumentales de los lirios de agua pintadas en Giverny.
Pissarro adoptó algunos de los experimentos del postimpresionismo. Ligeramente más jóvenes postimpresionistas como Vincent van Gogh , Paul Gauguin y Georges Seurat, junto con Paul Cézanne llevó el arte a la orilla de la modernidad; por Gauguin Impresionismo dio paso a un simbolismo personal; Seurat transformó color quebrado del impresionismo en un estudio óptica científica, estructurada sobre composiciones friso similares; Método turbulento de Van Gogh de la aplicación de la pintura, junto con un uso sonora de color, predijo el expresionismo y fauvismo, y Cézanne, con el deseo de unir a la composición clásica con una abstracción revolucionaria de las formas naturales, que vendría a ser visto como un precursor del arte del siglo 20o. El hechizo del impresionismo se sintió en todo el mundo, incluso en Estados Unidos, donde se convirtió en parte integral de la pintura de los impresionistas americanos como Childe Hassam, John Twachtman, y Theodore Robinson. También ejerció influencia en los pintores que no eran principalmente impresionista en teoría, como el retrato y el paisaje pintor John Singer Sargent. Al mismo tiempo, en Estados Unidos a finales del siglo 20 existía un realismo nativa y casi insular, como ricamente plasmado en la obra figurativa de Thomas Eakins, la Escuela Ashcan, y los paisajes terrestres y marinos de Winslow Homer, cuyas pinturas estaban profundamente invertido en la solidez de las formas naturales. El paisaje visionario, un motivo depende en gran medida de la ambigüedad del nocturne, encontró sus defensores en Albert Pinkham Ryder y Ralph Albert Blakelock.
En el siglo 19 también hubo varios, en lugar diferente, grupos depintores simbolistas cuyas obras resonado con artistas más jóvenes del siglo 20, especialmente con losfauvistas y lossurrealistas. Entre ellos se encontraban Gustave Moreau, Odilon Redon, Pierre Puvis de Chavannes,Henri Fantin-Latour,Arnold Böcklin, Edvard Munch, Félicien Rops yenero Toorop, yGustave Klimt, entre otros, incluyendo lossimbolistas rusos comoMikhail Vrubel.
Pintores simbolistas minadas mitología y la imagen de sueño de un lenguaje visual del alma, buscando pinturas evocadoras que trajeron a la mente un mundo estático de silencio. Los símbolos utilizados en el simbolismo no son los familiares emblemas de la corriente principal iconografía, pero las referencias intensamente personales, privados, oscuros y ambiguos. Más de una filosofía que un estilo actual del arte, los pintores simbolistas influidas lo contemporáneo Art Nouveau movimiento y Les Nabis. En su exploración de temas oníricos, pintores simbolistas se encuentran al otro lado de siglos y culturas, ya que son aún hoy; Bernard Delvaille ha descrito el surrealismo de René Magritte como "Simbolismo además Freud ".
Siglo 20 Moderno y Contemporáneo
La herencia de pintores como Van Gogh , Cézanne , Gauguin, y Seurat era esencial para el desarrollo del arte moderno. A principios del siglo 20 Henri Matisse y varios otros artistas jóvenes revolucionaron el mundo del arte de París con "salvaje", de varios colores, expresivo, paisajes y cuadros de figuras que los críticos llaman el fauvismo. Pablo Picasso hizo sus primeros cubistas pinturas en base a Cézanne idea de que toda representación de la naturaleza se puede reducir a tres sólidos: cubo , esfera y cono.
Pioneros del siglo 20
Henri Matisse1905,Fauvismo
Pablo Picasso1907, a principiosdel cubismo
Georges Braque 1910,cubismo analítico
Henri Rousseau 1910 Primitivo Surrealismo
La herencia de pintores como Van Gogh , Cézanne , Gauguin, y Seurat era esencial para el desarrollo del arte moderno. A principios del siglo 20 Henri Matisse y varios otros jóvenes artistas, incluyendo el pre-cubista Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy y Maurice de Vlaminck revolucionó el mundo del arte de París con "salvaje", de varios colores, expresivo, paisajes y cuadros de figuras que los críticos llaman Fauvismo - (como se ve en la galería de arriba). Henri Matisse segunda versión de 's de la danza representa un punto clave en su carrera y en el desarrollo de la pintura moderna. Refleja fascinación incipiente de Matisse con el arte primitivo: los intensos colores cálidos contra el fondo azul-verde fresco y la sucesión rítmica de desnudos bailando transmiten los sentimientos de liberación emocional y hedonismo. Pablo Picasso hizo sus primeros cubistas pinturas en base a la idea de Cézanne que toda representación de la naturaleza se puede reducir a tres sólidos: cubo , esfera y cono. Con la pintura Les Demoiselles d'Avignon 1907, (ver galería) Picasso creó dramáticamente una nueva y radical de imagen que representa una escena del burdel crudo y primitivo con cinco prostitutas, mujeres violentamente pintadas, que recuerda a África máscaras tribales y sus nuevos cubistas invenciones. cubismo analítico (ver galería) fue desarrollado conjuntamente por Pablo Picasso y Georges Braque, ejemplificada por el violín y el Candelabro, Paris , (visto arriba) de aproximadamente 1908 a través de 1912. cubismo analítico, la primera manifestación clara del cubismo, fue seguido por el cubismo sintético , practicada por Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcel Duchamp y un sinnúmero de otros artistas en la década de 1920. cubismo sintético se caracteriza por la introducción de diferentes texturas, superficies, elementos de collage, papier collé y una gran variedad de temas fusionado.
Les fauves (francés para las bestias salvajes ) fueron primeros pintores del siglo 20, experimentando con la libertad de expresión a través del color. El nombre fue dado, con humor y no como un cumplido, al grupo por el crítico de arte Louis Vauxcelles. fauvismo fue una agrupación de corta duración y suelta de los primeros artistas del siglo 20 cuyas obras enfatizado cualidades pictóricas, y el uso imaginativo de color profundo sobre el los valores de representación. Fauvistas hizo que el tema de la pintura fácil de leer, exagerada perspectivas y una predicción profética interesante del fauvistas se expresó en 1888 por Paul Gauguin a Paul Sérusier,
"¿Cómo ve estos árboles Están amarilla Así, ponen en amarillo;?. Esta sombra, más bien azul, pintar con puro azul de ultramar;? estas hojas rojas Ponga en bermellón. "
Los líderes del movimiento eran Enrique Matisse y André Derain - rivales amistosos de una especie, cada uno con sus propios seguidores. En última instancia Matisse se convirtió en el yang a Picasso 's yin en el siglo 20. Pintores fauvistas incluyen Albert Marquet, Charles Camoin, Maurice de Vlaminck, Raoul Dufy, Othon Friesz, el pintor holandés Kees van Dongen, y socio de Picasso en el cubismo, Georges Braque, entre otros.
Fauvismo, como movimiento, no tenía teorías concretas, y fue de corta duración, que comienza en 1905 y termina en 1907, sólo tenían tres exposiciones. Matisse fue visto como el líder del movimiento, debido a su antigüedad en la edad y el auto-creación previa en el mundo del arte académico. Su 1905 retrato de Mme. Matisse La Línea Verde , (arriba), causó sensación en París cuando se exhibió por primera vez. Él dijo que quería crear arte para deleitar; el arte como decoración era su propósito y se puede decir que su uso de colores brillantes intenta mantener la serenidad de la composición. En 1906 por sugerencia de su marchante Ambroise Vollard, André Derain fue a Londres y produjo una serie de pinturas como Puente de Charing Cross, Londres (arriba) en el estilo fauvista, parafraseando la famosa serie por el impresionista pintor Claude Monet . Maestros como Henri Matisse y Pierre Bonnard continuaron desarrollando sus estilos narrativos independientes de cualquier movimiento a lo largo del siglo 20.
En 1907 Fauvismo ya no era un nuevo movimiento chocante, pronto fue sustituido porel cubismoen la pantalla de radar de los críticos como la última novedad enarte contemporáneo de la época. En 1907 Appolinaire, al comentar sobre Matisse en un artículo publicado en La Falange, dijo, "No estamos aquí en la presencia de un extravagante o una empresa extremista:. El arte de Matisse es eminentemente razonable"cubismo analítico(ver galería) fue desarrollado conjuntamente por Pablo Picasso yGeorges Braque desde alrededor de 1908 a través de 1912. cubismo analítico, la primera clara manifestación del cubismo, fue seguido porel cubismo sintético, practicada por Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcel Duchamp y un sinnúmero de otros artistas en la década de 1920. cubismo sintético se caracteriza por la introducción de diferentes texturas, superficies, elementos de collage, papier collé y una gran variedad de temas fusionado.
Durante los años comprendidos entre 1910 y el final de la Primera Guerra Mundial y después del apogeo del cubismo , varios movimientos surgieron en París. Giorgio De Chirico se trasladó a París en julio de 1911, donde se unió a su hermano Andrea (el poeta y pintor conocido como Alberto Savinio ). A través de su hermano conoció a Pierre Laprade un miembro del jurado en el Salon d'Automne, donde expuso tres de sus obras oníricas: Enigma del Oráculo , Enigma de una tarde y Autorretrato . Durante 1913 expone su obra en el Salón de los Independientes y Salón de Otoño, su trabajo fue observado por Pablo Picasso y Guillaume Apollinaire y varios otros. Sus pinturas atractivas y misteriosas se consideran fundamentales para los inicios de Surrealismo. (ver galería) Durante la primera mitad del siglo 20 en Europa maestros como Georges Braque, André Derain, y Giorgio De Chirico continuó pintando independiente de cualquier movimiento.
Pioneros del arte moderno
Marc Chagall 1911,el expresionismoy surrealismo
Franz Marc 1912,Der Blaue Reiter
Robert Delaunay, 1911,orfismo
Fernand Léger 1919,el cubismo sintético,tubism
En las dos primeras décadas del siglo 20 y después el cubismo , varios otros movimientos importantes surgieron; futurismo ( Balla), el arte abstracto ( Kandinsky), Der Blaue Reiter), Bauhaus, ( Kandinsky) y ( Klee), orfismo, ( Robert Delaunay y František Kupka ), sincromismo ( Morgan Russell), De Stijl ( Mondrian), el suprematismo ( Malevich), Constructivismo ( Tatlin), el dadaísmo ( Duchamp, Picabia, Arp) y Surrealismo ( De Chirico, André Breton, Miró, Magritte, Dalí, Ernst). La pintura moderna influenciada todas las artes visuales, desde la arquitectura modernista y diseño, al cine de vanguardia, el teatro y la danza moderna y se convirtió en un laboratorio experimental para la expresión de la experiencia visual, desde la fotografía y la poesía concreta con el arte y la moda publicidad. La pintura de Van Gogh ejerció gran influencia en siglo 20 Expresionismo , como puede verse en la obra de los fauvistas, Die Brücke (un grupo liderado por el pintor alemán Ernst Kirchner), y el expresionismo de Edvard Munch, Egon Schiele, Marc Chagall, Amedeo Modigliani, Soutine Jaim y otros ..
Wassily Kandinsky pintor, ruso grabador y teórico del arte, uno de los artistas más famosos del siglo 20 es generalmente considerado el primer pintor importante de arte abstracto moderno. Como modernista temprano, en busca de nuevos modos de expresión visual y la expresión espiritual, teorizado como hizo contemporáneos ocultistas y teósofos, que la abstracción visual pura tenía vibraciones corolario con el sonido y la música. Se postula que la abstracción pura podía expresar la espiritualidad pura. Sus primeras abstracciones generalmente se titulan como el ejemplo en el (anterior galería) Composición VII , haciendo conexión con la obra de los compositores de música. Kandinsky incluido muchas de sus teorías sobre el arte abstracto en su libro De lo espiritual en el arte. Robert Delaunay fue un artista francés que se asocia con el orfismo, (una reminiscencia de un vínculo entre la pura abstracción y el cubismo). Sus últimos trabajos fueron más abstracto, que recuerda a Paul Klee. Sus principales contribuciones a la pintura abstracta se refieren a su uso audaz de color, y un claro amor por la experimentación tanto de la profundidad y el tono. Por invitación de Wassily Kandinsky, Delaunay y su esposa la artista Sonia Delaunay, se unió a El Jinete Azul ( Der Blaue Reiter), una de Múnich grupo basado de artistas abstractos, en 1911, y su arte dio un giro a lo abstracto.
Otros pioneros más importantes de la abstracción temprana incluyen pintor rusoKasimir Malevich, que después de laRevolución Rusaen 1917, y después de la presión delrégimen estalinista en 1924 regresó a la pintura y la imagineríacampesinos y trabajadores del campo, y el pintor suizoPaul Klee cuyo magistral experimentos de color lo convirtió en un pionero importante dela pintura abstractaen las Bauhaus.Todavía otros pioneros importantes de la pintura abstracta como el artista suecaHilma af Klint, pintor checoFrantišek Kupka, así como artistas americanosStanton MacDonald-Wright yMorgan Russell quien, en 1912, fundaronsincromismo, un movimiento artístico que se parece mucho Orfismo.
Expresionismo y el simbolismo son grandes rúbricas que describe varios movimientos importantes y relacionados en la pintura del siglo 20, que dominó gran parte del arte de vanguardia están realizando en el oeste, este y norte de Europa. Expresionismo fue pintado en gran medida entre la Primera Guerra Mundial y la Segunda Guerra Mundial, sobre todo en Francia, Alemania, Noruega, Rusia, Bélgica y Austria. Artistas expresionistas están relacionados con tanto surrealismo y simbolismo y son cada uno de forma única y un tanto excéntrica personal. Fauvismo, Die Brücke y Der Blaue Reiter son tres de los grupos más conocidos de expresionistas y simbolistas pintores.
Artistas como interesantes y diversos comoMarc Chagall, cuya pintura Yo y la aldea, (arriba) le dice a una historia autobiográfica que examina la relación entre el artista y sus orígenes, con un léxico de artística Simbolismo. Gustav Klimt, Egon Schiele, Edvard Munch, Emil Nolde, Chaim Soutine, James Ensor, Oskar Kokoschka, Ernst Ludwig Kirchner, Max Beckmann, Franz Marc, Käthe Kollwitz Schmidt, Georges Rouault, Amedeo Modigliani y algunos de los estadounidenses en el extranjero comoMarsden Hartley, yStuart Davis, fueron considerados influyentes pintores expresionistas. Aunque Alberto Giacometti se piensa principalmente como un intensosurrealistaescultor, hizo pinturas expresionistas intensos también.
Pioneros de la abstracción
Piet Mondrian de 1912, principios deDe Stijl
Kasimir Malevich 1916,el suprematismo
Theo van Doesburg 1917,De Stijl,neoplasticismo
Stanton MacDonald-Wright 1920,sincromismo
El arte de Piet Mondrian también estaba relacionado con sus estudios espirituales y filosóficos. En 1908 se interesó en el movimiento teosófico lanzada por Helena Petrovna Blavatsky en el siglo 19. Blavatsky creyó que era posible alcanzar un conocimiento de la naturaleza más profunda que la proporcionada por medios empíricos, y gran parte de la obra de Mondrian para el resto de su vida se inspiró en su búsqueda de ese conocimiento espiritual.
De Stijl también conocido comoel neoplasticismo, fue un movimiento artístico holandesa fundada en 1917. El término De Stijlse utiliza para referirse a un cuerpo de trabajo 1917-1931 fundada en los Países Bajos.
De Stijl es también el nombre de una revista que fue publicado por el pintor holandés, diseñador, escritor y crítico de Theo van Doesburg propagar teorías del grupo. Al lado de van Doesburg, principales miembros del grupo fueron los pintores Piet Mondrian, Vilmos Huszar, y Bart van der Leck, y los arquitectos Gerrit Rietveld, Robert van 't Hoff y JJP Oud. El artística filosofía que se formó una base para el trabajo del grupo es conocido como neoplasticismo - el nuevo arte plástico (o Nieuwe Beelding en holandés).
Los partidarios de De Stijl buscaron expresar un nuevo ideal utópico de la armonía y el orden espiritual. Defendían pura abstracción y universalidad de una reducción a lo esencial de forma y color; simplificaron composiciones visuales a las direcciones vertical y horizontal, y se utilizan sólo los colores primarios junto con el blanco y negro. De hecho, de acuerdo con la Tate Gallery 's artículo en línea en el neoplasticismo, el propio Mondrian establece estas delimitaciones en su ensayo' neoplasticismo en Pictorial Art '. Él escribe: "... esta nueva idea plástica ignorará los detalles de la apariencia, es decir, la forma natural y color. Por el contrario, debe encontrar su expresión en la abstracción de la forma y el color, es decir, en la línea recta y el color primario claramente definido ". El artículo Tate aún resume que este arte permite que "sólo los colores primarios y los no colores únicos cuadrados y rectángulos, única y la línea horizontal o vertical recta." La artículo en línea del Museo Guggenheim de De Stijl resume estos rasgos en términos similares: "Es [De Estilo] se postula en el principio fundamental de la geometría de la línea recta, el cuadrado y el rectángulo, combinado con un fuerte asymmetricality; el uso predominante de los colores primarios puros con el blanco y negro, y la relación entre los elementos positivos y negativos en un arreglo de formas y líneas no objetivas ".
Movimiento De Stijl fue influenciado por cubista pintura, así como por el misticismo y las ideas sobre las formas "ideales" geométricas (tales como la "línea recta perfecta") en la filosofía neoplatónica del matemático Schoenmaekers MHJ. Las obras de De Stijl influirían en el estilo Bauhaus y el estilo internacional de arquitectura, así como ropa y diseño de interiores. Sin embargo, no siguió los lineamientos generales de un "ismo" (cubismo, el futurismo, el surrealismo), ni se adhieren a los principios de las escuelas de arte como Bauhaus; fue un proyecto colectivo, una empresa conjunta.
Dada y Surrealismo
Marcel Duchamp, 1915-1923, Dada
Francis Picabia 1916, Dada
André Masson, 1922, el surrealismo temprano
- Aparatos y hand.jpg
Salvador Dalí 1927, el surrealismo (super-realismo)
Marcel Duchamp, saltó a la fama internacional a raíz de su éxito notorio en el New York City Armory Show de 1913, (poco después de que denunció la creación artística de ajedrez ). Después de Duchamp Desnudo bajando una escalera se convirtió en la causa célebre internacional en la feria Armería 1913 en Nueva York creó el El Gran Vidrio, Gran Vidrio (véase más arriba). La Gran Vidrio empujó el arte de la pintura a los nuevos límites radicales siendo parte pintura, parte del collage, que forma parte de la construcción. Duchamp se asoció estrechamente con el dadaísmo movimiento que comenzó en punto muerto Zurich , Suiza, durante la Primera Guerra Mundial y llegó a su máximo desde 1916 hasta 1920. El movimiento artes principalmente involucrados visuales, literatura (poesía, manifiestos del arte, teoría del arte), teatro y diseño gráfico y concentrado su política de lucha contra la guerra a través de un rechazo de las normas vigentes en el arte a través de anti-arte obras culturales. Francis Picabia (ver arriba), Man Ray, Kurt Schwitters, Tristan Tzara, Hans Richter, Jean Arp, Sophie Taeuber-Arp, junto con Duchamp y muchos otros están asociados con el movimiento dadaísta . Duchamp y varios dadaístas también se asocian con el surrealismo, el movimiento que dominó la pintura europea en los años 1920 y 1930.
En 1924 André Breton publicó el Manifiesto Surrealista. El movimiento surrealista en la pintura se convirtió en sinónimo de la vanguardia y que contó con artistas cuyas obras variadas de lo abstracto a la super-realista. Con obras sobre papel como máquina Gire rápidamente , (arriba) Francis Picabia continuó su participación en el dadaísmo movimiento a través de 1919 en Zurich y París, antes de romperse lejos de él después de desarrollar un interés en el arte surrealista. Yves Tanguy, René Magritte y Salvador Dalí son particularmente conocidos por . sus representaciones realistas de imágenes oníricas y fantásticas manifestaciones de la imaginación de Joan Miró Tierra labrada de 1923-1924 raya en la abstracción, esta pintura temprana de un complejo de objetos y figuras, y arreglos de caracteres sexualmente activas; fue la primera obra maestra surrealista de Miró. El más abstracto Joan Miró, Jean Arp, André Masson y Max Ernst fueron muy influyentes, especialmente en los Estados Unidos durante la década de 1940.
A lo largo de la década de 1930, el surrealismo continuó a ser más visible para el público en general. La grupo surrealista desarrollado en Gran Bretaña y, según Breton, su 1936 London International exposición surrealista fue una cota máxima de la época y se convirtió en el modelo para exposiciones internacionales. Grupos surrealistas en Japón, y en especial en América Latina, el Caribe y en México produjeron obras innovadoras y originales.
Dalí y Magritte creó algunas de las imágenes más reconocidas del movimiento. La pintura 1928/1929 Esto no es una pipa , por Magritte es el tema de un libro de 1973 Michel Foucault, Esto no es una pipa (edición de Inglés, 1991), que trata sobre la pintura y su paradoja. Dalí se unió al grupo en 1929, y participó en el rápido establecimiento del estilo visual entre 1930 y 1935.
Surrealismo como un movimiento visual había encontrado un método: para exponer la verdad psicológica por extracción de objetos ordinarios de su significado normal, a fin de crear una imagen convincente de que estaba más allá de organización formal ordinaria, y la percepción, a veces evocando empatía del espectador, a veces la risa y a veces indignación y desconcierto.
1931 fue un año en que varios pintores surrealistas produjeron obras que marcaron puntos de inflexión en su evolución estilística: en un ejemplo (ver galería de arriba) formas líquidas se convierten en la marca de Dalí, particularmente en su La persistencia de la memoria , que cuenta con la imagen de los relojes que sag como si se están derritiendo. Evocaciones de tiempo y de su misterio convincente y el absurdo.
Las características de este estilo - una combinación de los depictive, lo abstracto y lo psicológico - vinieron a presentarse a la alienación que muchas personas sentían en elperiodo modernista, combinado con el sentido de llegar más profundamente en la psique, que se "hizo todo con la individualidad de uno ".
Max Ernst cuya pintura 1920 Asesinar Avión , estudió filosofía y psicología en Bonn y estaba interesado en las realidades alternativas experimentadas por los locos. Sus pinturas pueden haber sido inspirado por el psicoanalista Sigmund Freud estudio 's de los delirios de un paranoico, Daniel Paul Schreber. Freud identificó la fantasía de Schreber de convertirse en una mujer como un complejo de castración. La imagen central de dos pares de patas se refiere a los deseos hermafroditas de Schreber. Inscripción de Ernst en la parte posterior de la pintura lee: La imagen es curiosa debido a su simetría. Los dos sexos equilibrio entre sí.
Durante la década de 1920 la obra de André Masson fue enormemente influyente en ayudar a los recién llegados en París y joven artista Joan Miró encontrar sus raíces en la nueva pintura surrealista. Miró reconoció en cartas a su marchante Pierre Matisse la importancia de Masson como un ejemplo para él en sus primeros años en París.
Mucho después de que las tensiones personales, políticos y profesionales han fragmentado el grupo surrealista en el aire y éter, Magritte, Miró, Dalí y los otros surrealistas seguir para definir un programa visual en las artes. Otros destacados artistas surrealistas incluyen Giorgio de Chirico, Meret Oppenheim, Toyen, Grégoire Michonze, Roberto Matta, Kay Sage, Leonora Carrington, Dorothea Tanning, y Leonor Fini entre otros.
Entre las guerras
Egon Schiele, SimbolismoExpresionismo1912
Ernst KirchnerDie Brücke 1913
Amadeo Modiglianisimbolismo yexpresionismo1917
Stuart Davis estadounidenseModernismo 1922
Der Blaue Reiter era un movimiento alemán que duró desde 1911 a 1914, fundamental al expresionismo, junto con muere Brücke que fue fundado la década anterior en 1905 y fue un grupo de alemanes expresionistas artistas formados en Dresde en 1905. Los miembros fundadores de Die Brücke fueron Fritz Bleyl, Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner y Karl Schmidt-Rottluff. Miembros posteriores incluyeron Max Pechstein, Otto Mueller y otros. El grupo fue uno de los seminales, que en su momento tuvieron un gran impacto en la evolución del arte moderno en el siglo 20 y crearon el estilo de expresionismo .
Wassily Kandinsky, Franz Marc, August Macke, Alexej von Jawlensky, cuya psíquicamente expresiva pintura del ruso bailarina Retrato de Alexander Sakharoff de 1909 se encuentra en la galería superior, Marianne von Werefkin, Lyonel Feininger y otros fundaron al grupo Der Blaue Reiter en respuesta al rechazo de la pintura de Kandinsky Juicio Final de un exposición. Der Blaue Reiter careció un manifiesto artístico central, pero fue centrado alrededor de Kandinsky y Marc. Artistas Gabriele Münter y Paul Klee también participaron.
El nombre del movimiento viene de una pintura por Kandinsky creó en 1903 (véase la ilustración). También se afirma que el nombre podría haber derivado del entusiasmo de Marc para los caballos y del amor de Kandinsky del azul del color. Para Kandinsky, azul es el color de la espiritualidad: cuanto más oscuro el azul, más despierta el deseo humano para el eterno.
En los EE.UU. durante el período entre la Primera Guerra Mundial y la Segunda Guerra Mundial pintores tendido a ir a Europa para su reconocimiento. Artistas como Marsden Hartley, Patrick Henry Bruce, Gerald Murphy y Stuart Davis, crearon una reputación en el extranjero. En la ciudad de Nueva York, Albert Pinkham Ryder y Ralph Blakelock eran figuras influyentes e importantes de la pintura americana avanzada entre 1900 y 1920. Durante la década de 1920 el fotógrafo Alfred Stieglitz exhibido Georgia O'Keeffe , Arthur Dove, Alfred Maurer, Charles Demuth, John Marin y otros artistas incluyendo Masters Europeo Henri Matisse , Auguste Rodin , Henri Rousseau, Paul Cézanne, y Pablo Picasso , en su galería de la 291.
Expresionismo y el simbolismo son grandes rúbricas que describe varios movimientos importantes y relacionados en la pintura del siglo 20, que dominó gran parte del arte de vanguardia están realizando en el oeste, este y norte de Europa. Expresionismo fue pintado en gran medida entre la Primera Guerra Mundial y la Segunda Guerra Mundial, sobre todo en Francia, Alemania, Noruega, Rusia, Bélgica y Austria. Artistas expresionistas están relacionados con tanto surrealismo y simbolismo y son cada uno de forma única y un tanto excéntrica personal. Fauvismo, Die Brücke y Der Blaue Reiter son tres de los grupos más conocidos de expresionistas y simbolistas pintores. Artistas como interesantes y diversos como Marc Chagall, Gustav Klimt, Egon Schiele, Edvard Munch, Emil Nolde, Chaim Soutine, James Ensor, Oskar Kokoschka, Ernst Ludwig Kirchner, Max Beckmann, Franz Marc, Otto Dix, Käthe Kollwitz Schmidt, Georges Rouault, Amedeo Modigliani y algunos de los estadounidenses en el extranjero como Marsden Hartley, y Stuart Davis, fueron considerados influyentes pintores expresionistas. Aunque Alberto Giacometti se piensa principalmente como un intenso surrealista escultor , hizo pinturas expresionistas intensos de figuras también.
La conciencia social
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George Grosz, 1920,Neue Sachlichkeit
Thomas Hart Benton 1920,Regionalismo
George Bellows, 1924,el realismo estadounidense
- Charles Demuth - La Figura 5 en Gold (1928) .jpg
Charles Demuth 1928, Americanprecisionismo (protoarte pop)
Durante los años 1920 y la década de 1930 y la Gran Depresión , el surrealismo, el cubismo tardío, el Bauhaus, De Stijl, el dadaísmo, expresionismo alemán, el expresionismo, y modernistas y de color magistral pintores como Henri Matisse y Pierre Bonnard caracteriza la escena artística europea. En Alemania Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz y otros politizadas sus pinturas, presagiando la llegada de la Segunda Guerra Mundial. Mientras que en América del American Scene pintura y los realismo y sociales movimientos regionalismo que contenían tanto el comentario político y social dominado el mundo del arte. Artistas como Ben Shahn, Thomas Hart Benton, de Grant Wood, George Tooker, John Steuart Curry, Reginald Marsh, y otros se convirtieron en prominentes. En América Latina, además de la uruguaya pintor Joaquín Torres García y Rufino Tamayo de México, el movimiento muralista con Diego Rivera, David Siqueiros, José Orozco, Pedro Nel Gómez y Santiago Martínez Delgado y los cuadros simbolistas de Frida Kahlo comenzó un renacimiento de las artes para la región, con un uso del color y la histórica, y los mensajes políticos. Frida Kahlo simbolista 's trabaja también relacionarse fuertemente al surrealismo y al movimiento de realismo mágico en la literatura. El drama psicológico en muchos de autorretratos de Kahlo (arriba) ponen de relieve la vitalidad y la pertinencia de sus pinturas a los artistas en el siglo 21.
American Gothic es una pintura de Grant Wood desde 1930. Retrato un agricultor horquilla de retención y una mujer más joven en frente de una casa de estilo gótico del carpintero, que es una de las imágenes más conocidas en el siglo 20 el arte americano. Los críticos de arte tenían opiniones favorables acerca de la pintura, como Gertrude Stein y Christopher Morley, asumieron la pintura estaba destinado a ser una sátira de la vida rural de pueblo pequeño. Así, se ve como parte de la tendencia hacia representaciones cada vez más críticos de la América rural, en la línea de Sherwood Anderson de 1919 Winesburg, Ohio , 1920 Sinclair Lewis ' Main Street , y de Carl Van Vechten La condesa tatuada en la literatura. Sin embargo, con el inicio de la Gran Depresión , la pintura llegó a ser visto como una representación de inquebrantable espíritu pionero americano.
Diego Rivera es quizás mejor conocido por el mundo público por su mural de 1933, " El hombre en la encrucijada ", en el vestíbulo del edificio de la RCA en Centro Rockefeller. Cuando su patrón Nelson Rockefeller descubrió que el mural incluyó un retrato de Lenin y otra comunista imaginería, él despedido Rivera, y el trabajo sin terminar fue finalmente destruido por el personal de Rockefeller. La película Cradle Will Rock incluye una dramatización de la controversia. Frida Kahlo obras (de la esposa de Rivera) se caracterizan a menudo por sus retratos crudos de dolor. De sus 143 pinturas 55 son autorretratos, que con frecuencia incorporan representaciones simbólicas de sus heridas físicas y psicológicas. Kahlo fue profundamente influenciado por la cultura indígena mexicana, que es evidente en los colores brillantes de sus pinturas y de simbolismo dramático. Temas cristianos y judíos se representan a menudo en su trabajo, así; que combina elementos de la clásica tradición religiosa mexicana -que eran a menudo sangrienta y violenta, con representaciones surrealistas. Mientras que sus pinturas no son abiertamente cristiano - que era, después de todo, un comunista confeso - ciertamente contienen elementos del estilo cristiano mexicano macabra de pinturas religiosas.
El activismo político fue una pieza importante de la vida de David Siqueiros, y con frecuencia lo inspiró a dejar de lado su carrera artística. Su arte está profundamente arraigada en la Revolución Mexicana, un período violento y caótico en la historia de México en el que varias facciones políticas y sociales lucharon por el reconocimiento y el poder. El período comprendido entre la década de 1920 a la década de 1950 es conocido como el renacimiento mexicano, y Siqueiros estuvo activo en el intento de crear un arte que era a la vez mexicana y universal. Él dio brevemente la pintura para centrarse en la organización de los mineros en Jalisco. Corrió un taller de arte político en la ciudad de Nueva York, en preparación para el 1936 Huelga General para la Paz y el May Day desfile. El joven Jackson Pollock asistió al taller y ayudó a construir carrozas para el desfile. Entre 1937 y 1938 se luchó en la Guerra Civil española junto a las fuerzas republicanas españolas, en oposición al golpe militar de Francisco Franco. El estaba exiliado dos veces en México, una en 1932 y otra vez en 1940, después de su intento de asesinato de León Trotsky .
Conflicto Mundial
Max Beckmann 1938-1940,Expresionismo
Wassily KandinskyComposición X1939,la abstracción geométrica
Arshile Gorky 1929-1936, preexpresionismo abstracto
Frida Kahlo, 1940, América Latina Simbolismo
Durante la década de 1930 la política de izquierda radical caracterizado muchos de los artistas vinculados al surrealismo, entre ellos Pablo Picasso . El 26 de abril de 1937, durante la Guerra Civil Española, la localidad vasca de Gernika fue el escenario del " Bombardeo de Gernika "por la Legión Cóndor de la Luftwaffe de la Alemania nazi. Los alemanes estaban atacando a apoyar los esfuerzos de Francisco Franco para derrocar el Gobierno Vasco y el gobierno republicano español. La ciudad fue devastada, aunque el conjunto vizcaíno y el roble de Gernika sobrevivieron. Pablo Picasso pintó su mural de tamaño Guernica para conmemorar los horrores de los bombardeos.
En su forma final, Guernica es un inmenso blanco y negro, 3,5 metros (11 pies) de altura y 7,8 metros (23 pies) de ancho mural pintado en aceite. El mural presenta una escena de la muerte, la violencia, la brutalidad, el sufrimiento y desamparo sin retratar sus causas inmediatas. La elección para pintar de contrastes en blanco y negro con la intensidad de la escena representada e invoca la inmediatez de una fotografía de periódico. Picasso pintó el cuadro de tamaño mural llamado Guernica en protesta por los bombardeos. La pintura fue exhibida por primera vez en París en 1937, y luego Escandinavia, luego en Londres en 1938 y finalmente en 1939 a petición de la pintura de Picasso fue enviado a los Estados Unidos en un préstamo a largo plazo (por seguridad) en el MoMA. La pintura fue en un viaje de museos de todo el EE.UU. hasta su regreso definitivo al Museo de Arte Moderno de la Ciudad de Nueva York, donde se exhibió durante casi treinta años. Finalmente de acuerdo con Pablo Picasso deseo 's para dar la pintura a la gente de España como un regalo, que fue enviado a España en 1981.
Durante la Gran Depresión de la década de 1930, a través de los años de arte estadounidense de la Segunda Guerra Mundial se caracterizó por el realismo social y Pintura Escena americana (como se ve arriba) en el trabajo de Grant Wood, Edward Hopper, Ben Shahn, Thomas Hart Benton, y varios otros. Nighthawks (1942) es una pintura de Edward Hopper que retrata personas sentadas en un centro cena tarde por la noche. No sólo es la pintura más famosa de Hopper, pero una de las más reconocibles en el arte americano. Actualmente se encuentra en la colección del Instituto de Arte de Chicago. La escena se inspiró en una cena (ya demolido) en Greenwich Village, el barrio de la casa de Hopper en Manhattan. Hopper comenzó a pintar inmediatamente después del ataque a Pearl Harbor . Después de este evento había un gran sentimiento de tristeza el país, la sensación de que es retratado en la pintura. La calle urbana está vacía fuera del comedor, y en el interior ninguno de los tres patrones aparentemente está buscando o hablar con los demás, sino que se ha perdido en sus propios pensamientos. Este retrato de la vida urbana moderna como vacía o solo es un tema común en toda la obra de Hopper.
La dinámica para los artistas en Europa durante la década de 1930 se deterioró rápidamente como el poder de los nazis en Alemania y en toda Europa del Este aumentó. El clima se hizo tan hostil para los artistas y el arte asociados con el Modernismo y la abstracción que muchos dejaron para las Américas. arte degenerado era un término adoptado por el nazi régimen en Alemania para describir prácticamente todos arte moderno. Dicha técnica fue prohibido en los terrenos que se trataba de un-Alemán o bolchevique judío en la naturaleza, y los identificados como artistas degenerados fueron sometidos a sanciones. Entre ellos está destituido de cargos docentes, se prohíbe exponer o vender su arte, y en algunos casos está prohibido producir arte en su totalidad.
Arte Degenerado era también el título de una exposición, montada por los nazis en Munich en 1937, que consta de obras de arte modernistas caóticamente colgados y acompañados de etiquetas de texto ridiculizando la materia. Diseñado para inflamar la opinión pública contra el modernismo, la exposición posteriormente viajó a varias otras ciudades de Alemania y Austria. Artista alemán Max Beckmann y decenas de otros huyeron de Europa a Nueva York. En la ciudad de Nueva York una nueva generación de pintores modernistas jóvenes y emocionantes liderados por Arshile Gorky, Willem de Kooning, y otros estaban empezando a la mayoría de edad.
El retrato de Arshile Gorky de alguien que podría ser Willem de Kooning (arriba) es un ejemplo de la evolución de expresionismo abstracto del contexto de la pintura de figuras, el cubismo y surrealismo. junto con sus amigos de Kooning y John D. Graham Gorki creado en forma de morphically bio y composiciones figurativas abstractas que en la década de 1940 se desarrollaron en pinturas totalmente abstractas. La obra de Gorki parece ser un análisis cuidadoso de la memoria, las emociones y la forma, el uso de la línea y el color para expresar el sentimiento y la naturaleza.
Hacia mediados de siglo
- Oficina En night.jpg
Edward HopperOficina en la noche(1940),la pintura de escena estadounidense
- Amoskeag Canal, Sheeler.jpg
Charles Sheeler,Amoskeag Canal1948
-
Andrew Wyeth 1948, Realismo
Lucian Freud 1951 - 1952, BritishPintura figurativa
La década de 1940 en la ciudad de Nueva York anunciaron el triunfo de América del expresionismo abstracto, un movimiento modernista que combinan lecciones aprendidas de Henri Matisse , Pablo Picasso , el surrealismo, Joan Miró, el cubismo, el fauvismo, y principios de la modernidad a través de grandes maestros en América como Hans Hofmann y John D. Graham. Artistas estadounidenses se beneficiaron de la presencia de Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst y el grupo de André Breton, la galería de Pierre Matisse, y la galería de Peggy Guggenheim El arte de este siglo , así como otros factores.
Posterior a la Segunda Guerra Mundial estadounidense pintura llamada expresionismo abstracto incluía artistas como Jackson Pollock , Willem de Kooning, Arshile Gorky, Mark Rothko , Hans Hofmann, Clyfford Still, Franz Kline, Adolph Gottlieb, Mark Tobey, Barnett Newman, James Brooks, Philip Guston, Robert Motherwell, Conrad Marca-Relli, Jack Tworkov, William Baziotes , Richard Pousette-Dart, Ad Reinhardt, Hedda Sterne, Jimmy Ernst, Bradley Walker Tomlin, y Theodoros Stamos, entre otros. El expresionismo abstracto estadounidense obtuvo su nombre en 1946 por el crítico de arte Robert Coates. Se ve como la combinación de la intensidad emocional y la abnegación de los expresionistas alemanes con la estética anti-figurativa de las escuelas abstractas europeas, como el futurismo, la Bauhaus y el cubismo sintético. El expresionismo abstracto, la pintura de acción, y la pintura Color Field están en sinónimo de la Escuela de Nueva York.
Técnicamente el surrealismo fue un precursor importante para el expresionismo abstracto, con su énfasis en la espontánea, la creación automática o subconsciente. Jackson Pollock goteo de pintura 's en un lienzo tendido en el suelo es una técnica que tiene sus raíces en la obra de André Masson. Otra manifestación temprana importante de lo que llegó a ser el expresionismo abstracto es el trabajo del artista estadounidense Northwest Mark Tobey, especialmente sus lienzos "escritura blanca", que, aunque por lo general no es grande en escala, anticipar el "todo" mirada de las pinturas de goteo de Pollock.
El expresionismo abstracto
Willem De Kooning 1952-1953expresionismo abstracto figurativo
Jackson Pollock , No. 5, 1948 , expresionismo abstracto
Franz Kline 1954 action painting
Barnett Newman,La Voz de Fuego, 1967,Color Field - expresionismo abstracto
Además, expresionismo abstracto tiene una imagen de ser rebelde, anárquico, altamente idiosincrásico y, algunos se sienten, más nihilista. En la práctica, el término se aplica a cualquier número de artistas que trabajan (sobre todo) en Nueva York que tenían muy diferentes estilos, e incluso aplicar a trabajar que no es especialmente abstracto ni expresionista. Energéticas "de Pollock pinturas de acción ", con su sensación de" ocupado ", son diferentes tanto técnica como estéticamente, al violentos y grotescos Mujeres serie de Willem de Kooning. Como se ha visto en la galería Mujer V es uno de una serie de seis cuadros realizados por De Kooning entre 1950 y 1953, que representan una figura femenina de tres cuartos de longitud. Comenzó la primera de estas pinturas, la mujer me colección: El Museo de Arte Moderno de la Ciudad de Nueva York, en junio de 1950, el cambio y la pintura de la imagen hasta enero o febrero de 1952, cuando la pintura fue abandonada sin terminar repetidamente. El historiador de arte Meyer Schapiro vio la pintura en el estudio de de Kooning poco después y alentó al artista a persistir. La respuesta de De Kooning era comenzar otras tres pinturas sobre el mismo tema; Mujer II colección: El Museo de Arte Moderno de la Ciudad de Nueva York, Woman III , Teherán Museo de Arte Contemporáneo, la mujer IV , Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City, Missouri. durante el verano de 1952, pasó a East Hampton , de Kooning estudiarse más a fondo el tema a través de dibujos y pasteles. Él pudo haber terminado el trabajo sobre la mujer que a finales de junio, o posiblemente tan tarde como noviembre de 1952, y, probablemente, las otras tres mujeres fotos se concluyó casi al mismo tiempo. Las series de la mujer son decididamente pinturas figurativas. Otro artista importante es Franz Kline, como lo demuestra su pintura Número 2 , 1954 (ver galería) como con Jackson Pollock y otros expresionistas abstractos, se marcó un "pintor de la acción", debido a su estilo aparentemente espontánea e intensa, centrándose menos, o no en absoluto, en cifras o imágenes, sino en las pinceladas reales y el uso de la lona.
Clyfford Still,Barnett Newman, (ver arriba),Adolph Gottlieb, y los bloques serenamente brillantes de color enMark Rothkotrabajo 's (que no es lo que generalmente se llama expresionista y que Rothko negado era abstracto), se clasifican como expresionistas abstractos , aunque a partir de lo queClement Greenberg denominó ladirección Coloración Campo de expresionismo abstracto. Ambos Hans Hofmann (ver galería) yRobert Motherwell (galería) se puede describir cómodamente como practicantes de lapintura de acción y de la pintura del color de Campo.
El expresionismo abstracto tiene muchas similitudes estilísticas con los artistas rusos de principios del siglo 20, como Wassily Kandinsky. Si bien es cierto que la espontaneidad o de la impresión de espontaneidad caracterizan muchos de los expresionistas obras abstractas, la mayoría de estas pinturas involucrados planificación cuidadosa, sobre todo porque su gran tamaño lo exigía. Una excepción podría ser las pinturas de goteo de Pollock.
¿Por qué este estilo ganó la aceptación general en la década de 1950 es una cuestión de debate. Americano El realismo social había sido la corriente principal en la década de 1930. Había sido influenciada no sólo por la Gran Depresión , sino también por los realistas sociales de México, como David Alfaro Siqueiros y Diego Rivera. el clima político después de la Segunda Guerra Mundial no tolera mucho las protestas sociales de los pintores. El expresionismo abstracto surgió durante la Segunda Guerra Mundial y comenzó a ser exhibido durante la década de 1940 en galerías de Nueva York como Art of this Century . A finales de 1940 a través de la década de 1950 marcó el comienzo de mediados de la era McCarthy. Fue después de la Segunda Guerra Mundial y una época de conservadurismo político y la censura artística extrema en los Estados Unidos. Algunas personas han conjeturado que ya que el tema era a menudo totalmente abstracto, expresionismo abstracto se convirtió en una estrategia segura para los artistas a seguir este estilo. El arte abstracto puede ser visto como apolítico. O si el arte era político, el mensaje era en gran parte para los de adentro. Sin embargo esos teóricos están en la minoría. Como la primera escuela verdaderamente original de la pintura en América, expresionismo abstracto demostró la vitalidad y la creatividad del país en los años de la posguerra, así como su capacidad (o necesidad) para desarrollar un sentido estético que no se ve limitada por las normas europeas de la belleza.
Aunque expresionismo abstracto se extendió rápidamente por todo Estados Unidos, los principales centros de este estilo fueron la ciudad de Nueva York y California, especialmente en la Escuela de Nueva York, y el área de San Francisco Bay. Pinturas expresionistas abstractas comparten ciertas características, incluyendo el uso de grandes lienzos, un enfoque de "all-over", en la que todo el lienzo está tratado con la misma importancia (en comparación con el ser centro de más interés que los bordes. El lienzo como Arena se convirtió en un credo de la pintura de acción, mientras que la integridad del plano de la imagen se convirtió en un credo de los pintores Color Field.
Durante la década de 1950 la pintura Coloración Campo se refirió inicialmente a un tipo particular de expresionismo abstracto, especialmente la obra de Mark Rothko , Clyfford Still, Barnett Newman, Robert Motherwell y Adolph Gottlieb. En esencia, describe pinturas abstractas con grandes extensiones planas de color que expresan los sentimientos y las propiedades de las grandes áreas de la superficie matizada sensuales y visuales. El crítico de arte Clement Greenberg percibida del campo de color la pintura como en relación con, pero diferente de la pintura de acción. La extensión total y gestalt de la obra de los primeros pintores de campo de color habla de una experiencia casi religiosa, asombrado en la cara de un universo en expansión de la sensualidad, color y superficie. Durante los-principios y mediados de los años 1960 la pintura Color Field era el término usado para describir a artistas como Jules Olitski, Kenneth Noland, y Helen Frankenthaler, cuyas obras estaban relacionados con la segunda generación del expresionismo abstracto, y para los artistas más jóvenes como Larry Zox y Frank Stella, - todo se mueve en una nueva dirección. Artistas como Clyfford Still, Mark Rothko , Hans Hofmann, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Larry Zox, y otros utilizan a menudo referencias muy reducidos a la naturaleza, y se pintaban con un uso altamente articulado y psicológica de color. En general, estos artistas eliminan imágenes reconocibles. En las montañas y el mar , de 1952, (ver arriba) una obra fundamental de la pintura Color Field de Helen Frankenthaler el artista utiliza la técnica de tinción por primera vez.
En Europa fue la continuación del surrealismo, el cubismo, el dadaísmo y las obras de Matisse . También en Europa, Tachismo (el equivalente europeo al expresionismo abstracto) se apoderó de la nueva generación. Serge Poliakoff, Nicolas de Staël, Georges Mathieu, Vieira da Silva, Jean Dubuffet, Yves Klein y Pierre Soulages entre otros se consideran importantes figuras de la pintura europea de la posguerra.
Con el tiempo la pintura abstracta en América se convirtió en movimientos como el Neo-Dada, pintura Color Field, la abstracción pictórica Publicar, Op art, hard edge, arte minimalista, pintura de la lona en forma, Abstracción lírica, Neo-expresionismo y la continuación del expresionismo abstracto. Como respuesta a la tendencia hacia la abstracción imaginería surgió a través de diversos nuevos movimientos, en particular del arte pop.
Arte pop
Jasper Johns 1954-1955 pre- Arte Pop
Roy Lichtenstein, 1963 Arte Pop
Andy Warhol1962,Arte Pop (repetición)
David Hockney1967, Inglés Arte Pop
El término "arte pop" fue utilizado por Lawrence Alloway en Inglaterra en 1958 para describir pinturas que celebran el consumismo de la era posterior a la Segunda Guerra Mundial. Este movimiento rechazó el expresionismo abstracto y su enfoque en la hermenéutica y el interior psicológico, a favor del arte que representa, ya menudo la cultura de consumo de material célebre, la publicidad, y la iconografía de la época de producción en masa. Las primeras obras de David Hockney y las obras de Richard Hamilton Peter Blake y Eduardo Paolozzi se consideraron ejemplos seminales en el movimiento.
El arte pop en Estados Unidos fue en gran medida inspirado inicialmente por las obras de Jasper Johns, Larry Rivers y Robert Rauschenberg. Aunque las pinturas de Gerald Murphy, Stuart Davis y Charles Demuth durante los años 1920 y 1930 ponen la mesa para el arte pop en Estados Unidos. En la ciudad de Nueva York a mediados de la década de 1950 , Robert Rauschenberg y Jasper Johns crearon obras de arte que en un principio parecía ser una continuación de la pintura expresionista abstracta. En realidad sus obras y el trabajo de Larry Rivers, eran desviaciones radicales del expresionismo abstracto sobre todo en el uso de las imágenes banales y literal y la inclusión y la combinación de materiales mundanos en su trabajo. Las innovaciones de uso específico Johns 'de varias imágenes y objetos como sillas, números, metas, latas de cerveza y la bandera de Estados Unidos; Ríos pinturas de temas extraídos de la cultura popular, como George Washington cruzando el Delaware, y sus inclusiones de imágenes de los anuncios como el camello de los cigarrillos Camel, y sorprendentes construcciones de Rauschenberg usando inclusiones de objetos e imágenes tomadas de la cultura popular, ferreterías, depósitos de chatarra, las calles de la ciudad, y la taxidermia dieron lugar a un nuevo movimiento radical en el arte americano. Finalmente en 1963 el movimiento llegó a ser conocido en todo el mundo como arte pop.
Arte pop estadounidense se ejemplifica por los artistas: Andy Warhol , Claes Oldenburg, Wayne Thiebaud, James Rosenquist, Jim Dine, Tom Wesselmann y Roy Lichtenstein, entre otros. El arte pop se fusiona la cultura popular y de masas con obras de arte, mientras que la inyección de humor, la ironía, y las imágenes reconocibles y contenido en la mezcla. En octubre de 1962 la galería de Sidney Janis monta Los Nuevos Realistas la primera gran exposición colectiva de arte pop en una galería de arte de la parte alta de Nueva York. Sidney Janis montada la exposición en una tienda de la calle 57 cerca de su galería en 15 E. 57th Street. El espectáculo envió ondas de choque a través de la Escuela de Nueva York y reverberó en todo el mundo. Más temprano en el otoño de 1962 una importancia histórica y pionera Nueva Pintura de objetos comunes exposición de arte pop, comisariada por Walter Hopps en el Museo de Arte de Pasadena envió ondas de choque a través del oeste de Estados Unidos.
Mientras que en la escena del centro de la Ciudad de Nueva York East Village 10a Calle artistas galerías fueron la formulación de una versión americana del arte pop. Claes Oldenburg tenía su tienda, y la Galería verde en la calle 57 comenzó a mostrar Tom Wesselmann y James Rosenquist. Más tarde Leo Castelli exhibió otra artistas americanos, incluyendo la mayor parte de la carrera de Andy Warhol y Roy Lichtenstein y su uso de puntos Benday, una técnica utilizada en la reproducción comercial. Hay una conexión entre las obras radicales de Duchamp y Man Ray, los dadaístas rebeldes - con un sentido del humor; y los artistas pop como Alex Katz (que llegó a ser conocido por su parodia de la fotografía de retrato y de la vida suburbana), Claes Oldenburg, Andy Warhol, Roy Lichtenstein y los demás.
Si bien a lo largo del siglo 20 muchos pintores continuaron practicando paisaje y la pintura figurativa con temas contemporáneos y técnica sólida, como Milton Avery, John D. Graham, Fairfield Porter, Edward Hopper, Balthus, Francis Bacon, Nicolas de Staël,Andrew Wyeth,Lucian Freud,Frank Auerbach,Philip Pearlstein,David Park,Nathan Oliveira,David Hockney,Malcolm Morley,Richard Estes,Ralph Goings,Audrey Flack,Chuck Close,Susan Rothenberg, Eric Fischl, Vija Celmins yRichard Diebenkorn.
Figurativo, Paisaje, Naturaleza muerta, y el realismo
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Edward Hopper, 1943,verano,paisaje urbano
Balthus, 1951,figurativaexpresionista
Milton Avery, 1958, paisaje
Francis Bacon 1953, BritishExpresionismo
Durante la década de 1930 hasta la década de 1960 la pintura abstracta en América y Europa se convirtió en movimientos como el expresionismo abstracto, la pintura Color Field, la abstracción pictórica Publicar, Op art, hard edge, arte minimalista, pintura de la lona en forma, y la abstracción lírica. Otros artistas reaccionaron como una respuesta a la tendencia hacia la abstracción, lo que permite la imaginería figurativa para continuar a través de varios nuevos contextos, como el Movimiento Figurativa Área de la Bahía en la década de 1950 y las nuevas formas de expresionismo de la década de 1940 a través de la década de 1960. En Italia durante este tiempo, Giorgio Morandi fue el pintor de la vida aún más importante, la exploración de una amplia variedad de enfoques que representa botellas diarias e implementos de cocina. A lo largo del siglo 20 muchos pintores practicaron Realismo y utilizan imágenes expresiva; practicar el paisaje y la pintura figurativa con temas contemporáneos y técnica sólida y expresividad única como pintor de naturalezas muertas de Giorgio Morandi, Milton Avery, John D. Graham, Fairfield Porter, Edward Hopper, Andrew Wyeth, Balthus, Francis Bacon, Leon Kossoff, Frank Auerbach, Lucian Freud, Philip Pearlstein, Willem de Kooning, Arshile Gorky, Grace Hartigan, Robert De Niro, Sr., Elaine de Kooning y otros. Junto con Henri Matisse , Pablo Picasso , Pierre Bonnard, Georges Braque, y otros maestros del siglo 20.
Estudio tras Retrato del Papa Inocencio X de Velázquez , 1953 (véase más arriba) es una pintura de la artista de origen irlandés Francis Bacon y es un ejemplo de Post II Guerra Mundial Europeo expresionismo . El trabajo muestra una versión distorsionada del retrato de Inocencio X pintado por el artista español Diego Velázquez en 1650. La obra es uno de una serie de variantes de la pintura de Velázquez que Bacon ejecutado en toda la década de 1950 y comienzos de 1960, sobre un total de cuarenta obras -cinco. Cuando se le preguntó por qué estaba obligado a revisar el tema con tanta frecuencia, Bacon respondió que no tenía nada en contra de los Papas, que se limitó a "quería una excusa para usar estos colores, y no se puede dar a la ropa de calle que el color púrpura, sin entrar en un especie de falsa manera fauve ". El Papa en esta versión hierve de ira y la agresión, y los colores oscuros dan a la imagen un aspecto grotesco y de pesadilla. Las cortinas plisadas del telón de fondo se vuelven transparentes, y parecen caer a través de la cara del Papa.
Pintor italiano Giorgio Morandi fue un importante del siglo 20, los pioneros del minimalismo. Nacido en Bolonia, Italia , en 1890, a lo largo de su carrera, Morandi se concentró casi exclusivamente en bodegones y paisajes, a excepción de algunos autorretratos. Con gran sensibilidad al tono, color y equilibrio compositivo, habría representar las mismas botellas familiares y jarrones y otra vez en las pinturas notables por su simplicidad de ejecución. Morandi ejecutado 133 aguafuertes, un importante cuerpo de trabajo en su propio derecho, y sus dibujos y acuarelas menudo se acercan abstracción en su economía de medios. A través de su motivos simples y repetitivas y uso económico de color, valor y superficie, Morandi se convirtió en un precursor profético e importante del minimalismo. Murió en Bolonia en 1964.
Después de la Segunda Guerra Mundial el término Escuela de París refiere a menudo Tachismo, el equivalente europeo del expresionismo abstracto norteamericano y los artistas también están relacionados con la cobra. Proponentes importantes siendo Jean Dubuffet, Pierre Soulages, Nicholas de Staël, Hans Hartung, Serge Poliakoff, y Georges Mathieu, entre varios otros. Durante la década de 1950 Dubuffet (que siempre fue un artista figurativo), y la abstracción de Staël, abandonados, y regresaron a las imágenes a través de la figuración y el paisaje. Obra De Staël 's fue rápidamente reconocido dentro del mundo del arte de la posguerra, y se convirtió en uno de los artistas más influyentes de la década de 1950. Su regreso a la representación (paisajes marinos, futbolistas, músicos de jazz, gaviotas) durante la década de 1950 puede ser visto como un precedente influyente para la American Movimiento Figurativa Área de la Bahía, ya que muchos de los pintores abstractos como Richard Diebenkorn, David Park, Elmer Bischoff, Wayne Thiebaud, Nathan Oliveira, Joan Brown y otros hicieron un movimiento similar; volver a las imágenes a mediados de los años 1950. Gran parte de Staël 'obra tardía s - en particular, su diluido, y el aceite diluido sobre lienzo paisajes abstractos de los mediados de los años 1950 predice la pintura Color Field y la abstracción lírica de los años 1960 y 1970. Nicolas de Staël "colores vivos e intensamente vivida en s sus últimas pinturas predicen la dirección de la mayor parte de la pintura contemporánea que vinieron después de él incluyendo el arte pop de la década de 1960.
Art brut, Nuevo Realismo, Bay Area Movimiento figurativo, neo-dadaísmo, fotorrealismo
Jean Dubuffet, 1962,Art Brut
Richard Diebenkorn 1963,Área de la Bahía Movimiento Figurativa
Richard Estes 1968,Fotorrealismo
Fairfield Porter 1971-1972, Costa Este la pintura figurativa
Durante los años 1950 y 1960 como la pintura abstracta en América y Europa convertido en movimientos como la pintura Color Field, la abstracción post-pictórica, op art, hard edge, minimal art, pintura de la lona en forma, abstracción lírica, y la continuación del expresionismo abstracto . Otros artistas reaccionaron como una respuesta a la tendencia hacia la abstracción con el art brut, fluxus, neo-dadaísmo, Nuevo Realismo, permitiendo que las imágenes de volver a emerger a través de diversos contextos nuevos como el arte pop, el Figurativa Movimiento área de la bahía y más tarde en la década de 1970 Neo- expresionismo. El Área de la Bahía Movimiento Figurativa de los cuales David Park, Elmer Bischoff, Nathan Oliveira y Richard Diebenkorn cuya pintura Paisaje urbano 1 , 1963 es un ejemplo típico (véase más arriba) fueron influyentes miembros florecido durante los años 1950 y 1960 en California . Aunque a lo largo del siglo 20 pintores continuaron practicando el realismo y el uso de imágenes, la práctica de paisaje y la pintura figurativa con temas contemporáneos y técnica sólida y expresividad única como Milton Avery, Edward Hopper, Jean Dubuffet, Francis Bacon, Frank Auerbach, Lucian Freud, Philip Pearlstein, y otros. Pintores más jóvenes practican el uso de imágenes de formas nuevas y radicales. Yves Klein, Arman, Martial Raysse, Christo, Niki de Saint Phalle, David Hockney , Alex Katz, Malcolm Morley, Ralph Goings, Audrey Flack, Richard Estes, Chuck Close, Susan Rothenberg, Eric Fischl, y Vija Celmins eran unos pocos que llegó a ser prominente entre los años 1960 y la década de 1980. Fairfield Porter (véase más arriba) fue en gran parte autodidacta, y produjeron el trabajo de representación en medio del movimiento expresionista abstracto. Sus temas eran sobre todo paisajes, interiores domésticos y retratos de la familia, amigos y compañeros artistas, muchos de ellos afiliados a la Escuela de Nueva York de escritores, entre ellos John Ashbery, Frank O'Hara y James Schuyler. Muchas de sus pinturas se establecieron en o alrededor de la casa de verano de la familia en Gran Spruce Head Island, Maine.
También durante los años 1960 y 1970, hubo una reacción contra la pintura. Críticos como Douglas Crimp vieron la obra de artistas como Ad Reinhardt, y declararon la "muerte de la pintura". Los artistas comenzaron a practicar nuevas formas de hacer arte. Nuevos movimientos ganaron protagonismo algunos de los cuales son: postminimalismo, el arte de la Tierra, el videoarte, el arte de instalación, el arte povera, arte de la performance, arte corporal, fluxus, arte correo, los situacionistas y arte conceptual entre otros.
Neo-Dada es también un movimiento que comenzó 1n los años 1950 y 1960 y fue relacionado con el expresionismo abstracto solamente con imágenes. Con la aparición de artículos manufacturados combinados, con materiales de artista, se aleja de las convenciones anteriores de la pintura. Esta tendencia en el arte es ejemplificado por la obra de Jasper Johns y Robert Rauschenberg, cuyos "cosechadoras" en la década de 1950 fueron precursores del arte pop y el arte de instalación y uso que se hace del conjunto de grandes objetos físicos, incluyendo rellenos animales, aves y comercial . fotografía Robert Rauschenberg, (ver título combinan , 1963, anteriormente), Jasper Johns, Larry Rivers, John Chamberlain, Claes Oldenburg, George Segal, Jim Dine, y Edward Kienholz entre otros fueron pioneros importantes de la abstracción y el Pop Art; la creación de nuevas convenciones del arte de decisiones; hicieron aceptable en serios círculos de arte contemporáneo de la inclusión radical de materiales inverosímiles como partes de sus obras de arte.
Nueva abstracción de la década de 1950 hasta la década de 1980
Ellsworth Kelly, 1951,pintura del Duro-borde
Yves Klein, 1962,pintura monocromática
Josef Albers 1965,la abstracción geométrica
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Richard Anuszkiewicz, 1985Op Art
Pintura Coloración Campo señaló claramente hacia una nueva dirección en la pintura americana, lejos del expresionismo abstracto. Pintura Coloración Campo está relacionado con la abstracción post-pictórica, el suprematismo, el expresionismo abstracto, hard edge y la abstracción lírica.
Durante los años 1960 y 1970 la pintura abstracta continuó desarrollando en América a través de estilos variados. La abstracción geométrica, el arte Op, hard edge, pintura Color Field y pintura mínima, eran algunas direcciones interrelacionadas para la pintura abstracta avanzada, así como algunos otros nuevos movimientos. Morris Louis era un pionero importante en avanzado pintura Color Field, su trabajo puede servir como un puente entre el expresionismo abstracto, la pintura Color Field, y el arte minimalista. Dos maestros influyentes Josef Albers y Hans Hofmann introdujeron una nueva generación de artistas americanos a sus teorías avanzadas de color y espacio. Josef Albers es mejor recordado por su trabajo como pintor abstraccionista geométrica y teórico. El más famoso de todos son los cientos de pinturas y grabados que componen la serie Homenaje al cuadrado , (ver galería). En esta serie rigurosa, que se inició en 1949, Albers exploró las interacciones cromáticas con cuadrados de colores planos dispuestos concéntricamente en el lienzo. Teorías Albers 'sobre el arte y la educación eran formativa para la próxima generación de artistas. Sus propias pinturas forman la base tanto de hard edge y el arte de Op.
Josef Albers, Hans Hofmann,Ilya Bolotowsky,Burgoyne Diller,Victor Vasarely,Bridget Riley,Richard Anuszkiewicz,Frank Stella,Morris Louis, Kenneth Noland, Ellsworth Kelly, Barnett Newman, Larry Poons,Ronald Davis,Larry Zox,Al Held y algunos otros comoMino Argento, son artistas estrechamente asociado conLa abstracción geométrica, el arte Op, pintura Color Field, y en el caso de Hofmann y Newman El expresionismo abstracto, así.
En 1965, una exposición llamada The Responsive Ojo , comisariada por William C. Seitz, se celebró en el Museo de Arte Moderno, en la ciudad de Nueva York. Los trabajos mostrados han sido muy variados, abarcando el minimalismo de Frank Stella, el arte de Op Larry Poons, obra de Alexander Liberman, junto a los maestros del movimiento Op Art: Victor Vasarely, Richard Anuszkiewicz, Bridget Riley y otros. La exposición se centró en los aspectos de percepción del arte, que resultan tanto de la ilusión de movimiento y la interacción de las relaciones entre los colores. Op art, también conocido como arte óptico, se utiliza para describir algunas pinturas y otras obras de arte que utilizan ilusiones ópticas. Arte Op también es muy afín al la abstracción geométrica y hard edge. Aunque a veces el término utilizado para ello es la abstracción perceptual.
Op art es un método de pintura relativo a la interacción entre la ilusión y el plano de la imagen, entre la comprensión y ver. Obras de arte Op son abstractos, con muchas de las piezas más conocidas hechas sólo en blanco y negro. Cuando el espectador mira, se da la impresión de movimiento, las imágenes ocultas, el parpadeo y las vibraciones, los patrones, o, alternativamente, de la hinchazón o deformaciones.
Pintura Coloración Campo trató de deshacerse arte de la retórica superflua. Artistas como Clyfford Still, Mark Rothko , Hans Hofmann, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Larry Zox, y otros utilizan a menudo referencias muy reducidos a la naturaleza, y se pintaban con un uso altamente articulado y psicológica de color. En general, estos artistas eliminan imágenes reconocibles. Ciertos artistas citan referencias al arte del pasado o del presente, pero en la pintura general de campo de color presenta la abstracción como un fin en sí mismo. En la consecución de esta dirección de arte moderno, los artistas quisieron presentar cada cuadro como una imagen unificada, cohesiva, monolítica.
Frank Stella, Kenneth Noland, Ellsworth Kelly, Barnett Newman, Ronald Davis, Neil Williams, Robert Mangold, Charles Hinman, Richard Tuttle, David Novros, y Al Amar son ejemplos de los artistas asociados con el uso de la tela en forma durante el período que se inicia a principios de 1960. Muchos geométrico abstracto artistas, minimalistas y pintores Duro-borde elegidos para utilizar los bordes de la imagen para definir la forma de la pintura en lugar de aceptar el formato rectangular. De hecho, el uso de la tela con forma se asocia principalmente con pinturas de los años 1960 y 1970 que son fríamente abstracta , formalista, geométrica, objetiva, racionalista, de líneas puras, descaradamente agudo filo, o minimalista en carácter. El Emmerich Galería Andre, la Galería Leo Castelli, el Feigen Galería Richard, y el Park Place Gallery eran vitrinas importantes para la pintura del color campo, pintura de la lona en forma y la abstracción lírica, en la ciudad de Nueva York durante la década de 1960. Hay una conexión con la abstracción post-pictórica, que reaccionó contra el misticismo expresionismos abstractos ', hiper-subjetividad, y el énfasis en hacer que el acto de la pintura misma dramáticamente visible -, así como la aceptación solemne del rectángulo plano como un requisito casi ritual para pintura grave. Durante la década de 1960 la pintura y Coloración Campo arte minimalista a menudo se asocia estrechamente con los demás. En la actualidad por la década de 1970 ambos movimientos se convirtieron decididamente diversa.
Escuela Color Washington, en forma de lienzo, Abstracto Ilusionismo, abstracción lírica
Gen Davis 1964,la Escuela de Washington Color
Frank Stella 1967,en forma de lienzo
Ronald Davis 1968,Resumen Ilusionismo
Ronnie Landfield, 1968,abstracción lírica
Otro movimiento relacionado de la década de 1960 abstracción lírica es un término europeo que fue prestado por Larry Aldrich (el fundador del Museo de Arte Contemporáneo Aldrich, Ridgefield Connecticut) en 1969 para describir lo Aldrich dijo que vio en los estudios de muchos artistas en ese momento . También es el nombre de una exposición que se originó en el Museo Aldrich y viajó al Museo Whitney de Arte Americano y otros museos en los Estados Unidos entre 1969 y 1971.
Abstracción lírica a finales del decenio de 1960 se caracterizó por las pinturas de Dan Christensen, Ronnie Landfield, Peter Young y otros, y junto con el movimiento fluxus y postminimalismo (un término acuñado por Robert Pincus-Witten en las páginas de Artforum en 1969) trató de ampliar los límites de resumen la pintura y el minimalismo, centrándose en el proceso, los nuevos materiales y nuevas formas de expresión. postminimalismo menudo incorporando materiales industriales, materias primas, fabricaciones, objetos encontrados, la instalación, la repetición en serie, ya menudo con referencias al dadaísmo y el surrealismo se ejemplifica mejor en las esculturas de Eva Hesse. Abstracción lírica, conceptual arte, postminimalismo, el arte de la Tierra, video, arte de la performance, arte de la instalación, junto con la continuación de fluxus, el expresionismo abstracto, la pintura Color Field, pintura dura de vanguardia, arte minimal, op art, arte pop, fotorrealismo y Nuevo Realismo extendió los límites del actual arte a mediados de la década de 1960 hasta la década de 1970. Abstracción lírica es un tipo de pintura abstracta de rueda libre que surgió a mediados de la década de 1960 cuando los pintores abstractos regresaron a diversas formas de pictórica, gráfica, el expresionismo con un enfoque predominante en el proceso, gestalt y estrategias compositivas repetitivos en general.
Abstracción lírica comparte similitudes con la pintura de campos de color y el expresionismo abstracto, la abstracción lírica como lo demuestra el 1968 la pintura Ronnie Landfield Para William Blake , (arriba), especialmente en el uso despreocupado de pintura - textura y superficie. Dibujo directo, el uso caligráfico de la línea, los efectos de cepillado, salpicado, manchada, squeegeed, vertido, y la pintura salpicó superficialmente se parecen a los efectos observados en el expresionismo abstracto y la pintura campo de color. Sin embargo, los estilos son muy diferentes. Que lo distingue de el expresionismo abstracto y la pintura de acción de los años 1940 y 1950 es el acercamiento a la composición y el drama. Como se ve en la pintura de acción hay un énfasis en pinceladas, drama compositivo, tensión compositiva dinámico. Mientras que en la abstracción lírica, hay un sentido de la aleatoriedad de composición, en todo composición, bajo llave y el drama compositivo relajado y un énfasis en el proceso, la repetición, y un todo sensibilidad.,
Pintura del Duro-borde, el minimalismo, postminimalismo, pintura monocromática
Larry Poons, ca. 1964, pintura del Duro-borde
Robert Mangold 1981, Minimalismo
Richard Tuttle, 1967,postminimalismo
Brice Marden, 1966/1986,la pintura monocromática
Agnes Martin, Robert Mangold (ver arriba), Brice Marden, Jo Baer, Robert Ryman, Richard Tuttle, Neil Williams, David Novros, Paul Mogenson, son ejemplos de los artistas asociados con el minimalismo y (excepciones de Martin, Baer y Marden) el uso de la lona en forma también durante el período que comienza a principios de 1960. Muchos artistas geométricos abstractos, minimalistas y pintores de vanguardia duro elegidos para utilizar los bordes de la imagen para definir la forma de la pintura en lugar de aceptar el formato rectangular. De hecho, el uso de la tela con forma se asocia principalmente con pinturas de los años 1960 y 1970 que son fríamente abstracta, formalista, geométrica, objetiva, racionalista, de líneas puras, descaradamente agudo filo, o minimalista en carácter. La Bykert Gallery, y el Park Place Gallery eran vitrinas importantes para el minimalismo y la pintura de la lona en forma de la ciudad de Nueva York durante la década de 1960.
Durante los años 1960 y 1970 artistas como Robert Motherwell, Adolph Gottlieb,Phillip Guston,Lee Krasner, Cy Twombly, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Richard Diebenkorn, Josef Albers, Elmer Bischoff, Agnes Martin,Al Held, Sam Francis, Ellsworth Kelly,Morris Louis, Helen Frankenthaler, de Gene Davis,Frank Stella, Kenneth Noland, Joan Mitchell,Friedel Dzubas y artistas más jóvenes Brice Marden como,Robert Mangold,Sam Gilliam,Sean Scully,Pat Steir,Elizabeth Murray,Larry Poons, Walter Darby Bannard, Larry Zox, Ronnie Landfield, Ronald Davis,Dan Christensen, Joan Snyder,Ross Bleckner,Archie Rand,Susan Crile, y docenas de otros producido una amplia variedad de pinturas.
Durante los años 1960 y 1970, hubo una reacción contra la pintura abstracta. Algunos críticos vieron la obra de artistas como Ad Reinhardt, y declararon la "muerte de la pintura". Los artistas comenzaron a practicar nuevas formas de hacer arte. Nuevos movimientos ganaron protagonismo algunos de los cuales son: postminimalismo, el arte de la Tierra, el videoarte, el arte de instalación, el arte povera, arte de la performance, arte corporal, fluxus, arte correo, los situacionistas y arte conceptual entre otros.
Sin embargo todavía otras innovaciones importantes en la pintura abstracta tuvieron lugar durante los años 1960 y 1970 se caracteriza por la pintura monocromática y hard edge inspirado por Ad Reinhardt, Barnett Newman, Milton Resnick, y Ellsworth Kelly. Artistas tan diversos como Agnes Martin, Al Held, Larry Zox, Frank Stella, Larry Poons, Brice Marden y otros exploran el poder de simplificación. La convergencia de la pintura Color Field, arte minimal, hard edge, abstracción lírica, y postminimalismo borrosa la distinción entre los movimientos que se hicieron más evidentes en los años 1980 y 1990. La movimiento neo-expresionismo está relacionada con la evolución de anteriores en el expresionismo abstracto, el neo- Dada, abstracción lírica y la pintura postminimal.
Neo Expresionismo
Philip Guston 1972, pre-Neo-expresionismo
Susan Rothenberg 1979,Neo-expresionismo
Eric Fischl 1981, FigurativoNeo-expresionismo
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Anselm Kiefer 1983, EuropeoNeo-expresionismo
A finales de 1960 el pintor expresionista abstracto Philip Guston ayudó a liderar una transición desde el expresionismo abstracto a Neo-expresionismo en la pintura, el abandono de la llamada "abstracción pura" del expresionismo abstracto en favor de las representaciones más caricaturescas de varios símbolos y objetos personales. Estas obras fueron fuente de inspiración para una nueva generación de pintores interesados en un renacimiento de la imaginería expresivo. Su pintura pintura, fumar, comer 1973, visto anteriormente en la galería es un ejemplo de retorno final y concluyente de Guston a la representación.
A finales de 1970 y principios de 1980, también hubo un retorno a la pintura que se produjo casi simultáneamente en Italia, Alemania, Francia y Gran Bretaña . Estos movimientos fueron llamados Transavantguardia, Neue Wilde, Figuración Libre, Neo-expresionismo, la escuela de Londres, y en los años 80 los Stuckists respectivamente. Estas pinturas se caracterizaron por grandes formatos, libre expresiva toma de marca, la figuración, el mito y la imaginación. Todos los trabajos en este género llegó a ser etiquetados neoexpresionismo. La reacción crítica se dividió. Algunos críticos lo consideraron como impulsado por motivaciones lucrativas por las grandes galerías comerciales. Este tipo de arte sigue en popularidad en el siglo 21, incluso después de la caída de arte de finales de 1980. Anselm Kiefer es una figura destacada en Europa Neo-expresionismo por la década de 1980, (ver a lo desconocido Pintor 1983, en la galería de arriba) temas de Kiefer se abrieron a partir de un enfoque en el papel de Alemania en la civilización a la suerte del arte y la cultura en general. Su trabajo se hizo más escultórico e implica no sólo la identidad nacional y la memoria colectiva, pero también oculta simbolismo, la teología y la mística . El tema de todo el trabajo es el trauma experimentado por sociedades enteras, y el continuo renacimiento y renovación en la vida.
Durante la década de 1970 en los pintores estadounidenses que comenzaron a trabajar con superficies vigorizado y que regresó a las imágenes comoSusan Rothenberg ganó en popularidad, especialmente como se ve más arriba en pinturas comocaballo 2, 1979. Durante la década de 1980 los artistas americanos comoEric Fischl, (véaseBad Boy, 1981, anteriormente),David Salle, Jean-Michel Basquiat, Julian Schnabel, yKeith Haring, y los pintores italianos comoMimmo Paladino,Sandro Chia, yEnzo Cucchi, entre otros definen la idea deNeo-expresionismo en América.
Neo-expresionismo era un estilo de pintura moderna que se hizo popular a finales de 1970 y dominó el mercado del arte hasta mediados de la década de 1980. Se desarrolló en Europa como una reacción contra el conceptual y el arte minimalista de los años 1960 y 1970. Los neo-expresionistas volvieron a retratar objetos reconocibles, como el cuerpo humano (aunque a veces de una manera casi abstracta), de una manera áspera y violenta emocional utilizando colores vivos y armonías de color banales. Los pintores veteranos Philip Guston, Frank Auerbach, Leon Kossoff, Gerhard Richter, AR Penck y Georg Baselitz, junto con artistas ligeramente más jóvenes como Anselm Kiefer, Eric Fischl, Susan Rothenberg, Francesco Clemente, Jean-Michel Basquiat, Julian Schnabel, Keith Haring, y muchos otros fueron conocidos por trabajar en este intenso vena expresionista de la pintura.
Pintura todavía mantiene una posición respetada en arte contemporáneo. arte es un campo abierto ya no dividido por el objetivo dicotomía no objetiva. Los artistas pueden lograr el éxito crítico si sus imágenes son de representación o abstracto. ¿Qué tiene de divisas es el contenido, la exploración de los límites de la media, y la negativa a recapitular las obras del pasado como un objetivo final.
La pintura contemporánea en el siglo 21
Al comienzo de la Pintura contemporánea del siglo 21 y el arte contemporáneo en general continúa en varios modos contiguos, que se caracteriza por la idea de pluralismo. La "crisis" en la pintura y el arte actual y corriente la crítica de arte hoy es provocada por pluralismo. No hay consenso, ni tiene por qué haber, como a un estilo representativo de la edad. No es un todo vale actitud que prevalece; un "todo lo que pasa", y por lo tanto "nada que hacer" síndrome; esto crea un atasco de tráfico estética sin rumbo firme y clara y con cada carril de la artística superautopista de lleno a capacidad. En consecuencia obras magníficas e importantes de arte se siguen realizando aunque de una gran variedad de estilos y temperamentos estéticos, el mercado está dejando de juzgar el mérito.
Pintura del Duro-borde, la abstracción geométrica,apropiación,hiperrealismo,realismo fotográfico,expresionismo,minimalismo, Abstracción lírica, arte pop, op art,el expresionismo abstracto,la pintura Color Field,la pintura monocromática,neo-expresionismo, collage, la pintura intermedia,pintura ensamblaje,pintura digital,pintura postmoderna,neo-dadaísmo pintura,pintura de la lona en forma , ambientalpintura mural, tradicional la pintura de figuras, pintura de paisaje,pintura del retrato, algunas direcciones constantes y actuales en la pintura al principio del siglo 21.
Pintura en las Américas
Durante el período antes y después de la exploración europea y la liquidación de las Américas, incluyendo América del Norte, América Central, América del Sur y las Islas del Caribe, las Antillas, las Antillas Menores y otros grupos de islas, las culturas nativas indígenas producen obras creativas, incluyendo la arquitectura, cerámica , cerámica, tejido, talla, escultura , pintura y murales, así como otros objetos religiosos y utilitarias. Cada continente de las Américas organizó sociedades que eran culturas únicas y desarrollados de forma individual; que los tótems producidos, obras de simbolismo religioso y obras pintadas decorativos y expresivas. Influencia africana fue especialmente fuerte en el arte del Caribe y América del Sur. Las artes de los pueblos indígenas de las Américas tuvieron un enorme impacto e influencia en el arte europeo y viceversa, durante y después de la Era de la Exploración . España, Portugal, Francia, Países Bajos e Inglaterra eran poderosos e influyentes potencias coloniales en las Américas durante y después del siglo 15. En el siglo 19 la influencia cultural comenzó a fluir en ambos sentidos a través del Atlántico
México y Centroamérica
Gran mural diosa del sitio enTeotihuacán, México
Una parte del mural real a partir del compuesto Tepantitla que aparece bajo el retrato Gran Diosa, México
Mural del compuesto Tepantitla mostrando lo ha sido identificado como un aspecto de laGran Diosa de Teotihuacan, de una reproducción en elMuseo Nacional de Antropología en la Ciudad de México
Jaguar mural desde el sitio enTeotihuacán, México
La Mural maya deGuatemala, período Pre-Clásico (1-250 dC)
Pintura en el Señor de la vasija trono piel de jaguar, una escena de lacorte Maya, 700-800 AD.
Un mural maya deBonampak, México, 580-800 AD.
Un mural maya deBonampak, 580-800 dC
Pintura de uncódice maya
Pintado estatuilla de cerámica de un borracho en el sitio de entierro enla isla de Jaina, el arte maya, 400-800 AD.
Relieve del sitio maya pintadoPalenque, con el hijo deK'inich Ahkal Mo 'Naab' III (678-730s ?, r. 722-729).
Pintura en un jarrón Maya del Periodo Clásico Tardío (600-900), a partir deCopán,Honduras
Unaztecapintura delCódice Borgia
Unaztecapintura delCódice Borbónico
Detalle dela Batalla Mural, c.600-700,Cacaxtla, México
Una pintura del Códice Mendoza mostrando mayoraztecasestá dando intoxicantes, México, c.1553
Sudamérica
Orca, cerámica pintada,la cultura Nazca, 300 aC-800 dC,Museo Larco.Lima, Perú
Pintado cerámica de lacultura Nazca dePerú, 300 aC-800 dC
La Mural de Moche de un decapitator delde la Luna Huaca sitio,Perú, 100-700 AD.
Murales Moche de lade la Luna Huaca sitio,Perú, 100-700 AD.
Pintado cerámica de lacultura Huari dePerú, 500-1200 dC
La pintura corporal,los pueblos indígenas de Brasil, una pareja de indios de Brasil, c.2000
Norteamérica
Estados Unidos
La Gran Galería,Pictogramas,Parque Nacional Canyonlands, Horseshoe Canyon, Utah, 15 pies (4,6 m) por 200 pies (61 m), c. 1500 BCE
Pictograma, el sureste de Utah, c. 1200 aC la cultura Pueblo
Cerámica pintada , Anasazi, América del Norte: Una cantina (bote) excavada de las ruinas en el cañón del Chaco, Nuevo México, c. AD 700 AD-1100
Jarro de cerámica pintada que muestra la pantera subacuática de la cultura del Mississippi, que se encuentra en Rose Montículo en Cross County, Arkansas, c. 1400-1600.
La Haida máscara de lobo, 1880.
La Jar Hopi porNampeyo (c.1860-1942), hecho enArizona, 1880.
Una niña de la tribu Zuni de Nuevo México con un tarro de cerámica pintado, fotografiado en c. 1903.
Edward S. Curtis, Navajo sandpainting,sepiafotograbado c. 1907
Hombre de Navajo en vestido ceremonial con la máscara y la pintura corporal, c. 1904
Arte Ledger deHaokah (ca. 1880) porHalcón Negro (Lakota).
Kiowa arte del libro mayor, posiblemente de labatalla Buffalo Wallow 1874,Guerra del Río Rojo.
Detalle de la pintura del libro mayor de la muselina de Plata Cuerno (1860-1940), ca. 1880, de Oklahoma Centro de Historia
El trabajo en papel, porel pintor Arapaho,Carl Sweezy (1881-1953), 1904
Una Uncompaghre Ute, Shaved Beaver Ocultar Pintura. El Ute septentrional sería atrapar castores, afeitarse las imágenes en pieles estiradas y curados de los animales, y los utilizan para decorar sus viviendas personales y ceremoniales, c. Siglo 19.
Tótem del Tlingit enKetchikan, Alaska,alrededor del año1901.
ElK'alyaantótem delTlingit Kiks.ádi clan, erigido enSitka National Historical Park para conmemorar las vidas perdidas en el 1804Batalla de Sitka.
La tótem enKetchikan, Alaska, en elestilo de Tlingit.
Máscara de pescado de las personas Yupi'k , madera pintada, Yukon / Kuskokwim región de Alaska, c. principios del siglo 20
De Saxman Totem Park,Ketchikan, Alaska
De Saxman Totem Park,Ketchikan, Alaska
Canadá
Un tótem en Totem Park,Victoria, Columbia Británica.
De Totem Park,Victoria, Columbia Británica.
Caribe
Roca petroglifo superpone con tiza, Ceremonial Indígena de Caguana Centro.Utuado, Puerto Rico.
Pintura islámica
Yahya Ibn Mahmud al-Wasiti, Irak, 1237
Yahya Ibn Mahmud al-Wasiti, Irak, 1237
Syrischer Maler, 1315 Museo Metropolitano de Arte
Ilkhanid Shahnameh, ca. 1330-1340, Smithsonian
Behzad, 1494-1445, Museo Británico
Pintura en miniatura persa, CE 1550
Reza Abbasi, 1609
Razmnama, 1616, Museo Británico
Dos amantes deReza Abbasi, 1630
Miniatura persa Harun al-Rashid, en mil y una noches
Reza Abbasi, 1620
Adán y Eva, Safavid Irán, c. 1550 AD.
Una pintura que representa a Abu Zayd, 1335 AD.
Una escena del libro de Ahmad ibn al-Husayn Ibn al-Ahnaf, que muestra a dos jinetes al galope, 1210 AD.
El ángel Israfil, Irak, 1280 AD.
El secretario, Irak, 1287.
Un ornamentalCorán, por al-Bawwâb, del siglo 11 dC.
Mehmet II, a partir de los álbumes Sarai deEstambul, Turquía, del siglo 15 dC.
Maiden en un gorro de piel, por Muhammad Ali,Isfahan, Irán, a mediados del siglo 17.
Juventud y pretendientes,Mashhad, Irán, 1556-1565 dC.
La representación de los seres humanos, animales o cualquier otro temas figurativos está prohibido en el Islam para evitar que los creyentes de la idolatría para que no haya motivado religiosamente la pintura (o la escultura) tradición dentro de la cultura musulmana. Actividad pictórica se redujo a Arabesque, principalmente abstracto , con geométrica configuración o motivos florales y-como las plantas. Totalmente conectado a la arquitectura y la caligrafía , puede ser vista como utilizado para la pintura de azulejos en las mezquitas o en las iluminaciones de todo el texto del Corán y otros libros. De hecho el arte abstracto no es una invención del arte moderno, pero está presente en pre-clásicas, culturas bárbaras y no occidentales muchos siglos antes de él y es esencialmente un decorativo o artes aplicadas. ilustrador notable MC Escher fue influenciado por este arte a base geométrica y el patrón. Art Nouveau ( Aubrey Beardsley y el arquitecto Antonio Gaudí ) re-introdujeron motivos florales abstractos en el arte occidental.
Tenga en cuenta que a pesar del tabú de la visualización figurativo, algunos países musulmanes hicieron cultivar una rica tradición en la pintura, aunque no en su propio derecho, sino como un complemento de la palabra escrita. Arte iraní o persa, ampliamente conocido como miniatura persa, se concentra en la ilustración de obras épicas o románticos de la literatura. Ilustradores persas evitaron deliberadamente el uso de las sombras y la perspectiva, aunque familiarizados con ella en su historia pre-islámico, con el fin de cumplir con la regla de no crear ninguna ilusión realista del mundo real. Su objetivo no era para representar el mundo tal como es, pero para crear imágenes de un mundo ideal de la belleza atemporal y perfecto orden.
En nuestros días, la pintura por estudiantes de arte o artistas profesionales en los países musulmanes árabes y no árabes siguen las mismas tendencias de arte la cultura occidental.
Irán
Historiador Oriental Basilio Gray cree que "Irán ha ofrecido un arte particularmente único [sic] al mundo que es excelente en su clase". Cuevas en Irán Lorestan provincia exhibición pintadas imágenes de animales y escenas de caza. Algunos, como los de la provincia de Fars y Sialk son al menos 5.000 años de antigüedad. Pintura en Irán se cree que han llegado a su punto culminante durante la época Tamerlán cuando maestros destacados como Kamaleddin Behzad dio a luz a un nuevo estilo de pintura.
Pinturas de la época Qajar, son una combinación de influencias europeas y escuelas miniatura Safavid de pintura, como las introducidas por Reza Abbasi y las obras clásicas de Mihr 'Ali. Maestros como Kamal-ol-molk, empujados más hacia adelante la influencia europea en Irán. Fue durante la era Qajar cuando surgió "Coffee House pintura". Los sujetos de este estilo a menudo eran de naturaleza religiosa que representa escenas de la épica chiítas y similares.
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Kamal-ud-din Bihzad (c 1450 -.. C 1535), La construcción del castillo Khavarnaq ( árabe الخورنق ) en al-Hira, c. 1494-1495 CE
Farrukh de Beg (ca. 1545 - ca. 1615),Un borrachoBaburVuelve al campamento por la noche,Lahore, Pakistán, 1589
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Reza Abbasi (1565-1635),príncipe Muhammad-Beik deGeorgia, 1620
Mihr 'Ali (. Fl 1795-1830),Fat'h Ali Shah Qajar(1813-1814)
Kamal-ol-molk (1847-1940),Quiniela del Futuro, 1892, Museo de Sadabad,Teherán
Pakistán
Lubna Agha,Estrella- una pintura inspirada por los artesanos de Marruecos
AR Chughtai,Anarkali
Oceanía
Australia
Nueva Zelanda
Las Islas del Pacífico
África
Mujer Himba cubierto con la tradicionalrojo ocrepigmento. Tradicional cuerpo pintura simbólica de la tierra y de la sangre, y también usado para la protección contra el sol.
Un Kĩkũyũ mujer en vestido tradicional. Ceremonial]] pintura de la cara.
Joven Maasai Warrior, con tocado ypintura de la cara.
Dogon,cueva circuncisión, con pinturasMalíc. contemporáneo
La cultura tradicional africana y tribus no parecen tener gran interés en representaciones bidimensionales a favor de la escultura y alivio. Sin embargo, la pintura decorativa en la cultura africana es a menudo abstracta y geométrica. Otra manifestación pictórica es la pintura del cuerpo y la cara pintura presente por ejemplo en Maasai y Kĩkũyũ cultura en sus rituales de la ceremonia. Ceremonial pintura rupestre en algunos pueblos se puede encontrar que todavía están en uso. Tenga en cuenta que Pablo Picasso y otros artistas modernos fueron influenciados por la escultura africana y máscaras en sus variados estilos. Artistas africanos contemporáneos seguir los movimientos del arte occidental y sus pinturas tienen poca diferencia de las obras de arte occidentales.
Influencia en el arte occidental
Al comienzo del siglo 20, artistas como Picasso , Matisse , Vincent van Gogh , Paul Gauguin y Modigliani se dieron cuenta de, y fueron inspirados por el arte africano. En una situación en la que estableció vanguardia fue luchando contra las restricciones impuestas por servir al mundo de las apariencias, el arte africano demostró el poder de formas sumamente bien organizados; producido no sólo por responder a la facultad de la vista, sino también y con frecuencia principalmente, la facultad de la imaginación, la emoción y la experiencia mística y religiosa. Estos artistas vieron en el arte africano una perfección formal y la sofisticación unificada con poder expresivo fenomenal.
